El Teatro Colónestá en la lista de los mejores teatros líricos del mundo. Situado en la Ciudad de Buenos Aires y dueño de una acústica de referencia, es venerado por los amantes de la música.
El primer Teatro Colón fue abierto el 25 de abril de 1857 en el predio que hoy ocupa el Banco de la Nación Argentina, sobrela Plaza de Mayo. Hacia 1888, sus puertas se cerraron ante el proyecto de crear para el arte lírico un espacio inigualable en el territorio argentino. Las crisis políticas y económicas en las que se sumió el país impidieron que el teatro reabriera por los próximos 20 años, en los que el Teatro Ópera intentó ocupar su lugar.
El maravilloso edificio que conocemos hoy fue inaugurado el 25 de mayo de 1908, con la ópera Aida de Guiseppe Verdi. Desde entonces, han pasado por su escenario gran cantidad de artistas que forjaron su prestigio.
Nicolò Paganini fue el hijo de Antonio, un parroquiano que tocaba la mandolina y el violín, y cuya esposa era amante de la música. Antonio comenzó a enseñarle a Nicolò a tocar la mandollina a los cinco años y el violín, dos años después. Le hacía practicar a su hijo desde la mañana hasta la noche, y cuando la concentración del joven Paganini vacilaba, su padre lo privaba de su ración de comida. Apesar de esto, el niño era sostenido por su profundamente religiosa madre.
A los diez años Paganini se presentó en público por primera vez y cuando tenía trece fue llevado a Parma para estudiar junto a Alessandro Rolla, quien, sin embargo, rechazó a Nicolò argumentando que ya sabía todo lo que él podía enseñarle. A pesar de ello el músico continuó estudiando composición y aprendió varios trucos sobre el oficio de violinista de viejos instrumentistas.
En Viena, los miembros de sus audiencias tomaban asiento dos horas antes de que comenzara la presentación por temor a perder sus lugares. En Leipzig, el afamado profesor de piano Friedrich Wieck, padre de Clara Schumann, anotó en su diario: “Nunca ha nacido un artista que sea tan magnífico e incomparable como él en tantos géneros.”
En Berlín, Mendelssohn escribió a su amigo Ignaz Moscheles: “Su ejecución está más allá de todo concepto ya que jamás se equivoca. Pides demasiado si esperas que te de una descripción de sus interpretaciones. Me tomaría una carta entera hacerlo, pues él es tan original, tan único, que requeriría un análisis exhaustivo el transmitir una impresión de su estilo.”
El joven Chopin oyó a Paganini en Warsaw en 1829 y se sintió obligado a conmemorar el evento mediante la escritura de una pequeña pieza, Souvenir de Paganini.
Robert Schumann transcribió para el piano doce de los 24 caprichos de Paganini y nombró una sección del Carnaval, una de sus obras maestras para piano solo, en honor a Nicolò.
Rossini, Donizetti, Liszt, Delacroix, George Sand y muchos otros famosos profesionales del arte asistieron a su debut musical en París en1831, y fueron deslumbrados por su música y su estilo interpretativo.
Las leyendas sobre el autor se esparcieron velozmente. Una de ellas contaba que había aprendido a tocar el violín durante sus largos años en prisión (por haber asesinado a otro amante de su amante). Otro mito hacía referencia a un misterioso pacto con el diablo, el cual, según algunos, era la causa de su perfecta ejecución de violín. Durante algunos años, Paganini animó y manipuló hábilmente estos absurdos cuentos, pero con el tiempo se hartó de todos ellos y los negó; sin embargo continuaron arraigados en la conciencia de su público.
Durante los años de su gran éxito, Nicolò fue criticado por avaro, pero los hechos desmienten esta calumnia: sus frecuentes presentaciones por caridad, su insistencia por tomar completa responsabilidad humana y financiera sobre los hijos que tuvo con una de sus amantes y su regalo de 20.000 francos al poco apreciado Berlioz para la composición de Harold en Italia, son sólo algunos de los ejemplos de extrema generosidad por su parte. A partir de los 50 años de edad, la salud de Paganini había comenzado a declinar seriamente ya que sufría de una dolencia respiratoria. También su fortuna comenzó a desaparecer.
Paganini es muy recordado por su inexplicable y endemoniada habilidad con el violín, podía interpretar obras de gran dificultad únicamente con una sola de las cuatro cuerdas del instrumento (retirando primero las otras tres, de manera que éstas no se rompieran durante su actuación), y continuar tocando a dos o tres voces, de forma que parecían varios los violines que sonaban. Esto indica lo cercano que estaba su arte al mundo del espectáculo. Sus obras incluyen veinticuatro caprichos para violín solo (1801-1807), seis conciertos para violín y orquesta y varias sonatas.
Piotr Illich Tchaikovsky fue el más importante de los compositores rusos del siglo XIX. Nació el 7 de mayo de 1840 en la ciudad rusa de Votkinsk, al este de Moscú. Su padre, Ilya Petrovich, era ingeniero minero y trabajaba a cargo de una importante mina. La familia vivía al estilo de los grandes terratenientes de la época, tenían una casa imponente y un gran personal a su servicio. Las fuentes rusas mencionan que incluso tuvo bajo sus órdenes una compañía de cien cosacos. Ilya Petrovich se casó con Alexandra Adreievna D´Assier, una aristócrata de origen francés, bella y refinada. De esta unión, nacieron seis hijos de los que Piotr Illich fue el segundo.
Tchaikovsky tuvo en sus primeros años como institutriz a Fanny Dürbach. Inicialmente, esta institutriz suiza fue elegida para dar las primeras clases a los hermanos mayores de Piotr Illich, pero éste con apenas cuatro años y medio, insistió para que a él también le dieran las primeras lecciones y así lo determinó su padre. La institutriz permaneció en casa de Piotr Illich durante cuatro años y esos años fueron para el pequeño “un extraordinario período de rápido desarrollo mental”. A los seis años, Tchaikovsky hablaba perfecta y fluidamente el francés y el alemán. Fanny quedó encantada con este niño, que además era muy sensible y cada vez que era regañado quedaba muy afectado. Esta característica de Piotr llevó a la institutriz a darle el apelativo de “criatura de porcelana”. El compositor tenía especial capacidad para la música, aprendió a tocar el piano y tan concentrado se mantenía cada vez que lo tocaba, que luego quedaba con frecuencia exhausto, nervioso e insomne.
Piotr adoraba a su madre, pero en 1854 falleció a raíz del cólera. Este hecho marcó la vida de Tchaikovsky. Se dice que de su madre Piotr heredó el carácter neurótico y que al crecer le fue imposible acercarse a otras mujeres porque la había idealizado demasiado. A lo largo de su vida Tchaikovsky mantuvo relaciones platónicas con dos mujeres mayores que él. En 1850 la familia decidió que el joven Piotr estudiara abogacía y lo inscribieron en la Escuela de Jurisprudencia de San Petersburgo, donde permaneció hasta graduarse de abogado. Paralelo a sus estudios de derecho, continuó sus estudios de piano. A los 19 años Piotr Illich se convirtió en funcionario del Ministerio de Justicia. El empleo en el ministerio le permitió tener cierta independencia económica. Por aquella época Piotr frecuentaba lugares frívolos y teatros, (no siempre de buena fama), pero también visitaba óperas y ballets.
En 1862, a los 22 años, Tchaicovsky se matriculó en el Conservatorio de San Petersburgo, que dirigía Anton Rubinstein. Allí estudió composición, armonía y contrapunto. Sus nuevos estudios lo absorbieron tanto que pronto fue incompatible con su trabajo en el Ministerio de Justicia. Decidió entonces renunciar a su empleo y dedicarse por entero a la música. Para tener ingresos económicos, tuvo entonces que dedicarse a dar clases de solfeo y piano.
El nacionalismo musical ruso, creado por Mijail Glinka, consistía en la “necesidad de inspirarse en temas populares y folclóricos para crear una música auténticamente nacional y libre de influencias extranjeras”. En aquella época, el legado de Glinka fue recogido por el “Grupo de los Cinco” (Balakirev, Mussorgsky, Borodin, Cui, Rimsky–Korsakov), a los que Tchaikovsky conoció en 1868. A raíz de este contacto, Piotr Illich compuso algunas obras nacionalistas como la Sinfonía Nº 2 “Pequeña Rusia” en 1872. Las relaciones entre Tchaikovsky y el Grupo de los Cinco nunca fue estrecha, ya que éste tenía una preparación de Conservatorio, cosa que los nacionalistas rechazaban y además la inspiración de Tchaikovsky buscaba temas que no siempre eran rusos, sin embargo, su amor por la música de Glinka los unía.
En octubre de 1869, una compañía de ópera italiana hizo presentaciones en Moscú. Su estrella principal era la soprano belga Desirée Artot, quien hizo amistad con Tchaikovsky, sin embargo el compositor se enamoró platónicamente: “rara vez he encontrado a una mujer tan amable, buena e inteligente”, comentaba en una carta a su hermano Modest. A pesar de frecuentarla, a los pocos meses Desirée se casó con otro hombre, pronto Tchaikovsky la olvidó y se dedicó a componer su primera ópera: “El Vóivoda”.
Entre 1869 y 1875, la carrera de Tchaikovsky se consolidó, lo que le proporcionó cierta estabilidad económica. Su temperamento, sin embargo, era inestable. Siempre oscilante entre la euforia y la depresión. En esta época compuso sus obras obertura-fantasía “Romeo y Julieta”, el cuarteto para cuerdas Nº 1, el concierto para piano Nº 1, las sinfonías 2ª y 3ª, la ópera “Oprichnik” y el célebre ballet “El Lago de los Cisnes”.
Ya a esa altura Piotr Illich tenía fama y con ella también se desataron las envidias y habladurías, ya que había llegado a ser un compositor reconocido pero también, en forma soterrada, los comentarios sobre su homosexualidad comenzaron a circular por la sociedad moscovita de la época.
En marzo de 1877, cuando se encontraba componiendo su ópera “Eugenio Oneguin”, Tchaikovsky recibió una carta de amor de una desconocida, a la que siguieron otras apasionadas misivas. Ella, Antonia Milyukova, le decía que había sido su alumna, pero Tchaikovsky no la recordaba, por lo que no contestaba las cartas que recibía de ella. Incluso amenazó con matarse si Tchaikovsky no le contestaba. Entonces el compositor la visitó y le pareció agradable, con una “mediana educación”, y decidió casarse para “satisfacer al padre que lo presionaba, para acallar todo rumor sobre su homosexualidad y para cumplir con su destino”. Piotr Illich Tchaikovsky y Antonia Milyukova se casaron el 18 de julio de 1877. Él tenía 37 años y ella, 28. Antonia resultó una mujer desequilibrada y pesó en la decisión de matrimonio del compositor la creencia de que “con el matrimonio podría superar sus tendencias homosexuales”, pero se equivocó. La unión física no llegó a consumarse. Luego de dos meses de sufrimiento de la pareja y después de intentar suicidarse, Tchaikovsky decidió separarse y marchó a Suiza. Años después, en 1896, Antonia murió en un manicomio.
Poco antes de conocer a Antonia Milyukova, Tchaikovsky conoció a una mujer muy diferente a Antonia, que luego sería su segundo amor platónico. En 1876, el compositor inició una relación epistolar con Nadezhda Von Meck, mayor que él, viuda, rica, madre de doce hijos y "mujer culta”. Una vez, ella asistió a un concierto donde se tocó música de Tchaikovsky y se enamoró de su música. Ella le propuso donarle sumas de dinero para que él pudiera dedicarse a componer sin preocupaciones económicas. Tchaikovsky aceptó la propuesta y entre ambos se estableció una relación platónica y a la vez que económica, pero sólo por cartas. Uno de los frutos de esta relación fue la Sinfonía Nº 4, que el compositor se la dedicó.
Todo marchó bien hasta diciembre de 1890, fecha en que ella rompió bruscamente la relación argumentando que estaba en bancarrota, sin embargo esto no era cierto. Se dice que Nadezhda Von Meck creía que era amada por Tchaikovsky, sin embargo escuchó las murmuraciones sobre la supuesta homosexualidad de él y éstas la disuadieron de continuar con la relación. Al margen de la razón que ella arguyera, cierta o no, lo real es que esta ruptura fue un duro golpe para el músico. La relación epistolar se había prolongado durante 13 años, tiempo en el cual nunca hablaron en persona. A pesar de la ruptura, Nadezhda siguió la carrera de Tchaikovsky. Curiosamente, ella murió dos meses después del fallecimiento del compositor. Entre 1880 y 1890, Tchaikovsky vivió sus mejores años. Con la ayuda de Nadezhda Von Meck, más el aporte económico de sus obras, pudo dedicar todo su tiempo a componer y viajar. Abandonó el conservatorio y pasaba largas temporadas en la casa campestre de su hermana Alexandra, en Kemenk. Realizó varios viajes y giras por Alemania, Francia, Gran Bretaña e Italia. Fue una época de gran estabilidad emocional.
De la primera mitad de esta década datan obras como la Obertura 1812, la “Serenata para cuerdas”, el “Capricho italiano”, el trío “En memoria de un gran artista” (en honor a Nicolai Rubinstein) y la sinfonía “Manfred”. En 1885 compró una casa de campo en Klin, entre Moscú y San Petersburgo.
A partir de 1885, la fama de Tchaikovsky como compositor creció extraordinariamente en Rusia y en el resto de Europa e incluso traspasó el Atlántico hasta Estados Unidos. El zar Alejandro III le concedió la Gran Cruz de San Vladimir, que lo reconocía como compositor oficial, y más aún, le dio su amistad. En 1887, debutó como director. Varios críticos, entre ellos el francés Saint Saënz, lo declararon el más genial de los compositores rusos. En 1890 fue invitado a inaugurar el auditórium Carnegie Hall de Nueva York y en 1893, fue miembro de honor de la Academia Francesa y doctor honoris causa de la Universidad de Cambridge.
A pesar de sus éxitos y a raíz de su ruptura con Nadezhda Von Meck, en 1890 Tchaikovsky volvió a sus períodos de depresión. Pero su actividad creadora no se interrumpió y compuso la suite “Mozartiana”, la Sinfonía Nº 5, “La Bella Durmiente” y la ópera “Yolanda”. También escribió sus dos obras más famosas: el ballet “Cascanueces” y la Sinfonía Nº 6 “Patética”. Sobre esta sinfonía Tchaikovsky escribió: “la quiero como no he querido nunca a ninguna de mis partituras. No exagero, toda mi alma está en esta sinfonía”.
Según la versión oficial, tres días después del estreno de la Sinfonía Nº 6 “Patética”, en octubre de 1893, Tchaikovsky sintió un malestar, se negó a comer y bebió un vaso con agua sin hervir, a pesar de que en San Petersburgo se había declarado una epidemia de cólera. El 3 de noviembre de ese mismo año se supo que había contraído la enfermedad, de la que murió el 6 de noviembre, en San Petersburgo, a los 53 años. En Rusia fue extremadamente sentida la muerte de Piotr Illich, tanto que el zar ruso declaró: “Tenemos muchos duques y varones, pero sólo un Tchaikovsky”.
Investigaciones recientes sugieren otra hipótesis sobre su muerte. Sostienen que un duque de la corte zarista descubrió que Tchaikovsky acosaba a su hijo. El duque escribió una carta al zar denunciando al compositor, pero la carta llegó a las manos de un importante senador que había estudiado con Tchaikovsky en la Escuela de Jurisprudencia de San Petersburgo. Espantado, se formó una corte para juzgarlo, fue citado, juzgado y sentenciado. La corte acordó que sólo había un camino para salvar el honor de todos: Piotr Illich Tchaikovsky, debía suicidarse. Entonces él se habría envenenado bebiendo arsénico. La realidad es que sobre el fin de este extraordinario compositor ruso, hay más dudas que certezas.
Mantuvimos una charla con Coco Fassi, el cantante de una de las bandas que viene sonando en el under y los escenarios porteños y bonaerenses desde hace casi diez años. Después de participar en las ediciones del Pepsi 2007, 2008, y del Quilmes Rock ,el año pasado, continúan subiendo. Con ustedes: Zumbadores.
Teniendo en cuenta que eligieron el nombre "Zumbadores" a raíz del colibrí zumbador, un pájaro místico de Jamaica que es considerado sagrado por ser diseminador de nueva vida, ¿Sentís que la vida del músico del under es un zumbido "molesto" y constante para ganarse un lugar entre las otras bandas? Mas que ganarse un lugar, creo que uno trata de marcar su propia historia. El desafío es siempre hacer mejores discos y mejores recitales. Despues de los cinco materiales grabados-Zumbadores, En vivo Teatro Arlequines, Frutilla y Almeja, Hijo de la barbarie, El colibrí-¿Piensan sacar "En vivo Pepsi Music"?
(Risas) .En algún momento seguramente haremos un disco dvd en vivo, pero no creo que sea sobre el Pepsi Music.
¿Cuál es la reacción del grupo ,despúes de casi diez años de recorrer los escenarios del under, al ser convocados nuevamente para tocar en el Pepsi Music? Siempre es una buena posibilidad de mostrarse ante públicos de otras bandas y ante gente que no es habitué de nuestros shows. Está bueno estar en estos festivales.
¿Qué diferencias notaste con el Pepsi del año pasado? El sonido mas bajo, por las nuevas disposiciones. El resto fue bastante parecido a las ediciones anteriores. ¿ Quiénes fueron tus referentes musicales en cuanto a la voz? No tengo referentes puntuales pero me gustan muchos cantantes como Bowie, Morrisey, Michel Stipe, Scout Weiland. Y la lista podría ser infinita.
Inauguraron la cuarta fecha del Pepsi 2009 el sábado 7 de noviembre. ¿Cúal/es fueron los sentimientos al telonear a La Vela Puerca, Cielo Razzo, Ratones Paranoicos, Divididos, entre otras?
Siempre compartir el escenario con bandas de esa envergadura es un honor y un gran privilegio.
A Partir de hoy- se confirmó ayer el tercer espectáculo - están a la venta las entradas para los shows que dará en Argentina, la legendaria banda de Rock and Roll australiana, AC/DC. Serán tres recitales en el Estadio de River Plate los días 2, 4 y 6 de diciembre en el marco de la gira “Black Ice World Tour” . Aquí un poco de información para los amantes del buen rock and roll.
Menores
Solo abonan entrada desde los 3 años cumplidos.
DISCAPACITADOS
Una hora antes de la apertura de puertas, se repartirán en la boletería del Estadio Obras (Av. Del Libertador 7395) un cupo limitado de entradas sin cargo sólo para discapacitados, los acompañantes deberán abonar el 100% del valor del ticket.Una vez que se agotado ese cupo, los discapacitados pagarán solo el 50% del valor del ticket y los acompañantes el 100%.Los discapacitados deberán presentarse con el certificado de discapacidad y D.N.I.
Cantidad máxima de entradas: 4 por persona
General: $100 + $15* Platea Alta: $150 + $25* Campo: $220 + $30* Platea: $300 + $45* Platea Preferencial: $380 + $60*(*) Al valor de cada entrada se suma el costo del servicio Ticketek.
La ciudad de Buenos Aires vivirá el año próximo su primer Concurso Internacional de Violín, presidido por el prestigioso músico israelí Shlomo Mintz, quien ha impulsado su creación y que oficiará como presidente de un destacado jurado internacional. Se llevará a cabo del 11 al 21 de julio de 2010. Organizado por laComunidad Amijaiy por la Fundación YPF. Los miembros del jurado ofrecerán clases magistrales y abiertas dedicadas a violinistas en general.
JURADO: Edgar Grach (Rusia), Itzhak Rashkovsk (Israel), Koichiro Harada (Japón), Kimiko Nakazawa (Japón) David Cerone (Estados Unidos), Enrique Barrios (México), Rafael Gintoli (Argentina), Pedro Ignacio Calderón (Argentina). Destinado a violinistas entre 15 y 30 años, la inscripción para participar del certamen comenzará el 1 de agosto de este año, obteniendo bases, reglamento y ficha en la dirección de internet http://www.violinbuenosaires.com/. Luego de la preselección de participantes, quedará un grupo de 24 finalistas que participarán en pruebas eliminatorias, semifinales y finales en conciertos abiertos al público que se desarrollarán entre el 12 y el 20 de julio, con un concierto final de los premiados el miércoles 21.Los premios serán de 15 mil, 10 mil y 5 mil dólares para el primero, segundo y tercero, respectivamente, y también habrá un premio especial para la mejor ejecución de “Pampeana Nro. 1” de Alberto Ginastera, elegida como una de las obras obligatorias para todos los intérpretes del certamen.
Disfrutá ahora del concierto para violín y orquesta en re menor, op. 47 en la versión de Shlomo Mintz:
El jueves 15, a las 19, Garth Knoxpresenta su último trabajo, Viola Spaces, en el Auditorio de la Fundación Proa. El músico irlandés es uno de los más importantes intérpretes de viola de la música contemporánea actual.
Viola Spaces fue editado por Mode Records, uno de los sellos más importantes de la música actual. El trabajo surge de la preocupación de Knox por crear un método y brindárselo a jóvenes estudiantes para el aprendizaje de las técnicas y para el descubrimiento de las posibilidades que ofrece la viola a la hora de interpretar música contemporánea.
Pasadas las 20,Los Fabulosos Cadillacssubieron al escenario para ofrecer un show que aprovecharon para presentar su nuevo álbum que fue editado la semana pasada, “El arte de la elegancia”. Sin embargo, no faltaron los clásicos hits como Matador, Mal Bicho y Vos Sabes, entre otros.
Este recital cerró la nueva etapa de la banda que comenzó en julio del año pasado en el Planetario, pero aun se espera una sorpresa antes de que se separen nuevamente por un tiempo.
Las instalaciones del Club Ciudad fueron inspeccionadas por equipos del gobierno porteño, representantes de la productora Time For Fun y vecinos del barrio de Nuñez, quienes querían certificar la contaminación auditiva que provocan este tipo de conciertos. Según aseguró la directora de la Agencia de Control Ambiental, Graciela Gerola en La Nación, no se superó el tope de 95 decibeles debido a la colocación de paneles acústicos y una alfombra en el campo.
El nuevo corte de Los Cadillacs cuenta con ocho temas históricos de la banda en versiones renovadas, dos canciones nuevas, "Siete jinetes" y "Lanzallamas", y un cover en castellano de Curtis Mayfield, “Move on up”. Para la realización del disco colaboraron la artista plástica Marta Minujín quien realizó el arte de tapa, Adrián Castineira que aportó guitarras y Diana Albornoz que sumó su voz.
Los Cadillacs tocarán el 23 de octubre en Rosario, el 6 de noviembre en Corrientes, 14 en Neuquén, 15 en Bahía Blanca, 22 en Tucumán y 23 en Salta, y la despedida será el 1 de diciembre en México.
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A las 5.15 de la mañana del día de hoy, a los 74 años, se apagó una de las voces argentinas más famosas no sólo en América Latina, sino en todo el mundo. Sus restos serán velados este mediodía en el Congreso de la Nación.
Desde ayer, el tango forma parte del Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad. La decisión se tomó en la cuarta reunión de expertos del Comité Intergubernamental de la UNESCO que se realiza en los Emiratos Arabes. El ministro de Cultura porteño, Hernán Lombardi, destacó: "Esta proclamación singnifica un reconocimiento y a la vez un compromiso para seguir fomentando la difusión del tango en sus diferentes estilos y estimulando la producción a través de concursos de música, canto, baile y poesía".
Para festejar, y sólo un mes después de la culminación del Mundial de Tango, la Ciudad de Buenos Aires propuso dos buenas ideas para disfrutar al 2X4:
La Escuela Argentina de Teatro Ciego abre su taller Tango a ciegas, los miércoles de 19 a 21.El objetivo es lograr fusionar las técnicas utilizadas para dictar clases de danza a no videntes adaptándolas a la oscuridad, de forma tal que constituya un medio de aprendizaje para bailarines videntes y no videntes.Las clases se estructuran en 4 partes:Reconocimiento y adaptación, soltura y relajación, técnica, y paso de tango específico.
Desde marzo del año 2004 y hasta el 14 de agosto de 2009, existió uno de los mayores proyectos culturales que ha conocido la radiofonía de nuestro país: Amadeus 103.7. Una emisora que entre sus muchos objetivos se planteó la filosofía de que la música académica, clásica o como cada quien prefiera llamarla, no es un arte destinado a los entendidos o a las elites, sino a cualquier persona que esté dispuesta a disfrutar de ella. Esta fue una emisora que realizó conciertos abiertos y gratuitos multitudinarios, donde se demostró que la música puede ser el elemento común de diferentes pensamientos, ideologías, edades, creencias y sociedades.
Hicieron desaparecer un proyecto que perduró sesenta y cuatro meses; impecable desde la redacción, diseño y diagramación del número de sesenta ejemplares de la Revista de Amadeus, produciendo las Salas de exhibiciones temporarias de Amadeus, redactando las Viñetas y Dos Palabras que leyeron Pancho Ibañez y Martin Wullich, dos profesionales de primerísimo orden, cargando los contenidos de textos, imágenes, audios y videos que integraron la página web de la emisora, visitada por miles de oyentes no sólo de nuestro país, sino también de los lugares más insospechados del planeta, que escuchaban la transmisión on-line de la radio. Desapareció una radio que además poseía una agenda de conciertos que permaneció siempre a la altura de las exigencias. Muchísimas personas reconocieron el valor de este trabajo mancomunado, que dirigió Santiago Chotsourian, y en el cual también participaron enormes profesionales como Fernando Pereyra, Carlos Culotta, Roberto Clemares y un grupo de locutores y asistentes. Esto ha sido la incomprensible despedida de algo que supuso la puesta en juego de una gran pasión. Otra emisora, Radio Cultura, ha adquirido el derecho de uso de la marca Amadeus, así como también la discoteca de la emisora. Pero existe un detalle, esta radio se encuentra en una zona del dial donde hay miles de señales, lo cual garantiza la casi total imposibilidad de sintonizarla, sin mencionar la ausencia de contenido que la caracteriza. Amadeus 103.7 fue uno de los proyectos más ambiciosos y reconfortantes que ha ocurrido. Gracias a todos los que hicieron posible la existencia y sostenimiento de esta radio, que hoy pasa a formar parte, en un lugar muy destacado, de la historia de la radiofonía argentina.
El próximo viernes 2 y sábado 3 de octubre se presentarán en la ciudad de Buenos Aires bandas ya consagradas y del under local. En la grilla del viernes figuran:Resistencia Suburbanajunto aRolo & los Fackin Adictos a las 20 horas en Mystique, HIJOS DEL OESTEen Cerveza Cluba las 20 horas,EPÍLOGOen La Panaderíaa las 21 horas, LOS AUTENTICOS DECADENTEScon la participación especial de JORGE SERRANO en LA TRASTIENDA CLUB a las 22 horas, entre otros. Además,la grilla del sábado la completan:GUASONESenMuseo Rocka la 1.00 de la madrugada, Renacimiento SuburbanoenParque Avellaneda a las15.30,COLA DE PATOa las 21 horas en el Teatro Colegiales y el grupo español SKA-Pen el Auditorio Miguel Ríos a las 21 Horas.
El músico se presentará esta noche en el Estadio Monumental de Lima, es el primer recital de la gira Latinoamericana luego del tratamiento por consumo de drogas y alcohol.
El show contará con una buena escenografía y producción audiovisual. Cantará alrededor de 30 temas nuevos y algunos clásicos pero será algo nuevo para que se sienta el cambio según aseguró Charly.
“Traté de hacerla no obvia y no tocar las que canté en el último tiempo. Fue juntarnos a que me fluyeran las canciones y las que tenían que ver algo conmigo ahora tuvieron preponderancia, hay mucho de autobiografía”, reveló ante la prensa peruana.
El músico se mostró entusiasmado por el regreso y prometió que se iba a “volar la cabeza”. También explicó que eligió Perú para comenzar con la gira ya que tiene gratos recuerdos y una empatía con el público de ese país.
Luego de presentarse en Lima, la gira continuará por Chile y Colombia y finalizará en el Estadio Vélez Sárfield el 23 de octubre, día en el que el músico cumplirá 58 años.
Por su parte, Charly fue nombrado socio honorario de la Asociación Peruana de Autores y Compositores (Apdayc) en un acto donde estuvieron presentes los músicos de su banda, los directivos de la Asociación Armando Masse y Julio Andrade, y el embajador argentino en Perú, Darío Alessandro. Es el primer músico argentino en recibir esta distinción.
El pasado sábado 19 de septiembre más de 30.000 personas disfrutaron de lo que para muchos fue el recital del año. En su única presentación en el 2009, El Indio Solari desbordó Salta y llevó a cabo un show impresionante en el Estadio Padre Martiarena.
Los primeros acordes sonaron pasadas las 21.30. La gente no paro de saltar y cantar en los 26 temas interpretados por el ex líder de Los Redonditos de Ricota junto a su banda Los Fundamentalistas del Aire Acondicionado.
“La piba del Blockbuster”, “To Beef or not to beef”, “Martinis y Tafiroles” y “El tesoro de los inocentes” fueron algunos de los temas que toco de su carrera solista. También sonaron los clásicos ricoteros como “Todo un palo”, Un ángel para tu soledad” y el clásico final con “Jijiji”.
La puesta en escena fue impecable, juego de luces y efectos multicolores, una pantalla gigante y un sonido perfecto como suele ser en los recitales de El Indio.
Jóvenes, grandes y hasta familias llegaron de distintos puntos del país para vivir la gran “Fiesta Ricotera”. Los alojamientos y camping de la provincia estaban prácticamente colmados.
24 hour party people suele ser identificada popularmente con sexo y droga. Si bien es cierto que éstos no escasean a lo largo de la película, se transforman sólo en picantes detalles a la hora de resaltar el verdadero sentido de la trama narrada: el movimiento musical que vivió Manchester entre el 76´ y principios del 90.
La elección de la conjugación de “narrar” no fue azarosa en el párrafo anterior. Sucede que Tony Wilson es el personaje que protagoniza la historia, pero también quien la cuenta a cámara como si no fuera parte ella. Le otorga así al filme un género propio que sobrepasa al drama y también al documental.
Esto se convierte en juego y se suma como uno más de los tantos condimentos que entretienen a los espectadores que acaso no sienten admiración por la música de esta historia. Brilla así el modo irónico usual de hablar de Tony, su soberbia y la expresión de “qué me importa” que lleva siempre grabada en la frente. Todo esto combinado de forma exquisita con la contradicción que representa su marcada indiferencia por enriquecerse con su negocio, y en pos de mantener en alto valores y proridades no propias de su tipo.
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Salvo en el episodio que prosigue al suicidio de Ian curtis, el líder de Joy Division, podían envenenar palomas frente a los ojos de Tony Wilson, o hacerle una broma apuntándole con una pistola en la cabeza, que el no cambiaría su expresión de tranquilidad en el rostro.
El protagonista representaba a un periodista, convertido en empresario, que creó el sello discográfico Factory. Realizaba recitales en la discoteca La Hacienda, de dónde luego nacieron bandas como Joy Division, New Order y los Happy Mondays. A Tony Wilson y las bandas que respondían a su empresa sólo los unía un contrato, uno que estaba escrito a sangre e indicaba: “Los artistas son propietarios de sus obras. El sello no es dueño de nada. Nuestras bandas tienen la libertad de irse al carajo”. En síntesis, era un contrato que explicitaba que no existía tal.
De este modo, este hombre ambicioso interpretado por el actor Steve Coogan era un empresario diferente a la media: su volante no era el dinero, sino su “exceso de civismo”, tal cual el mismo relata en el film. Su amor a Manchester y a la música eran su única guía en este camino que comenzó con el punk y terminó con el acid house a principios del 90, cuando no tuvo más opción que cerrar su gran “negocio”.
Era un negocio que no le traía ganancias importantes y que podría habérselas brindado de no ser por haberse mantenido al margen de la venta de estupefacientes en La Hacienda. Los narcotraficantes eran los que se llevaban los billetes fuertes y a su vez los que lo llenaban de problemas. Pero el se sentía honrado por la movida que se generaba en la discoteca, por la gente “genial” que allí se reunía.
Su meta: construir leyendas, hitos históricos, como se hizo en el inicio de la película en un recital de Sex Pistols , presenciado por sólo 40 personas, pero que se convirtió en un emblema del punk para millones de fanáticos hasta el día de hoy.
“En la última cena sólo habían 12 personas”, “Me protegí incluso de tener que pasar por el dilema de venderme quedándome sin nada que vender”, son algunas de las frases que delatan los principios que había detrás de la personalidad de Wilson.
Aún luego de cerrar la Factory, este hombre tenía una sonrisa en su rostro. Y no porque luego de unos años realizaría un nuevo intento en el sello ya que aún no lo sabía, sino porque había hecho historia: el movimiento de Manchester marcó un antes y un después en la música, y esta película dirigida por Michael Winterbottom, nominada para la Palma de Oro en el Festival de Cine de Cannes,se encarga de reflejarlo con gran ingenio y perspicacia.
El pasado 13 de septiembre, Janet Jackson rindió un tributo a su hermano Michael Jackson antes del inicio de la ceremonia de los Video Music Awards en Nueva York organizada por el canal estadounidense MTV.
Jackson, quien falleció el 25 de junio a los 50 años, fue la figura central de la noche. Su hermana menor y también cantante organizó durante varias semanas junto a bailarines profesionales lo que sería la despedida final a quien fuera coronado como el indiscutible Rey del Pop.
Luego de un discurso anecdótico por Madonna, se sucedieron los pasos característicos de algunos de los temas más importantes del astro de la música: Thriller, Bad y Smooth Criminal. Pero el momento más emotivo del homenaje fue sin dudas la representación de la canción Scream por la misma Janet. Imitando el videoclip dirigido por Mark Romanek en 1995 y con coreografías de Tina Landon, Janet interpretó la parte más agresiva de la canción con imagenes de Michael en el videoclip en una pantalla de fondo, generando el efecto de que ambos hermanos bailaban juntos sobre el escenario una última vez.
Desde la emisión de la entrega de premios, alrededor de 50 versiones del tributo fueron subidas a Youtube y una tras otra fueron suprimidas debido a reclamos de MTV por derechos de exclusividad. Mientras esté en línea y para quienes no se enteraron o no pudieron verlo y deseen ver el homenaje completo, a continuación dejamos un video un calidad media.
Además, se dio a conocer el avance de la película This Is It, la cual es una recopilación de las grabaciones de los ensayos de la gira homónima que Jackson pleneaba dar en Londres durante este año y 2010 antes de su repentina muerte. La fecha de estreno en Argentina es para el 28 de octubre.
En homenaje al guitarrista Oscar Alemán a celebrarse el centenario de su nacimiento, el grupo argentino de Jazz Hot Club de Boedo se presentará el viernes 18 a las 19 horas en el Salón del Consejo “Bernardo Houssay” de la Facultad de Medicina. La entrada es libre y gratuita.
Indio Solari en Salta
Se presentará el sábado 19 en el estadio Padre Martiarena ubicado en Salta Capital. Será el único recital que realizará en el 2009 y genera muchas expectativas ya que no forma parte de la saga Porco Rex, último CD del ex líder ricotero. Las entradas pueden adquirirse en Locuras y cuesta 80 pesos la general.
El festival electrónico se llevará a cabo el sábado 19 en la sede Jorge Newbery del estadio GEBA. Entradas desde 100 pesos.
Lily Allen en Argentina
La cantante británica presentará su segundo disco el sábado 19 en el Luna Park.
Entradas desde 90 pesos que se pueden adquirir en:
Estadio Luna Park Ticketportal
Locales Johnson:
Vidt 2084 (Palermo)
Avda. Cabildo 2020 (Belgrano)
Florida 313 (Microcentro)
Camacuá 48 (Flores)
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¿Escuchaste hablar alguna vez del cadáver exquisito? Esta forma de creación colectiva que usaban los surrealistas consiste en que cada integrante del grupo aporte una parte a la obra, pero sin saber qué incluirán los demás. Ahora, vos podés ser parte de uno
Tano Romano, guitarrista de Razones Concientes y ex de Hermética. Foto: Razones Concientes
El guitarrista Antonio Romano, conocido como El Tano, experimentó diferentes estilos dentro del Heavy Metal. Su primera banda fue Cerbero, y luego creó junto a Ricardo Iorio, que venía de V8, la emblemética Hermética. La banda se separó en 1995: Iorio conformó Almafuerte, y el Tano integró Malón, Visceral, y desde 2003, Razones Concientes.
Con un especial espíritu de trabajo grupal, la melodía de cada instrumento de Razones Conscientes está bien marcada y resulta inconfundible. A su vez, todos los acordes juntos emanan una adrenalina cautivante casi capaz de embriagar por si misma.
El Tano asegura que transmite lo que le sale del corazón a través de la música, y que no hay nada tan gratificante como la energía de los chicos al escucharlos tocar.
Para leer la entrevista completa y ver un video de la banda, ¡hacé click en leer más!
- Cuando comenzaste tu carrera como músico, tenías influencias de melodías como Deep Purple y Black Sabbath, ¿ahora cuáles son tus influencias?
Siguen siendo las mismas. Black Sabbath fue la banda que me voló la cabeza, por la que dije ´yo quiero hacer este estilo de música´. Pero Siempre me gusto más componer canciones que sacar temas de otros. También me marcó Deep Purple, pero más Sabbath. Me marcó para seguir el principio del camino que vino después
- Hermética se separó hacer ya casi una década y media, pero en el sitio oficial de la banda decías que sentís algo similar al tocar con Razones Concientes que con Hermética. ¿Cuáles son las similitudes que encontrás?
Es algo que se siente al ensayar. Con esta banda me encuentro con que los temas y los músicos con que estoy tocando me hacen sentir cosas que quizás en otro momento no sentí. Y es también por la calidad de músicos como Eddie Walker que es el que toca el bajo y Pablo Hentsch en batería. Son tipos que todo el tiempo están haciendo cosas que llaman la atención y que me sorprenden. Eso está bueno porque a mí me pasa que cuando me sorprendo con algo enseguida se me ocurren cosas, o riffs para agregar (una especie de figura musical que se repite a lo largo de una melodía) o melodías para poner, y eso hace que estemos tres horas tocando y que nos vayamos re contentos del ensayo pensando y hablando de lo bueno que estuvo tocar. A pesar que ya hace 30 años que vengo tocando, lo bueno es que todavía podemos sentir esas cosas.
- Hace un rato hablabas de esto justamente, de la diferencia de tocar cuando una banda ya está en el auge y cuando recién comienza. ¿Cuáles son las ventajas y desventajas del inicio en una banda?
Cuando recién comenzás pasa por otro lado la cosa. Uno sale a tocar y lo único que le importa es que suene bien. Y si justo mirás para adelante y ves que hay un par de pibes contentos o que cabecean, cantan los temas o hacen un pogo, es algo que no tiene precio. Y después cuando una banda crece ya hay otras cosas que pasan. Pero el sueño de todo músico es salir a la cancha y que los pibes puedan sentir lo que uno siente con las canciones.
- Esta influencia en el público adolescente, ¿cómo influye a la hora de ponerle letras a las canciones?
La mayoría de las letras de heavy metal creo que hablan de cosas que nos pasan. El Heavy Metal es una música que la hace el laburante o el tipo de poco poder adquisitivo en este Argentina. Entonces es también quien sufre las cosas que pasan y que no están bien, como la desocupación, y lo feo y lo malo que vivimos en este país. La mayoría de las bandas tratan de volcar esa bronca en sus letras. Está bueno porque las canciones quedan como documentos que marcan lo que se vive en el momento en que salen. Y es un documento que no se puede borrar con nada, no se puede encajonar ni desaparecer como pasa muchas veces.
- Justamente en Cerbero denunciaban a través de la música la complicidad de la Iglesia con la dictadura militar ¿Cómo fueron cambiando el tema de los contenidos a través del tiempo?
Cada momento tiene su historia. Nosotros con Cerbero íbamos para ese lado y pensábamos que era una de las cosas que no nos gustaban. Pero, sinceramente, en todas las bandas que estuve me preocupe siempre más por la parte musical que por las letras. Muchas veces pasa que hay bandas que tienen letras buenísimas y que lo único que les importa es lo que están diciendo, pero eso tiene que ir acompañado de otra música. Cuando yo escuché Black Sabbath y dije que quería hacer esta música, no entendía nada de lo que decían en inglés. Y hoy tampoco se inglés. O sea que cuando escucho una banda de afuera como Metallica o Megadeth, no sé lo que dicen, lo que me gusta es la música. Y la parte cantada se transforma en una melodía, en un instrumento más en la canción.
- De esto hablabas en una entrevista que te hicieron en el canal MTL en el Cosquín Rock (2009). Decías que la música te permitía transmitir. ¿Qué es lo que quieren transmitir a través de Razones Concientes?
Transmitimos todo lo que nos sale de adentro. Hay algo bueno que tiene Razones Concientes y es que somos músicos que venimos tocando de anteriores bandas, como Eddie Walsker de Lethal, Horca. Quizás estaría bueno que lo explique el.
Eddie Walker: En un instrumento podés decir todo. Es la forma de comunicación que tenemos los músicos. No nos da para cantar, no tenemos voz para cantar, y lo que hace el Tano es cantar con la viola. Y la gente está siempre totalmente indentificada sobre lo que se transmite Va directo y llega al corazón. Son las notas que corresponden, no hay chamuyo en eso.
- Cada integrante de la banda viene de grupos distintos y anteriores. ¿Cómo reacciona al público ante esto?
Nosotros tenemos nuestro estilo marcado. Eddie Walker es un bajista que se destaca porque hace cosas que otros bajistas no hacen. Vos escuchas una banda donde el bajista es EAddie y te das cuenta que es el por más que no sepas qué banda es. El tipo que prende la radio y no conoce la banda, escucha y sabe que estoy yo tocando o el. Y Pablo (batería), que es nuevo, también tiene eso de de que hace cosas diferentes a los demás. Y todas esas cosas hacen las canciones que tenemos. Laburamos más que nada en componer la canción y que el tema tengo un poquito de todo, y no en destacar una guitarra o destacar un bajo o una batería. Trabajamos para que la banda suene como banda y no como solista.
- En unas semanas van a estar tocando en el festival Metal para Todos. ¿Cómo se están preparando?
Creo que estamos preparados para salir a donde sea. Está bueno porque es un festival donde hay muchos pibes y muchos de ellos quizás no conozcan Razones Concientes, si a nosotros pero quizás no a la banda.
- En ese festival van a tocar en el mismo escenario que Almafuerte, donde está Ricardo Iorio ¿Qué te genera esto?
Salimos al escenario, pero ni nos cruzamos. Me parece que está bueno que la gente pueda escuchar a todas las bandas y sacar sus propias conclusiones de cómo suena cada una y qué le parece. Nosotros estamos re contentos y seguros con lo que hacemos.
- ¿Qué proyectos tienen?
Tenemos un monton de fechas. La semana que viene nos vamos a Paraná (12 de septiembre), después a Chaco, Bariloche, Tucumán, Córdoba. En Paraná y Chaco nunca tocamos y eso está buenísimo porque hay muchos chicos que nos esperan. Cada vez que vas al interior es increíble, es otra historia. No hay todos los días recitales como acá. Entonces cuando pinta una banda, la gente viaja 200 o 300 kilómetros para llegar, porque de repente ahí pueden llegar pero hasta acá no. Se juntan pibes de todos lados y te dan una energía, te demuestran un cariño y hay un aguante que es increíble. Eso es impagable, no hay ningún billete que lo pueda pagar.
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