arte en calzoncillos

ESPECIAL TEATRO COLÓN: Entrevista a Máximo Parpagnoli

2009-12-02T00:48:00.005-03:00

Máximo Parpagnoli es fotógrafo y, según su propio testimonio, trabaja en el Teatro Colón desde hace ya 25 años. Además, es miembro de la Comisión de Cultura de ATE - Capital. Parpagnoli asegura que lo que en un principio se denominó Master Plan, y suponía restaurar el Colón para conservar su patrimonio histórico, hoy podría llamarse "Macri plan": una reedición ampliada que no respeta el monumento y busca la mercantilización del espacio.

El fotógrafo aclara que ellos están a favor de la restauración y puesta en valor del teatro, pero garantiza que las tareas que actualmente se desarrollan son agresivas con el edificio, en niveles preocupantes.

- ¿Qué otros puntos del Master Plan son los que los llevan a movilizarse?

Se está convirtiendo al teatro que era, con producción propia, cuerpos estables y oficiales dedicados a la multiplicación del rédito social en una sala multipropósito que se alquilará al mejor postor sin importar sin son líricos musicales o no lo son. Se trata de cambios que hacen que el teatro pierda gran porcentaje de su producción que es uno de sus grandes valores. No va a haber dónde hacerse los grandes títulos y escenografías, y entonces se van a hacer afuera, se van a importar. Con eso fomentamos más el negocio y la intermediación, ese es el concepto edilicio de este plan.

- ¿Cómo cree que se dio el proceso para llegar a este punto?

Esta situación comenzó en el marco de la dictadura, que usó el teatro como salón privado. Si bien no se tocó el edificio, era un teatro de elite. Cecilio Madanes, que fue el primer dirigente del Colón en democracia, entendió que había que recuperar su esencia popular. Su paso fue muy significativo, el teatro vibraba. Pero el siguiente director sembró el concepto mercantilista, y luego sobrevino una larga consecución de gestiones que fueron en franco retroceso hasta llegar a hoy.

Parpagnoli asegura que, desde el 2000, están haciéndose denuncias. La pelea se da en espacios gremiales, políticos y jurídicos. "Hacemos asambleas todas las semanas, notas a la Defensoría del Pueblo y estamos en contacto constante con los legisladores. Tratamos de participar e incentivar foros de discución para que la ciudadanía se preocupe", explica.

- Y mientras tanto, ¿cómo trabajan?

Estamos desde abril trabajando en el Centro Municipal de Exposiciones en terribles condiciones. Sin aire acondicionado, que necesitamos para la refrigeración de los elementos, sin luz natural, y en el verano es posible que muchos materiales se terminen dañando. Yo trabajo dentro de un container metálico, con un archivo histórico de más de 500 mil originales fotográficos que pueden perderse.

- ¿Cuál es su próximo paso?

Este año recurrimos a los estrados judiciales, y tuvimos una medida cautelar favorable en primera instancia. Pero en segunda instancia la Cámara revocó una parte de esa medida, pero manteniendo en vigencia la protección de la gente y estructura funcional. Así es que ahora estamos interponiendo un nuevo amparo por la cuestión patrimonial y edilicia. Mientras hay una campaña voraz que dice que se reabrirá el teatro con pompa y ceremonial, nosotros seguimos diciendo que cada vez se precariza más a los trabajadores y al patrimonio de los argentinos.

ESPECIAL TEATRO COLÓN: Entrevista a Sergio Renan

2009-12-02T00:48:00.002-03:00

Mucho se dice sobre el Teatro Colón, y en muchos ámbitos, aunque son pocas las voces autorizadas para hacerlo. Una de esas voces es la de Sergio Renán: ex director general y artístico del Teatro Colón no una, sino dos veces (entre 1989 y 1996 y, brevemente, entre 2000 y 2001).

Un poco de historia

Las relaciones políticas en torno al Colón no siempre fueron tormentosas. Renán recuerda cuán diferentes eran en su primera gestión, entre 1989 y 1996, cuando la ciudad era sólo un municipio y el teatro era autárquico. Dicho de otra forma, contaba con un presupuesto propio. "Yo sabía que contaba con un presupuesto establecido con el que podía hacer lo que quisiera. En función de eso, contraté a los mejores artistas para que se presentaran en el Colón, y eso se sintió". En los años que pasó alejado del teatro, la ciudad puso en vigencia su autonomía, el establecimiento pasó a formar parte de la órbita de Cultura y, de nuevo, ganó nuevamente la autarquía que hoy conserva. Fue entonces que Renán volvió a dirigir: con condiciones que parecían ser las mismas, pero que no podían ser más diferentes.

"Cuando volví en el 2000, la Argentina había cambiado. Los personajes políticos habían cambiado. En mi primera gestión nunca había tenido un problema sindical, jamás, pero en el 2001 la situación llegó a tales extremos que me vi obligado a suspender la temporada. Las reuniones gremiales se realizaban en el escenario media hora antes de las funciones, y la gente escuchaba desde sus butacas discursos, deliberadamente amplificados, que generaban una sensación de total impunidad."

Y... ¿ahora?

Renan desmiente las acusaciones que circulan en todos los ambientes, acerca de que las refacciones que se están realizando en el teatro perjudiquen uno de sus más grandes patrimonios: la acústica. “En todos los procesos de restauración que han vivido los grandes teatro del mundo, como la Scala de Milán, la Royal Opera House de Londres o el Liceu de Barcelona, hubo personas conformes con el resultado y personas que no lo estuvieron –explica-. Pero de ninguna manera estoy seguro de que las refacciones en el Colón hayan dañado su acústica”.

Más información sobre la acústica en la ópera

Respecto de la reinaguración para el Bicentenario, Sergio Renán lamenta que la puesta a punto no vaya a estar culminada. “Lo ideal hubiera sido que el teatro estuviera completamente refaccionado para la inauguración, pero aparentemente (y marca con una entonación peculiar esta palabra) esto no ha sido posible”, sugiere. Sin embargo, comprende que, en el marco de las celebraciones del Bicentenario, la apertura de un monumento histórico de las características del Colón es una herramienta política invaluable.

ESPECIAL TEATRO COLÓN: Historia, artistas, artistas que hicieron la historia

2009-12-02T00:48:00.000-03:00

El Teatro Colón está en la lista de los mejores teatros líricos del mundo. Situado en la Ciudad de Buenos Aires y dueño de una acústica de referencia, es venerado por los amantes de la música.

El primer Teatro Colón fue abierto el 25 de abril de 1857 en el predio que hoy ocupa el Banco de la Nación Argentina, sobre la Plaza de Mayo. Hacia 1888, sus puertas se cerraron ante el proyecto de crear para el arte lírico un espacio inigualable en el territorio argentino. Las crisis políticas y económicas en las que se sumió el país impidieron que el teatro reabriera por los próximos 20 años, en los que el Teatro Ópera intentó ocupar su lugar.

El maravilloso edificio que conocemos hoy fue inaugurado el 25 de mayo de 1908, con la ópera Aida de Guiseppe Verdi. Desde entonces, han pasado por su escenario gran cantidad de artistas que forjaron su prestigio.

Compositores como Richard Strauss o Mauricio Kagel, innumerables generaciones de directores de orquesta como Arturo Toscanini o el argentino Daniel Barenboim,

cantantes de la talla del tenor Enrico Caruso o Luciano Pavarotti, y artistas argentinos como Renato Cesari y Virginia Tola;

figuras de la danza como Anna Pavlova, Julio Bocca, Maximiliano Guerra y Paloma Herrera,

entre innumerables artistas que conformaron la historia del teatro, junto con las orquestas internacionales (Filarmónica de Viena, la Sinfónica de Filadelfia, la Sinfónica de Nueva York, y muchas otras)

Ahora, para su deleite, algunas joyitas de la historia de nuestro Colón

Giselle, Julio Bocca y Silvia Bazilis (1987)

Concierto Nº 3 de Prokofiev, Martha Argerich

La Boheme, Luciano Pavarotti

ESPECIAL TEATRO COLÓN: Una reapertura que promete

2009-12-02T00:47:00.000-03:00

Luego de los conflictos y las disputas que generó el plan de obras del Teatro Colón, considerado uno de los principales teatros líricos del mundo, el jefe de Gobierno porteño, Mauricio Macri, anunció que finalmente será reabierto el 25 de mayo del año próximo en conmemoración del Bicentenario de la Revolución de Mayo, dos años más tarde de lo previsto.

El histórico monumento de la Ciudad de Buenos Aires permanece cerrado desde hace tres años. Las obras de su restauración comenzaron en 2003. En un primer momento, se tenía previsto reinaugurarlo en 2008, ya que en ese año se cumplió su centenario, pero las cuestionadas obras de restauración, que llevaron incluso a la renuncia de su director general, Horacio Sanguinetti, retrasaron la apertura del teatro.

El Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires dispuso en el 2001 la elaboración de un plan maestro, mayormente conocido como Master Plan, para la puesta en valor y actualización tecnológica del teatro. Esto consistía en la restauración conservativa, priorizando la preservación de los rasgos constitutivos del edificio, fortaleciendo su potencialidad y preservando tanto la esencia como el principio de inalterabilidad de la acústica del teatro que lo distingue como una de las mejores salas líricas del mundo.

En un principio se pretendía intervenir el 60 por ciento del edificio, pero con la asunción de Mauricio Macri como jefe de Gobierno se reformuló el plan original, estableciendo como objetivo la recuperación de la totalidad del edificio que abarca un total de 58 mil metros cuadrados.
La empresa argentina Fontenla es la encargada de restaurar las más de 2 mil piezas del Teatro Colón, tarea que comenzaron en el 2007.

Actualmente, se encuentran trabajando más de 500 operarios y expertos para que las obras puedan ser terminadas antes de su reapertura en mayo de 2010. Sin embargo, las obras complementarias serían entregadas en 2011.

El defensor del pueblo de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires, Gerardo Gómez Coronado, consideró que el teatro está en condiciones de ser inaugurado pero que van a estar controlando que las obras estén bien hechas y que no se afecte el patrimonio de todos los argentinos.

La temporada 2010 estará a cargo, por primera vez, de Pedro Pablo García Caffi y contará con 183 funciones programadas, entre las que se destacan las presentaciones del músico Daniel Baremboin, la bailarina Paloma Herrera y el chelista Yo-Yo Ma.

Caminando el laberinto de Alicia

2009-11-26T01:16:00.006-03:00

Emilio García Wehbi es uno de los más reconocidos directores de teatro argentinos y es también actor, dramaturgo y artista plástico, aunque sus primeros pasos en el arte fueron como titiritero. Además de haber montado espectáculos en los circuitos oficial y alternativo de la escena porteña, conformó el grupo experimental El Periférico de Objetos y realizó intervenciones urbanas, performances internacionales e incursiones en el terreno de la fotografía. En el Complejo Teatral San Martín, dirigió Los Murmullos y Hamlet de William Shakespeare de Luis Cano, Woyzeck de Georg Büchner y Heldenplatz (La Plaza de los Héroes) de Thomas Bernhard, además de haber montado en el off Dolor Exquisito de Sophie Call, Bambiland de la ganadora del Nobel Elfriede Jelinek y las performances de El Matadero.

En tu libro Ensayo sobre la tristeza mencionas que su madre tenía características depresivas y sugiere que ella le “contagiaba” ese estado de ánimo. ¿De qué forma pudo haber repercutido esto en tu obra?

Ensayo... es una puesta en la que yo me pude vincular afectiva y sensorialmente con una época de mi vida, con la relación con mi madre. Asocié sus características depresivas con una muñeca que ella tenía, que debería haber dado alegría a los niños y que, en realidad, expresaba tristeza. En mis otros trabajos no creo que esté presente eso, ya que tienen una mirada más general hacia el mundo. Veo el mundo como un objeto, desde mi actitud fetichista, pero no creo que tenga relación con mi infancia.

Para Wehbi, si bien en el procedimiento de un trabajo vuelca rasgos y características de su personalidad, asocia el proceso creativo con la catarsis, no en términos aristótelicos del teatro griego, sino en términos freudianos. En el psicoanálisis, el método catártico es una terapia para buscar una sanación o purga en el cuerpo de posibles efectos patógenos.

Algunos consideran tus obras como “transgresoras” y algunos otros las descalifican por algunos elementos a los que recurre, como la violencia o la desnudez.

Para mí , no estoy transgrediendo nada porque mis canones no son los mismos que los de la normalidad, y con normalidad me refiero a estructuras que intentan, por medio de mecanismos de dominación, clausurar conceptos. La belleza es un concepto de la estructura normalizadora dada por medios de comunicación y que se deben a necesidades de mercado o producción. Hoy, lo que se aleja de un cuerpo casi anoréxico está alejado de una mirada normal y son los que predominan en los discursos de la moda o la publicidad. En realidad habría que preguntarse qué tan normal es un cuerpo en una delgadez extrema forzada desde una dieta horrorosa. Para mi seria un discurso de dominación o poder. Cualquier intento de atentar contra esta mirada normalizadora, siempre es considerado como un acto de transgresión.

¿Y en cuanto a las críticas?

Las criticas tienen importancia siempre y cuando la mirada sea de diálogo. La función de la crítica de teatro no es explicar la obra. No se explica con palabras. Lo que puede hacer el crítico es tratar de generar un dialogo entre esa obra o el artista y la historia del arte o la historia de la sociedad. Las críticas más interesantes son las que ponen en tela de juicio lo que hace el autor y no tienen que ser a favor. En Argentina no encuentro lo que he encontrado en otras partes del mundo que son críticos con formación que iluminan tu obra.

Con tu trabajo, ¿buscas lograr un cambio en la sociedad?

Yo no logro nada. Mi interés no es cambiar la sociedad sino crear una obra de arte y eso es lo que hago. ¿Cuál es la función a posteriori? Ya esta desprendida de mi cuerpo, no sé cuál es la función. No hay un interés ideológico, pero sí político pero es muy pequeño. Intento generar puntos de interrogación y discusión; no cambios de nada, sino generar discusión y abri; no clausurar el pensamiento. El terreno del arte es exclusivo de la imaginación, de la hipótesis, la metáfora y la poesía, donde se pueden probar soluciones imaginarias que después podrían ser trasladadas al terreno de lo real. Y en este sentido es utópico. Micro utópico, pero utópico.

Tu posición frente a las estructuras de dominación, ¿se basa en la teoría del poder de Foucault?

Claro. Es una posición frente al mundo, una mirada de él. Es tratar de entender el mundo en términos más complejos que la explicación didáctica que se hace cuando se enseña historia. Lo que Foucault trataba era desentrañar un mecanismo y ver que los mecanismos de dominación o de relaciones de fuerza en la historia no se pueden explicar en un contexto de los últimos veinte años, sino que hay que remontarse a la historia de la humanidad. Foucault habla de los griegos porque era un investigador que desenmascaraba relaciones de poder.

Tu trayectoria está atravesada por la cultura alemana, ¿encontrás un por qué de esto?

Son como dos cosas: una serie de casualidades; y otra, un determinado gusto por determinados autores y artistas y ,también, lo que podría resumir esos intereses por la cultura alemana tiene que ver con que la historia alemana ha dado a los grandes pensadores, músicos, etcétera, y a los grandes monstruos de la historia al mismo tiempo. Esta complejidad de poder dar a los grandes pensadores y humanistas y a los grandes monstruos de la humanidad en términos de historia política, esa dualidad creo que resume el espíritu de la esencia humana. Esa dualidad que hay en todos nosotros. No somos ni buenos ni malos, somos buenos y malos al mismo tiempo. Esto se muestra muy gráficamente en la cultura alemana. Y, al mismo tiempo, tiene una gran tradición teatral.

EDUCACIÓN POR VOLUNTAD

En su estudio ubicado en su casona del barrio de Colegiales, Wehbi organiza grupos para sus talleres anuales de puesta en escena. En ellos, no se limita al uso de textos únicamente dramáticos, sino que también recurre a bibliografías de otras temáticas como la fotografía, la psicología o pedagogía. Uno de los escritos que ofrece a sus alumnos es “El Maestro Ignorante” de Jacques Ranciére, en el que se describe cómo el filósofo Joseph Jacotot lograba transmitir a sus estudiantes conocimientos que él desconocía y los ayudaba a emanciparse y aprender por sí mismos.

¿Cómo fue tu formación?

Yo soy autodidacta, no tuve ninguna. Ni siquiera terminé el secundario. Eso determinó mi relación con el arte y con la educación. No creo en la educación sistemática, sino en la educación por voluntad. Si bien el camino es más intrincado y es menos formal, no estoy seguro de que sea más difícil.

En tus clases, ¿buscas reducir las estructuras jerárquicas?

Claro, pero hay una estructura de dominación dada per sé en la relación alumno-docente, desde la forma de disposición de una clase. A menos de dar con un espacio circular que creo que es la forma más democrática de la docencia. Yo por lo general me siento en la punta de la mesa y los alumnos alrededor; ya eso es una estructura de dominación. Ya el dispositivo espacial genera esto. El teatro convencional es una estructura de dominación: el público está sentado en filas y la obra está adelante. Cuando digo de dominación, pareciera que en la obra hay un saber que debería ser incrustado en el espectador y yo pongo en duda esa relación. Trato de, depende las circunstancias, generar distintos formatos teatrales, cambiar la disponibilidad del público en términos espaciales, físicos, vivenciales y darle la posibilidad al público que elija qué quiere ver y qué no, o la perspectiva desde la que verán. Y el espectador se siente incómodo porque quiere estar cómodo, paga la entrada para estar cómodo; para repetir esto, que le cuenten siempre lo mismo como un chico que quiere que le cuenten el mismo cuento. Trato de desalentar ese tipo de experiencias porque creo que son de uso y dominación, de las que hay un montón. ¿Para que una más?

Descrees de la educación formal y, sin embargo, hace tiempo que dictas clases.

Cuando hago docencia, trato de plantear estructuras abiertas y generar un espacio de debate. Pretendo que todo el tiempo se ponga en tela de juicio mis aseveraciones.

¿Hubo algún caso en que lo hayas logrado?

Tuve una experiencia en 2007 de cinco semanas con alumnos de la Universidad de Bogotá, cuyo producto era una muestra final, que se tomó como artística. En ese sentido me interesa la experiencia pedagógica porque la radicalizo y la transformo en una experiencia artística, que no tiene una pauta cerrada de taller, sino que después se invita al público.

LOS OBJETOS

¿A qué se debe tu deseo de coleccionar objetos?

Más que coleccionar, yo junto. Nunca tuve la obsesión de clasificar o determinar un origen. Para mí todo tiene una relación con lo antropológico aunque esa referencia no tiene que estar en el objeto sino que todos se desprenden del cuerpo. Por ejemplo, el cuchillo copia la forma de la mano que lo va a tomar como utensilio. No necesariamente tiene que reproducir una idea de cuerpo, pero en el cuchillo está la ausencia de un cuerpo sosteniéndolo. Excepto en los objetos naturales: en una piedra, en una rama… ahí no hay necesariamente una idea de cuerpo por lo menos. Los objetos tiene para mí una implícita idea de cuerpo y eso me llama la atención. Por ejemplo, tengo un muñeco de lata, botellas, uno mejicano de la Santa Muerte y un soldadito de plomo. Siempre fui igual. Hasta los 15 ó 16 años jugué a los soldaditos.

Junto a Daniel Veronese y Ana Alvarado, Wehbi formó el emblemático El Periférico de objetos, grupo de teatro experimental que se caraterizaba por su uso de objetos, especialmente muñecos con forma humana. Con ellos, montó hasta la fecha once obras en espacios como el Parakultural o Ciudad Cultural Konex. Algunos de sus espectáculos fueron Ubú Rey (1990), Variaciones sobre B... (1991), Máquina Hamlet de Heiner Müller (1995), La Última Noche de la Humanidad (2002) y la más reciente de ellas, Manifiesto de Niños (2005).

¿Cómo armaron el grupo?

Cuando se abrió en el teatro San Martín una convocatoria para el grupo de titiriteros, muy caradura y teniendo en cuenta mi relación con los objetos, me presenté en una audición y quedé seleccionado. Ahí fue donde, en 1989, conformamos el grupo. Durante mucho tiempo mantuvimos en paralelo nuestras actividades en el repertorio del teatro oficial con las actividades del Periférico y de a poco nos fuimos yendo del San Martín.

En ese entonces, trabajaban la idea de desorientación, de dejarse llevar. Diez años después, ¿sigue siendo una pauta de trabajo?

Siempre la pauta es trabajar de forma rizomática. El rizoma es un tallo subterráneo de crecimiento indefinido. Yo trabajo en una semilla que se abre hacia un millón de lados y no se detiene nunca. La decisión de abrir del objeto primario es perderse, o desorientarse, es empezar a caminar el laberinto de Alicia. Empezar por asociación. Es como el hilo de Ariadna: afuera está ella, sosteniendo el hilo, y en el laberinto está Teseo, pero hay una referencia y una reconstrucción posible. Entonces yo puedo explicar que me perdí por tal camino, pero partí de un punto y el que mira puede entender y reconstruir el camino.

Por Mariana Sísaro y Emilio Zineroni

Conociendo al artista contemporáneo Federico González

2009-11-19T03:02:00.005-03:00

Nota y fotos por Marina Garaglia y Natalie Rodgers

Federico González devela otra cara del Arte Urbano que Arte en Calzoncillos quiere compartir con vos. Nació en diciembre de 1979, hizo el Profesorado de Bellas Artes en el Santa Ana y estudió Artes Visuales en Nueva Escuela. Durante un tiempo probó el reto de pintar en la calle, pero lo utilizó como un modo de darse a conocer.

Hoy realiza muestras en galerías nacionales y también internacionales. Entre otros sitios, expuso en Buenos Aires, Uruguay, Estados Unidos, Gran Bretaña, España y Japón. Según el testimonio del artista, trabaja para marcas como Puma Vans, Blackfin, One, Cravero, Fight for your right, Swh usa, Grannipg, Agencia Arena España, Ddb Argentina y más. Además, creó un juguete, conocido como toy handmade, llamado Bugo.

¡Hacé click en leer más para leer la entrevista exclusiva con el artista y conocer su obra !
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¿Cómo decidiste dedicarte al arte?

Empecé a pintar de chico pero mi di cuenta que era mi orientación mucho más grande. Arranqué dibujando en la escuela y después empecé a ir a un taller de dibujo más que nada para perfeccionar la técnica, que era muy clásico. Luego, mientras iba a la facultad hacía talleres pero no lo sentía como una vocación. Estudiaba hotelería, relaciones públicas, y después de mucho procesar me di cuenta que quería darle una chance a anotarme en Bellas Artes, en el Profesorado de Dibujo y Pintura en el Santa Ana. Tenía 19 años. Cuando terminé la carrera, que dura cinco años, sentía que tenía una formación muy clásica para lo que es todo hoy en día. Tenía una base muy buena en cuanto a técnica e historia del arte, composición y demás, pero me faltaban herramientas más modernas como fotografía, cosas de computación, arte digital.

Ahí fue cuando comenzaste a estudiar Artes Visuales...

Si, empecé a estudiar Artes Visuales en la Nueva Escuela, que es como una mezcla de diseño gráfico y dirección de arte. Esto te da un panorama bastante amplio, lo cual es importante y te abre la cabeza a nuevas cosas, cosas que quizás desde una forma más tradicional están mal vistas.

¿Cuándo empezaste a pintar en la calle?

Habrá sido hace unos cinco años y en realidad no hubo una razón sino que quería probar algo distinto que se venía usando afuera, y acá se veían cosas más taggeras o de graffiti, y la idea era probar un poco de mostrar las cosas en la calle. Yo trabajo más con pincel y brocha, no con aerosol y demás. Tampoco curtí tanto la calle, fueron un par de pintadas que estuvieron buenas, pero no era de esos que pensaba "hay que llevar el arte a la gente a todos lados", era por una cuestión más propia que por una convicción. No había un concepto detrás de todo eso, hay algunos que si lo tienen, pero para mi era probar algo nuevo, y ver bien de qué se trataba.

¿Qué fue lo primero que pintaste?

La primera vez fui solo a una plaza por Colegiales. Había unos paredones hechos pedazos que se prestaban para eso y pinte unas figuras, unos personajes. Era un hecho meramente estético, no es que había un mensaje ni nada de eso.

¿Qué pensás del arte urbano?

Hay muchos estilos, por ejemplo en junio vino una amiga que esta viviendo en Berlín y tiene una galería ahí de arte urbano. Me contaba que lo que veía acá era muy diferente al arte urbano de Berlín, que allá es más oscuro, más power, con más contenido, más visceral. Decía que acá es más naif y estético, sin una carga de fondo fuerte de comunicar algo. En Argentina las pintadas más grandes, en mi opinión, son una cuestión estética decorativa para mostrar un estilo distinto, y está bueno para darse a conocer, es una especie de publicidad que está buena.

¿Cómo fue que dejaste de pintar en la calle?

Ahora solo pinto en la calle si me pagan por hacerlo. Habré pintado menos de un año. Lo hice como un método alternativo para darme a conocer, que está bueno en primera instancia, pero empezó a ser tan masivo que empecé buscar otro.

¿Cómo llegaste a exponer tus obras en galerías?

Mandaba carpetas a todos lados, de caradura, tocaba puertas, participaba de todos los concursos posibles, hasta que me cansé, después volví a creer, me volví a descreer, las pasé todas todas pero básicamente lo logré insistiendo e insistiendo. La gente cuando lo empieza a ver a uno cada vez más seguido se impregna de eso. Le puede parecer que es algo diferente o chocante la primera vez, bueno, malo o lo que sea, pero lo conoce. Yo llevaba lo que hacía y a veces les gustaba, otras veces no era el perfil de la galería. Iba, venía, llamaba, molestaba. Nunca tuve palanca en ningún lugar. Me metí en concursos completamente descreído y quedé seleccionado junto a pintores consagrados, y remataban lo que yo había hecho. No lo podía creer, era como una película. Esto te da la pauta también que la idea es que te conozcan. En el arte no hay un parámetro de qué es bueno y qué es malo. Por ahí lo que hoy es una mierda dentro de unos años puede ser increíble. De hecho si alguien me da una definición de lo que es arte y nos deje contentos a todos, le hago una estatua.

Tus obras también se exponen en otros países. ¿De qué manera llegaste al ámbito internacional?

Del mismo modo que en Buenos Aires, buscando y buscando, pero por Internet, que hoy te da esas posibildiades. Uruguay, Punta del Este, fue el primer lugar en el que expuse afuera. Después enganché en 2008 y expuse en Tokio, en Japón, y ahora en diciembre expongo denuevo. Lo estoy armando ahora.

¿Con qué materiales pintás?

Pinto con lápiz, pincel, acrílico, con lo que venga. Mucho tiempo usé materiales no convencionales. Pero ahora estoy volviendo al viejo amor del lapiz. Lo que es pintura uso acrílico y también marcadores de témpera bastante. Sobre lienzo mayormente, pero lo que venga, papel, fibro fácil.

¿En qué te inspiras?

En realidad no lo se, es como verborragia de la mano, es como cuando hablas y no sabes qué es lo que estás diciendo, es lo mismo pero dibujando. Empiezo y hasta que no cubro todo no paro, después lo miro con el tiempo y le cambio algunas cosas. Es medio como catarsis, no busco hacer algo específico, por lo menos ahora. Es más el medio que estoy usando que el fin que quiero lograr. Es una búsqueda de personajes medios raros, busco como una composición que no sea grotesca al nivel de que no te abarque, pero que sean como todas ideas distintas unidas en el mismo lugar.

Hoy en día, ¿es tu sustento económico?

Laburo más que nada de lo que es dirección de arte, trabajo con distintas marcas y también con agencias de afuera, hago cosas de ilustración o de diseño de personajes. Puntualmente, para marcas hago muchos diseños como por ejemplo para Puma. Por un lado soy proveedor de Puma en cuanto a cosas de eventos,a lo artístico y ambientación, o mismo a generar contenidos, y también me apoyan como artista. El puesto sería como delegado de la marca, hay muchos con este puesto. Los delegados son personas que hacen un link entre lo que es la marca y, en este caso, el arte. También eventos y participaciones en vivos, intervención de locales y de objetos.

¿Qué te piden las marcas?

A veces me piden diseños de alguna cuestión en particular de remeras o zapatillas, de puntos de venta y ese tipo de cosas.

¿Cómo fue que empezaste con los muñecos Bugo?

Empecé porque tenía ganas de hacer una mezcla entre lo que es arte y producción serial, hacer una mezcla entra las dos cosas para hacer algo más comercial que la pieza exclusiva. Los primeros eran hechos a mano en resina, costaban fortuna. El arte en algún punto es exclusivo y es caro, de status y demás, y eso no me gusta. Entonces tenía ganas de hacer cosas baratas y chicas, estoy hace tres años con esto y recién ahora están por salir. Yo hago el diseño, la idea es hacerlos representativos, sacar varias ediciones, que sean como ediciones del mundo, por ejemplo hacer un porteño, un mexicano...

Hiciste un Bugo de la banda británica Sex Pistols y también de Fidel Castro

Si, a Sex Pistols los hice porque son un ícono. Y a Fidel Castro lo hice el año pasado en una muestra que se llamaba "Políticamente incorrecto" en Tokio, Japón, eran todos personajes legendarios de lo que es política, y la idea era vovlerlos todos parecidos. Ahora no tengo ninguno conmigo. Pero la cuestión es que decidí hacerlos de plástico para que estén más al alcance de la gente. Espero que salgan antes de fin de año.

Link

Página oficial de Federico Gonzalez

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Paganini y su pacto con el diablo

2009-11-18T10:14:00.013-03:00

Nicolò Paganini fue el hijo de Antonio, un parroquiano que tocaba la mandolina y el violín, y cuya esposa era amante de la música. Antonio comenzó a enseñarle a Nicolò a tocar la mandollina a los cinco años y el violín, dos años después. Le hacía practicar a su hijo desde la mañana hasta la noche, y cuando la concentración del joven Paganini vacilaba, su padre lo privaba de su ración de comida. Apesar de esto, el niño era sostenido por su profundamente religiosa madre.

A los diez años Paganini se presentó en público por primera vez y cuando tenía trece fue llevado a Parma para estudiar junto a Alessandro Rolla, quien, sin embargo, rechazó a Nicolò argumentando que ya sabía todo lo que él podía enseñarle. A pesar de ello el músico continuó estudiando composición y aprendió varios trucos sobre el oficio de violinista de viejos instrumentistas.

En Viena, los miembros de sus audiencias tomaban asiento dos horas antes de que comenzara la presentación por temor a perder sus lugares. En Leipzig, el afamado profesor de piano Friedrich Wieck, padre de Clara Schumann, anotó en su diario: “Nunca ha nacido un artista que sea tan magnífico e incomparable como él en tantos géneros.”

En Berlín, Mendelssohn escribió a su amigo Ignaz Moscheles: “Su ejecución está más allá de todo concepto ya que jamás se equivoca. Pides demasiado si esperas que te de una descripción de sus interpretaciones. Me tomaría una carta entera hacerlo, pues él es tan original, tan único, que requeriría un análisis exhaustivo el transmitir una impresión de su estilo.”

El joven Chopin oyó a Paganini en Warsaw en 1829 y se sintió obligado a conmemorar el evento mediante la escritura de una pequeña pieza, Souvenir de Paganini.

Robert Schumann transcribió para el piano doce de los 24 caprichos de Paganini y nombró una sección del Carnaval, una de sus obras maestras para piano solo, en honor a Nicolò.

Rossini, Donizetti, Liszt, Delacroix, George Sand y muchos otros famosos profesionales del arte asistieron a su debut musical en París en1831, y fueron deslumbrados por su música y su estilo interpretativo.

Las leyendas sobre el autor se esparcieron velozmente. Una de ellas contaba que había aprendido a tocar el violín durante sus largos años en prisión (por haber asesinado a otro amante de su amante). Otro mito hacía referencia a un misterioso pacto con el diablo, el cual, según algunos, era la causa de su perfecta ejecución de violín. Durante algunos años, Paganini animó y manipuló hábilmente estos absurdos cuentos, pero con el tiempo se hartó de todos ellos y los negó; sin embargo continuaron arraigados en la conciencia de su público.

Durante los años de su gran éxito, Nicolò fue criticado por avaro, pero los hechos desmienten esta calumnia: sus frecuentes presentaciones por caridad, su insistencia por tomar completa responsabilidad humana y financiera sobre los hijos que tuvo con una de sus amantes y su regalo de 20.000 francos al poco apreciado Berlioz para la composición de Harold en Italia, son sólo algunos de los ejemplos de extrema generosidad por su parte. A partir de los 50 años de edad, la salud de Paganini había comenzado a declinar seriamente ya que sufría de una dolencia respiratoria. También su fortuna comenzó a desaparecer.

Paganini es muy recordado por su inexplicable y endemoniada habilidad con el violín, podía interpretar obras de gran dificultad únicamente con una sola de las cuatro cuerdas del instrumento (retirando primero las otras tres, de manera que éstas no se rompieran durante su actuación), y continuar tocando a dos o tres voces, de forma que parecían varios los violines que sonaban. Esto indica lo cercano que estaba su arte al mundo del espectáculo. Sus obras incluyen veinticuatro caprichos para violín solo (1801-1807), seis conciertos para violín y orquesta y varias sonatas.

Artistas en la Web

2009-11-16T23:50:00.002-03:00

Si todavía no los viste, Arte en Calzoncillos te presenta algunos artistas que andan circulando por la web y que merecen ser tenidos en cuenta.

Kseniya Simonova adquirió popularidad mundial por su trabajo de animación con arena tras ganar el reality show Ucrania´s Got Talent 2009, cuya versión aquí se emite como Talento Argentino. La ganadora maravilló a los espectadores y al público presente con su arte retratando las consecuencias de la Segunda Guerra Mundial en su país. Además, cuenta con una musicalización emocionante y las versiones del video en internet ya recibieron millones de visitas.

El siguiente video muestra a un titiritero francés de la Compañía Phillipe Genty que realiza un espectáculo experimental. El número, llamado "Pierrot", explora los rincones inesperables de este arte. El Pierrot es un personaje de la comedia del arte que, en su versión francesa, se trata de un mimo triste enamorado de la luna.

Y pr último, un coro recrea el sonido de la lluvia utilizando únicamente los cuerpos de sus integrantes. Se recomienda, mientras se reproduce, cerrar los ojos y dejarse llevar.

2009-11-15T16:58:00.003-03:00

Hay películas que generan risas. Otras solo llanto, porque nos sentimos identificados o porque nos apenamos por la desgracia de la historia, o nos conmueven. Hay películas que no generan nada de nada. Otras saben darnos miedo. También existen esas que nos dan ganas de enamorarnos o de aventurarnos, o de salir corriendo a buscar a ese amor que hace tanto extrañamos. Y también hay algunas que nos mantienen tan tensos que no podemos movernos del sillón porque no queremos perdernos ni el más mínimo detalle de las cosas.
Después vienen esas que podemos definir prohibidas, de las que no hay mucho que hablar…no son películas para hablar, creo.
Y yo encontré con esta película otra rama dentro del cine. Podrán estar de acuerdo o no, pero yo lo veo así. Esas películas que juegan con la perversión.
Era un domingo por la noche, tenía mucho sueño pero dije ¿si en vez de irme a dormir miro una película?
¡Qué pésima decisión!
Me pedí una pizza a la napolitana con mucho ajo y mucha albahaca- mi comida favorita-. Invité a mi mejor amigo a casa…nos acomodamos en el sillón y destapé una cerveza helada. Puse en el freezer otra cerveza, para reponer la que había sacado y apreté Play, no sé porqué.
Esa noche me autocritiqué muchísimo ¿Qué persona psicológicamente sana podría sentarse a disfrutar ese film? Me sentí una insaciable consumidora de dolor, como si el dolor fuera un producto… No solo que llorar se hacía inevitable, sino que el film está lo suficientemente bien logrado como para que no puedas apretar Stop. Quizás se mantiene siempre viva la esperanza de que las cosas y situaciones vayan perdiendo el morbo. Pero a medida que los minutos pasan, mientras mi pizza se enfría, todo es un poco más triste. Y cuando mis lágrimas se empiezan a secar, el mismo film regenera la emoción de angustia y las consecuentes lágrimas que hace ya 45 minutos, creo, que no cesan.

Sigue la angustia y sigo sin atreverme a apretar Stop. My sister´s keeper o La decisión más difícil es quizás la película más dramática que vi. A tal punto que si tuviera que ponerle un puntaje, no llega al cero. Amo los dramas, pero no entiendo el morbo, creo que me afecta tanta perversión, tanta perversión tan bien pensada.
La pequeña Kate tiene leucemia. Sus padres deciden tener otra hija, Ana, para que done los órganos que necesita su hermana, a medida que el cáncer la destruye. Y Ana solo soporta haber sido concebida con el único fin de salvar a alguien más. Claro, Cameron Díaz (la madre) esta tan desesperada por salvar a su primera y por cierto hermosa hija, Kate, que olvida pensar en Ana.
Pero un día la pequeña y extrovertida Ana, se cansa de llevar una calidad de vida tan horrorosa. Y por eso recurre a la ayuda de uno de los abogados más famosos de la ciudad, protagonizado por Alec Baldwin, quien logra sensibilizarse por la trágica historia de sacrificios recurrentes, padecidos por una niña inocente.
…Me prendo un cigarrillo porque tanta tensión se me hace insoportable: ver a un bebé de unos 10 u 11 meses entrar con un camisolín lleno de caricaturas…como si la anestesia le permitiera disfrutar de la prenda, o como si tuviera sentido ver una caricatura mientras te extraen médula para dársela a alguien más. La niña pide por sus padres, llora, pero rápidamente el médico, con un intenso pinchazo le pone fin a tan incomoda situación. Lo cual me afecta un poco más…cuanta frialdad, cuanto morbo.
Paralelamente, en otra cama de esta típica clínica americana, espera Kate, siempre postrada, siempre a un paso de darse por vencida, preparando un collage con los momentos más lindos que vivió, como quien se despide o quizás como un grito desesperado de quien no tiene ya potencia para gritarlo. Kate también esta cansada de ver sufrir a su hermanita y de que su impiadosa madre continúe creyendo que la va a salvar, matando o destruyendo la vida de Ana.
Lloro tanto que ya ni quiero probar la pizza y paralelamente sigo destapando porrones. Mi amigo me mira y me pregunta si no prefiero ver otra película.
-No, ni ahí. Me encanta
Y me observo. ¿Qué parte de mí esta disfrutando este instante? ¿Cómo puedo engancharme tanto con una historia tan vacía de mensajes? Hasta empiezo a pensar si esta película no me dejara alguna secuela, es demasiado perversa ¿Cómo puedo dormir tranquila hoy?
Lo más curioso es que no me gustan las películas de terror justamente porque no disfruto ver sangre, monstruos, muerte… pero esta película es too much!!!
En fin, mi consejo es obvio. No la recomiendo. Y si mi crítica solo contribuye a que se mueran de ganas de verla, entonces no gasten $35 en una pizza que no van a poder probar y mucho menos disfrutar.
Supongo que es una decisión muy personal consumir o no este tipo de productos que solo generan emociones negativas y ni siquiera saben dejar un mensaje. A tal punto que Alec Baldwin tiene una crisis epiléptica, casi en tiempo real, que no le aporta nada al film, solo morbo. También carece de un pulmón, que aporta lo mismo que la epilepsia: nada. Morbo=perversión=nada.
Si queres saber más sobre el film (elenco, datos principales) clickeá aquí.

Apertura al Arte Urbano en Espacio Multiarte

2009-11-12T00:16:00.007-03:00

Nota y fotos: por Marina Garaglia y Natalie Rodgers

Un paso adelante hacia la difusión del Street Art como expresión creativa popular y la “deseletización” del arte como tal. El Espacio Multiarte, ubicado en Av Corrientes 389 dentro de la Sindicatura General de la Nación, inauguró el martes la muestra colectiva “Artistas urbanos: Gualicho, Jaz, Ever, Pum pum y Triángulo dorado".

Se procedió así a una importante apertura de un sitio que suele exhibir obras de estilos más convencionales. Se constituye como una puerta de crecimiento y valoración, para hacer visible un arte muchas veces invisibilizado. Tal como anuncia el título de la muestra, exponen grupos como Gualicho, Jaz, Ever, Pum Pum y Triángulo Dorado, que intervinieron algunos paneles del museo y realizaron sus obras en cuestión de horas.

Al igual que en la calle, sus creaciones son de acceso libre y gratuito, pues las puertas del museo estarán abiertas sin cargo de 9 a 18 los días hábiles hasta el 27 de noviembre y durante La Noche de los Museos el próximo sábado.

Arte en Calzoncillos estuvo presente en la inauguración de esta puesta en escena para compartirla con vos y mostrarte alguna de las obras más destacas. ¡Hacé click en leer más!

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Panel intervenido por Triángulo Dorado

Luz Etchevest, responsable de las actividades del Espacio Multiarte, fue quien impulsó la realización del evento. Aseguró que se trata de “dar un paso adelante en la difusión de expresiones contemporáneas del arte y artistas emergentes” en convergencia con la participación que la entidad ya tuvo en eventos como el Festival de la luz y el Festival Internacional de Historieta.

“Empieza un atractivo hacia otro publico, en un circuito que tiene que ver con la cosa más emergente aunque sean disciplinas que se desarrollan hace muchísimo tiempo”, sugirió. “Muchos de los que exponen acá ya son referentes a nivel nacional e internacional”, agregó.

Los visitantes de la muestra se manifestaban especialmente a favor de este tipo de expresión. “Estoy interesado en gente que embellezca la ciudad”, señaló un joven espectador.

Algunos de los empleados del Sigen presentes en la inauguración consideraban que muchas de las obras presentes eran demasiado violentas. Pero, en realidad, justamente se trata de eso, de mostrar expresiones artísticas populares que generalmente escapan al arte convencional, y que tienen más que ver con los que pasa todos los días en el seno de la sociedad.

Aún así, tanto Federico, de Servicios Generales, como Sergio, de Gerencia Normativa y Estudios, coincidieron en la importancia que tiene la apertura hacia manifestaciones artísticas, sin importar la temática que se aborde.

Pedro Panichelli, integrante de Triángulo Dorado, manifestó: “Me siento muy contento de poder compartir esto, que lo vea más gente y que se lo institucionalice porque se abre mucho las puertas a chicos que pintan en la calle. Una vez que está en un museo es como que la gente lo aprecia mas”.

Con respecto a los mensajes de las obras del grupo, explicó: “Por lo general tratamos de dar un margen a la reflexión en cuanto a los valores éticos y morales que se van perdiendo poco a poco, la idea es generar un microclima y ambientes de reflexión con diversas formas, dependiendo del acuerdo que lleguemos los tres (integrantes del grupo) en cada ocasión que pintamos”.

El sábado 14 el grupo va a realizar una intervención urbana en unos tachos de basura de un museo de la localidad de Tigre en el marco de un proyecto de reciclado y cuidado del medio ambiente que ya se hizo en Estados Unidos.

“Los que exponen en esta oportunidad son un grupo dentro de todos los artistas que hacen Arte Urbano, es una especialidad entre muchas características que tienen este tipo de intervenciones”, expresó Etchevest.

“Algo que se rescata es la solidaridad entre todos para pintar juntos por más que sean de diferentes grupos”, añadió. “Es un género que esta creciendo mucho y es importante rescatarlo”, resumió.

Todos los presentes parecían estar muy conformes con este avance. De todas formas, Pedro Panichelli aclaró: “El arte urbano va a seguir siendo en la calle”. Y de eso de trata el espíritu que los proclama y unifica.

Obras de Triángulo Dorado

Acrílico y óleo sobre tela

Serie Gólgola

Obras de Gualicho

Tinta sobre papel

"Sexo y muerte"

"Ciudad Boca"

Obras de Ever

Acrílico y óleo sobre tela

Obras de Pum pum

Obras de Jazz

"Hasta las bolas"

"Heroes patrios"

Tchaikovsky, criatura de porcelana

2009-11-11T23:20:00.022-03:00

Piotr Illich Tchaikovsky fue el más importante de los compositores rusos del siglo XIX. Nació el 7 de mayo de 1840 en la ciudad rusa de Votkinsk, al este de Moscú. Su padre, Ilya Petrovich, era ingeniero minero y trabajaba a cargo de una importante mina. La familia vivía al estilo de los grandes terratenientes de la época, tenían una casa imponente y un gran personal a su servicio. Las fuentes rusas mencionan que incluso tuvo bajo sus órdenes una compañía de cien cosacos. Ilya Petrovich se casó con Alexandra Adreievna D´Assier, una aristócrata de origen francés, bella y refinada. De esta unión, nacieron seis hijos de los que Piotr Illich fue el segundo.

Tchaikovsky tuvo en sus primeros años como institutriz a Fanny Dürbach. Inicialmente, esta institutriz suiza fue elegida para dar las primeras clases a los hermanos mayores de Piotr Illich, pero éste con apenas cuatro años y medio, insistió para que a él también le dieran las primeras lecciones y así lo determinó su padre. La institutriz permaneció en casa de Piotr Illich durante cuatro años y esos años fueron para el pequeño “un extraordinario período de rápido desarrollo mental”. A los seis años, Tchaikovsky hablaba perfecta y fluidamente el francés y el alemán. Fanny quedó encantada con este niño, que además era muy sensible y cada vez que era regañado quedaba muy afectado. Esta característica de Piotr llevó a la institutriz a darle el apelativo de “criatura de porcelana”. El compositor tenía especial capacidad para la música, aprendió a tocar el piano y tan concentrado se mantenía cada vez que lo tocaba, que luego quedaba con frecuencia exhausto, nervioso e insomne.

Piotr adoraba a su madre, pero en 1854 falleció a raíz del cólera. Este hecho marcó la vida de Tchaikovsky. Se dice que de su madre Piotr heredó el carácter neurótico y que al crecer le fue imposible acercarse a otras mujeres porque la había idealizado demasiado. A lo largo de su vida Tchaikovsky mantuvo relaciones platónicas con dos mujeres mayores que él.

En 1850 la familia decidió que el joven Piotr estudiara abogacía y lo inscribieron en la Escuela de Jurisprudencia de San Petersburgo, donde permaneció hasta graduarse de abogado. Paralelo a sus estudios de derecho, continuó sus estudios de piano. A los 19 años Piotr Illich se convirtió en funcionario del Ministerio de Justicia. El empleo en el ministerio le permitió tener cierta independencia económica. Por aquella época Piotr frecuentaba lugares frívolos y teatros, (no siempre de buena fama), pero también visitaba óperas y ballets.

En 1862, a los 22 años, Tchaicovsky se matriculó en el Conservatorio de San Petersburgo, que dirigía Anton Rubinstein. Allí estudió composición, armonía y contrapunto. Sus nuevos estudios lo absorbieron tanto que pronto fue incompatible con su trabajo en el Ministerio de Justicia. Decidió entonces renunciar a su empleo y dedicarse por entero a la música. Para tener ingresos económicos, tuvo entonces que dedicarse a dar clases de solfeo y piano.

El nacionalismo musical ruso, creado por Mijail Glinka, consistía en la “necesidad de inspirarse en temas populares y folclóricos para crear una música auténticamente nacional y libre de influencias extranjeras”. En aquella época, el legado de Glinka fue recogido por el “Grupo de los Cinco” (Balakirev, Mussorgsky, Borodin, Cui, Rimsky–Korsakov), a los que Tchaikovsky conoció en 1868. A raíz de este contacto, Piotr Illich compuso algunas obras nacionalistas como la Sinfonía Nº 2 “Pequeña Rusia” en 1872. Las relaciones entre Tchaikovsky y el Grupo de los Cinco nunca fue estrecha, ya que éste tenía una preparación de Conservatorio, cosa que los nacionalistas rechazaban y además la inspiración de Tchaikovsky buscaba temas que no siempre eran rusos, sin embargo, su amor por la música de Glinka los unía.

En octubre de 1869, una compañía de ópera italiana hizo presentaciones en Moscú. Su estrella principal era la soprano belga Desirée Artot, quien hizo amistad con Tchaikovsky, sin embargo el compositor se enamoró platónicamente: “rara vez he encontrado a una mujer tan amable, buena e inteligente”, comentaba en una carta a su hermano Modest. A pesar de frecuentarla, a los pocos meses Desirée se casó con otro hombre, pronto Tchaikovsky la olvidó y se dedicó a componer su primera ópera: “El Vóivoda”.

Entre 1869 y 1875, la carrera de Tchaikovsky se consolidó, lo que le proporcionó cierta estabilidad económica. Su temperamento, sin embargo, era inestable. Siempre oscilante entre la euforia y la depresión. En esta época compuso sus obras obertura-fantasía “Romeo y Julieta”, el cuarteto para cuerdas Nº 1, el concierto para piano Nº 1, las sinfonías 2ª y 3ª, la ópera “Oprichnik” y el célebre ballet “El Lago de los Cisnes”.

Ya a esa altura Piotr Illich tenía fama y con ella también se desataron las envidias y habladurías, ya que había llegado a ser un compositor reconocido pero también, en forma soterrada, los comentarios sobre su homosexualidad comenzaron a circular por la sociedad moscovita de la época.

En marzo de 1877, cuando se encontraba componiendo su ópera “Eugenio Oneguin”, Tchaikovsky recibió una carta de amor de una desconocida, a la que siguieron otras apasionadas misivas. Ella, Antonia Milyukova, le decía que había sido su alumna, pero Tchaikovsky no la recordaba, por lo que no contestaba las cartas que recibía de ella. Incluso amenazó con matarse si Tchaikovsky no le contestaba. Entonces el compositor la visitó y le pareció agradable, con una “mediana educación”, y decidió casarse para “satisfacer al padre que lo presionaba, para acallar todo rumor sobre su homosexualidad y para cumplir con su destino”.

Piotr Illich Tchaikovsky y Antonia Milyukova se casaron el 18 de julio de 1877. Él tenía 37 años y ella, 28. Antonia resultó una mujer desequilibrada y pesó en la decisión de matrimonio del compositor la creencia de que “con el matrimonio podría superar sus tendencias homosexuales”, pero se equivocó. La unión física no llegó a consumarse. Luego de dos meses de sufrimiento de la pareja y después de intentar suicidarse, Tchaikovsky decidió separarse y marchó a Suiza. Años después, en 1896, Antonia murió en un manicomio.

Poco antes de conocer a Antonia Milyukova, Tchaikovsky conoció a una mujer muy diferente a Antonia, que luego sería su segundo amor platónico. En 1876, el compositor inició una relación epistolar con Nadezhda Von Meck, mayor que él, viuda, rica, madre de doce hijos y "mujer culta”. Una vez, ella asistió a un concierto donde se tocó música de Tchaikovsky y se enamoró de su música. Ella le propuso donarle sumas de dinero para que él pudiera dedicarse a componer sin preocupaciones económicas. Tchaikovsky aceptó la propuesta y entre ambos se estableció una relación platónica y a la vez que económica, pero sólo por cartas. Uno de los frutos de esta relación fue la Sinfonía Nº 4, que el compositor se la dedicó.

Todo marchó bien hasta diciembre de 1890, fecha en que ella rompió bruscamente la relación argumentando que estaba en bancarrota, sin embargo esto no era cierto. Se dice que Nadezhda Von Meck creía que era amada por Tchaikovsky, sin embargo escuchó las murmuraciones sobre la supuesta homosexualidad de él y éstas la disuadieron de continuar con la relación. Al margen de la razón que ella arguyera, cierta o no, lo real es que esta ruptura fue un duro golpe para el músico. La relación epistolar se había prolongado durante 13 años, tiempo en el cual nunca hablaron en persona. A pesar de la ruptura, Nadezhda siguió la carrera de Tchaikovsky. Curiosamente, ella murió dos meses después del fallecimiento del compositor.

Entre 1880 y 1890, Tchaikovsky vivió sus mejores años. Con la ayuda de Nadezhda Von Meck, más el aporte económico de sus obras, pudo dedicar todo su tiempo a componer y viajar. Abandonó el conservatorio y pasaba largas temporadas en la casa campestre de su hermana Alexandra, en Kemenk. Realizó varios viajes y giras por Alemania, Francia, Gran Bretaña e Italia. Fue una época de gran estabilidad emocional.

De la primera mitad de esta década datan obras como la Obertura 1812, la “Serenata para cuerdas”, el “Capricho italiano”, el trío “En memoria de un gran artista” (en honor a Nicolai Rubinstein) y la sinfonía “Manfred”. En 1885 compró una casa de campo en Klin, entre Moscú y San Petersburgo.

A partir de 1885, la fama de Tchaikovsky como compositor creció extraordinariamente en Rusia y en el resto de Europa e incluso traspasó el Atlántico hasta Estados Unidos. El zar Alejandro III le concedió la Gran Cruz de San Vladimir, que lo reconocía como compositor oficial, y más aún, le dio su amistad. En 1887, debutó como director. Varios críticos, entre ellos el francés Saint Saënz, lo declararon el más genial de los compositores rusos. En 1890 fue invitado a inaugurar el auditórium Carnegie Hall de Nueva York y en 1893, fue miembro de honor de la Academia Francesa y doctor honoris causa de la Universidad de Cambridge.

A pesar de sus éxitos y a raíz de su ruptura con Nadezhda Von Meck, en 1890 Tchaikovsky volvió a sus períodos de depresión. Pero su actividad creadora no se interrumpió y compuso la suite “Mozartiana”, la Sinfonía Nº 5, “La Bella Durmiente” y la ópera “Yolanda”. También escribió sus dos obras más famosas: el ballet “Cascanueces” y la Sinfonía Nº 6 “Patética”. Sobre esta sinfonía Tchaikovsky escribió: “la quiero como no he querido nunca a ninguna de mis partituras. No exagero, toda mi alma está en esta sinfonía”.

Según la versión oficial, tres días después del estreno de la Sinfonía Nº 6 “Patética”, en octubre de 1893, Tchaikovsky sintió un malestar, se negó a comer y bebió un vaso con agua sin hervir, a pesar de que en San Petersburgo se había declarado una epidemia de cólera. El 3 de noviembre de ese mismo año se supo que había contraído la enfermedad, de la que murió el 6 de noviembre, en San Petersburgo, a los 53 años. En Rusia fue extremadamente sentida la muerte de Piotr Illich, tanto que el zar ruso declaró: “Tenemos muchos duques y varones, pero sólo un Tchaikovsky”.

Investigaciones recientes sugieren otra hipótesis sobre su muerte. Sostienen que un duque de la corte zarista descubrió que Tchaikovsky acosaba a su hijo. El duque escribió una carta al zar denunciando al compositor, pero la carta llegó a las manos de un importante senador que había estudiado con Tchaikovsky en la Escuela de Jurisprudencia de San Petersburgo. Espantado, se formó una corte para juzgarlo, fue citado, juzgado y sentenciado. La corte acordó que sólo había un camino para salvar el honor de todos: Piotr Illich Tchaikovsky, debía suicidarse. Entonces él se habría envenenado bebiendo arsénico.

La realidad es que sobre el fin de este extraordinario compositor ruso, hay más dudas que certezas.

Zumbandole al éxito....

2009-11-11T21:08:00.015-03:00

Mantuvimos una charla con Coco Fassi, el cantante de una de las bandas que viene sonando en el under y los escenarios porteños y bonaerenses desde hace casi diez años. Después de participar en las ediciones del Pepsi 2007, 2008, y del Quilmes Rock ,el año pasado, continúan subiendo. Con ustedes: Zumbadores.

Teniendo en cuenta que eligieron el nombre "Zumbadores" a raíz del colibrí zumbador, un pájaro místico de Jamaica que es considerado sagrado por ser diseminador de nueva vida, ¿Sentís que la vida del músico del under es un zumbido "molesto" y constante para ganarse un lugar entre las otras bandas?
Mas que ganarse un lugar, creo que uno trata de marcar su propia historia. El desafío es siempre hacer mejores discos y mejores recitales.

Despues de los cinco materiales grabados-Zumbadores, En vivo Teatro Arlequines, Frutilla y Almeja, Hijo de la barbarie, El colibrí-¿Piensan sacar "En vivo Pepsi Music"?

(Risas) .En algún momento seguramente haremos un disco dvd en vivo, pero no creo que sea sobre el Pepsi Music.

¿Cuál es la reacción del grupo ,despúes de casi diez años de recorrer los escenarios del under, al ser convocados nuevamente para tocar en el Pepsi Music? Siempre es una buena posibilidad de mostrarse ante públicos de otras bandas y ante gente que no es habitué de nuestros shows. Está bueno estar en estos festivales.

¿Qué diferencias notaste con el Pepsi del año pasado?
El sonido mas bajo, por las nuevas disposiciones. El resto fue bastante parecido a las ediciones anteriores.
¿ Quiénes fueron tus referentes musicales en cuanto a la voz?
No tengo referentes puntuales pero me gustan muchos cantantes como Bowie, Morrisey, Michel Stipe, Scout Weiland. Y la lista podría ser infinita.

Inauguraron la cuarta fecha del Pepsi 2009 el sábado 7 de noviembre. ¿Cúal/es fueron los sentimientos al telonear a La Vela Puerca, Cielo Razzo, Ratones Paranoicos, Divididos, entre otras?

Siempre compartir el escenario con bandas de esa envergadura es un honor y un gran privilegio.

Lo que el Pepsi se llevó..

2009-11-11T20:37:00.014-03:00

Pepsi Music es un festival organizado por Pepsi y PopArt en el cual no hay un solo estilo música , sino que se pueden escuchar varios como el Rock , el Pop , el Reggae y, en menor cantidad, el Hip-Hop . Convoca a miles de personas de distintos lugares del país. Se viene realizando desde el 2003 , pero con el nombre Quilmes Rock . Pero, a partir del 2005 pasó a llamarse como se lo conoce en la actualidad.
En la séptima edición hubo solo cinco días destinados a todos los recitales. Un escenario principal y otro alternativo para los grupos en ascenso permanente como Zumbadores, Dante, Zoe, De Bueyes, Dr. Crápula, Mamá Pulpa, entre otros.

El 30 de octubre, los ingleses The Prodigy cerraron la primera fecha del Pepsi Music 2009 .También participaron de la jornada Loquillo, Siete Delfines, Ojas, Banda de Turistas, y Los Natas, quienes sorprendieron con un show conciso pero prolijo. Fue aquí donde el viejo y nuevo pop se encontraron en una jornada plagada de aplausos.

El segundo día tuvo fecha reprogramada-El 31 de octubre era la fecha original-. No solo generó malestar entre los miles de fanáticos que esperaban ansiosos para ver a sus bandas sino que tuvieron que esperar casi una semana para concurrir al espectáculo.A pesar de todo el Reggae se filtró a través de los oídos de las casi 30 mil personas que asistieron al evento de la mano de No Te va a Gustar, Los Cafres, Fidel Nadal, Los Pericos y Las Pelotas, quienes cerraron el show.

Sin lugar a dudas una de las mejores espectáculos del Pepsi fue la del 1 de noviembre. Die Toten Hosen Y Faith No More dieron cátedra en la tercera fecha del festival y dejaron bien en claro porque siguen vigentes en el ámbito internacional. También se destacó la presencia de las bandas locales como Carajo, Los Violadores, Bulldog y Cadena Perpetua, entre otros.

Por otro lado, con La Vela Puerca se cerró la cuarta jornada del festival a puro rock and roll. La banda que sobresalió fue Divididos. Antes, habían tocado Living Colour, Nonpalidece y Cielo Razzo, entre otros. Hubo mucha euforia y cantitos al mejor estilo cancha de fútbol: “ Y ya lo ve, y ya lo ve es Dividos otra vez”.

Finalmente llegó el quinto día del festival. La última jornada del Pepsi Music tuvo la presentación de Catupecu Machu, Los Fabulosos Cadillacs, Calle 13, Kapanga, Los Tipitos, Gogol Bordello y Los Auténticos Decadentes, entre otros. La música de Catupecu, fusionada desde su origen con otros géneros como el rock, el metal y raíces folclóricas, fue lo más destacado de la jornada. Fernando Ruiz Días, líder de la banda, supo llevar adelante un recital impecable, austero e inolvidable. Habrá que esperar otro año más para asistir y enloquecer.

Próximos Estrenos

2009-11-06T17:44:00.027-03:00

Para los que gustan del cine comercial -pero no tanto como para ir a ver la secuela de Crepúsculo- Arte en Calzoncillos te acerca los avances de algunas películas interesantes que llegarán a nuestro país en los últimos meses de 2009 y principios del próximo año.

Hacé click en Leer Más... para conocer los próximos estrenos.

CRIATURA DE LA NOCHE

Låt den rätte komma in es el título original de este film de terror sueco que se estrenará en Argentina el 26 de noviembre y que está dirigido por Tomas Alfredson y escrito por John Ajvide Lindqvist.
Oskar es un niño tímido y de aspecto inofensivo que sufre las burlas y abusos físicos de sus compañeros y a menudo fantasea con matarlos clavando un cuchillo en la corteza de un árbol. Todo cambia cuando conoce a Eli, una joven misteriosa que se ha mudado al pueblo junto con un hombre mayor; no obstante, su llegada coincide con una serie de misteriosas y extrañas muertes en la zona. Cuando Oskar descubra la verdad sobre la naturaleza de Eli, su miedo será opacado por el afecto que siente por ella.

Además de su particular trama, uno de los datos que llama la atención de Criatura de la Noche es que pasó a integrar el listado de las 250 Mejores Películas del sitio en Internet International Movie Data Base (IMDB).

LA HEREDERA DE BLAIR WITCH

Actividad Paranormal es una película que viene batiendo récords de espectadores en los EstadosUnidos ya que contó con un presupuesto de apenas 15 mil dólares y viene recaudando unos 85 millones. Si bien se estrenó en un festival de terror en 2007, recién tuvo su estreno comercial en los EE.UU. en octubre.
Filmada al estilo documental ficticio como fue en su momento El Proyecto Blair Witch, relata la historia de una joven pareja que se muda a una nueva casa en la que están convencidos de que hay una fuerza sobrenatural por lo que deciden documentarlo con una cámara casera. El avance combina escenas con reacciones del público mientras ven la proyección en el cine.

El director Oren Peli hizo todo el rodaje en su propia casa y tardó sólo una semana. Paramount Pictures se está encargando de su distribución y ya se está hablando de una secuela aunque todavía no hay nada programado. Llega a las salas argentinas el 25 de diciembre.

PARA LOS ADULTOS QUE AÑORAN LA HISTORIA SIN FIN

Spike Jonze es uno de los directores más reconocidos (y excéntricos) del ambiente audiovisual, especialmente en el de los videoclips. Trabajó, entre otros, con Bjork, R.E.M. y The Chemical Brothers; es uno de los creadores de Jackass y tiene en su haber las magníficas El Ladrón de Orquídeas y ¿Quieres ser John Malkovich? Ahora, incursiona en el género infantil, o al menos eso parece a primera vista, con el film fantástico Donde Viven los Monstruos (Where the Wild Things Are, en su inglés original). Adaptada del libro para chicos de Maurice Sendak, combina efectos especiales modernos y algunos más antiguos, propios de los años ochenta.

Max es un chico solitario y con una gran imaginación que descubre un mundo habitado por unos seres similares a animales pero humanoides con los que empieza a convivir como un rey. En principio, recuerda un poco a la clásica Historia Sin Fin pero con Jonze en el proyecto, habrá que esperar para ver.

Actúan además Catherine Keener y Mark Ruffalo. Se estrena en Argentina el 21 de enero de 2010.

LA ÚLTIMA PELÍCULA DE HEATH LEDGER

Si bien Batman: El Caballero de la Noche fue el último trabajo que Heath Ledger llegó a filmar completo antes de fallecer por una sobredosis accidental, ya había realizado aproximadamente la mitad de sus escenas de El Imaginario Mundo del Dr. Parnassus, y que desembarcará en las salas locales el 11 de febrero del año que viene.

El film cuenta la historia del personaje del título, interpretado por Christopher Plummer, y su fantástico espectáculo ambulante: luego de hacer un trato con el diablo, el protagonista logra conseguir la inmortalidad pero a cambio deberá entregar a su hija cuando ésta cumpla los dieciséis años. Cuando el tiempo estipulado comienza a agotarse, un extraño forastero (Ledger) arribará para intentar ayudar padre e hija.
The Imaginarium of Dr Parnassus está escrita y dirigida por Terry Gilliam, responsable de obras maestras como Los Caballeros de la Mesa Cuadrada (1975), Brasil (1985), Doce Monos (1995) y Pánico y Locura en Las Vegas (1998). Se estrenó en el último Festival de Cannes y tuvo tanto críticas elogiosas como demoledoras.

Cuando Ledger falleció, el rodaje de suspendió por unos meses y se decidió contratar a Johnny Depp, Colin Farrell y Jude Law para completar las escenas de su personaje mientras viaja por diferentes realidades imaginarias. Los tres actores cedieron su remuneración a Matilda, la hija del fallecido intérprete.

Así como se reza en el avance: “Nada es permanente. Ni siquiera la muerte.”

LEWIS CARROLL POR TIM BURTON

Seguramente ya no es una novedad a esta altura pero vale la pena mencionarla: Alicia en el País de las Maravillas con dirección de Tim Burton tendrá su estreno mundial el 4 de marzo del 2010 y cuenta con un lujoso elenco, entre los que se encuentran Johnny Depp, Helena Bonham Carter, Anne Hathaway, Crispin Glover, Christopher Lee, Michael Sheen y Alan Rickman.

Los tres primeros actores mencionados han recibido nominaciones al Oscar en los últimos años. Mia Wasikowska encarnará a la joven Alicia.

Cabe descatar que esta película es una adaptación no sólo del famoso clásico de Lewis Carroll, sino también de su secuela, A Través del Espejo y lo que Alicia Encontró Allí por lo que el film termina tomando elementos de ambos libros. Por ejemplo, Bonham Carter interpreta a la antagonista de la historia quien es una combinación de los personajes de la Reina de Corazones y la Reina Roja; la primera sólo aparece en el libro original y la segunda en su continuación.

Hollywood in Cambodia, una galería a disposición del Arte Urbano en Buenos Aires

2009-11-05T00:49:00.012-03:00

Fotos y nota: por Marina Garaglia y Natalie Rodgers

Hollywood in Cambodia (HIC) es un espacio de arte ubicado en el primer piso del legendario Bar POST, situado en la calle Thames al 1800 y especializado en difundir el Street Art. Su aspecto es completamente distinto al de las galerías convencionales: desbordan en el una multiplicidad de universos que se entretejen para recuperar la magia de la metrópoli y sus peripecias cotidianas.

Sus particularidades revelan la adrenalina puesta en cada una de las obras, así como lo efímeras que pueden llegar a ser, en un mundo en el que todo parece pasar rápido, pero en el que el arte callejero se está aventurando a dejar su marca y hacer historia.

En el resto del post, detalles sobre este emblemático epicentro cultural y una galería de fotos que Arte en Calzoncillos tomó para que conozcas un poco más sobre esta movida que muchos desconocen pero que está en constante crecimiento. ¡Hacé click en leer más!

HIC está compuesto por una terraza de exhibición y un salón de ventas. Nacido en octubre de 2006, en el salón de ventas se ofrecen obras de los colectivos urbanos que le dieron vida: Buenos Aires Stencil, Run Don´t Walk y Malatesta. Según la página oficial, se trata de un colectivo de colectivos, de una galería que es un “grupo de amigos aunados para darle forma a algo que no necesita molde”, y con la premisa de “aprovechar espacios y liberarlos de su estructura original”.

De este modo, Hollywood in Cambodia demuestra como este fenómeno que puede darse como un ente contestatario a conflictos sociales, o como modo de expresión, también puede transformarse en una salida laboral.

En las paredes de la terraza se realiza una muestra por mes. Cada exhibición implica la extinción de la anterior, puesto que las obras son plasmadas en las mismas paredes. Esto, en parte, simboliza lo que sucede en las calles urbanas con las diferentes pinturas y figuras que, por un rato, las registra y se hacen parte de ellas.

La exposición de noviembre, justamente, fue inaugurada anoche a las 20. Con el nombre “Día y Noche”, su autor Pedro Perelman, integrante del grupo Fase, refleja en sus ilustraciones las dos caras del artista/ músico con un diálogo permanente entre instrumentos y pinceles. En el lugar, además, se brindan charlas, talleres, y se realiza live painting y serigrafía en vivo.

Arte en Calzoncillos estuvo ahí para mostrarte un poco sobre “Día y noche” y el estilo de Hollywood in Cambodia, que muchos dicen que se asemeja más a un sotano que a un primer piso. Si bien está ubicado en el seno de Palermo Hollywood, una vez adentro, logra aislar al visitante en tiempo y espacio, para realizar un recorrido que redescubre el arte y obstruye la ya primitiva idea de que la expresión creativa se trata sólo de un universo de elites.

La galería realza todo aquello que late a diario en las calles urbanas para cobrar identidad, y contar sus vericuetos y sensaciones.

Si querés conocer las próximas muestras de la galería, hacé click aquí.

Link

Hollywood in Cambodia.

My sister´s keeper (la decisión más difícil): punto de vista

2009-11-04T13:03:00.007-03:00

Hay películas que generan risas. Otras solo llanto, porque nos sentimos identificados o porque nos apenamos por la desgracia de la historia, o nos conmueven. Hay películas que no generan nada de nada. Otras saben darnos miedo. También existen esas que nos dan ganas de enamorarnos o de aventurarnos, o de salir corriendo a buscar a ese amor que hace tanto extrañamos. Y también hay algunas que nos mantienen tan tensos que no podemos movernos del sillón porque no queremos perdernos ni el más mínimo detalle de las cosas.
Después vienen esas que podemos definir prohibidas, de las que no hay mucho que hablar…no son películas para hablar, creo.
Y yo encontré con esta película otra rama dentro del cine. Podrán estar de acuerdo o no, pero yo lo veo así. Esas películas que juegan con la perversión.
Era un domingo por la noche, tenía mucho sueño pero dije ¿si en vez de irme a dormir miro una película?
¡Qué pésima decisión!
Me pedí una pizza a la napolitana con mucho ajo y mucha albahaca- mi comida favorita-. Invité a mi mejor amigo a casa…nos acomodamos en el sillón y destapé una cerveza helada. Puse en el freezer otra cerveza, para reponer la que había sacado y apreté Play, no sé porqué.
Esa noche me autocritiqué muchísimo ¿Qué persona psicológicamente sana podría sentarse a disfrutar ese film? Me sentí una insaciable consumidora de dolor, como si el dolor fuera un producto… No solo que llorar se hacía inevitable, sino que el film está lo suficientemente bien logrado como para que no puedas apretar Stop. Quizás se mantiene siempre viva la esperanza de que las cosas y situaciones vayan perdiendo el morbo. Pero a medida que los minutos pasan, mientras mi pizza se enfría, todo es un poco más triste. Y cuando mis lágrimas se empiezan a secar, el mismo film regenera la emoción de angustia y las consecuentes lágrimas que hace ya 45 minutos, creo, que no cesan.
Sigue la angustia y sigo sin atreverme a apretar Stop. My sister´s keeper o La decisión más difícil es quizás la película más dramática que vi. A tal punto que si tuviera que ponerle un puntaje, no llega al cero. Amo los dramas, pero no entiendo el morbo, creo que me afecta tanta perversión, tanta perversión tan bien pensada.
La pequeña Kate tiene leucemia. Sus padres deciden tener otra hija, Ana, para que done los órganos que necesita su hermana, a medida que el cáncer la destruye. Y Ana solo soporta haber sido concebida con el único fin de salvar a alguien más. Claro, Cameron Díaz (la madre) esta tan desesperada por salvar a su primera y por cierto hermosa hija, Kate, que olvida pensar en Ana.
Pero un día la pequeña y extrovertida Ana, se cansa de llevar una calidad de vida tan horrorosa. Y por eso recurre a la ayuda de uno de los abogados más famosos de la ciudad, protagonizado por Alec Baldwin, quien logra sensibilizarse por la trágica historia de sacrificios recurrentes, padecidos por una niña inocente.
…Me prendo un cigarrillo porque tanta tensión se me hace insoportable: ver a un bebé de unos 10 u 11 meses entrar con un camisolín lleno de caricaturas…como si la anestesia le permitiera disfrutar de la prenda, o como si tuviera sentido ver una caricatura mientras te extraen médula para dársela a alguien más. La niña pide por sus padres, llora, pero rápidamente el médico, con un intenso pinchazo le pone fin a tan incomoda situación. Lo cual me afecta un poco más…cuanta frialdad, cuanto morbo.
Paralelamente, en otra cama de esta típica clínica americana, espera Kate, siempre postrada, siempre a un paso de darse por vencida, preparando un collage con los momentos más lindos que vivió, como quien se despide o quizás como un grito desesperado de quien no tiene ya potencia para gritarlo. Kate también esta cansada de ver sufrir a su hermanita y de que su impiadosa madre continúe creyendo que la va a salvar, matando o destruyendo la vida de Ana.
Lloro tanto que ya ni quiero probar la pizza y paralelamente sigo destapando porrones. Mi amigo me mira y me pregunta si no prefiero ver otra película.
-No, ni ahí. Me encanta
Y me observo. ¿Qué parte de mí esta disfrutando este instante? ¿Cómo puedo engancharme tanto con una historia tan vacía de mensajes? Hasta empiezo a pensar si esta película no me dejara alguna secuela, es demasiado perversa ¿Cómo puedo dormir tranquila hoy?
Lo más curioso es que no me gustan las películas de terror justamente porque no disfruto ver sangre, monstruos, muerte… pero esta película es too much!!!
En fin, mi consejo es obvio. No la recomiendo. Y si mi crítica solo contribuye a que se mueran de ganas de verla, entonces no gasten $35 en una pizza que no van a poder probar y mucho menos disfrutar.
Supongo que es una decisión muy personal consumir o no este tipo de productos que solo generan emociones negativas y ni siquiera saben dejar un mensaje. A tal punto que Alec Baldwin tiene una crisis epiléptica, casi en tiempo real, que no le aporta nada al film, solo morbo. También carece de un pulmón, que aporta lo mismo que la epilepsia: nada. Morbo=perversión=nada.
Si queres saber más sobre el film (elenco, datos principales) clickeá aquí.

El cruce fantástico entre literatura y televisión

2009-11-04T12:56:00.012-03:00

El pasado 24 de septiembre debutó en Estados Unidos la serie Flashforward, la más reciente producción de ciencia ficción para la pantalla chica y que ya ha ganado fieles adeptos, además de haber recibido excelentes críticas. Arte en Calzoncillos te adelanta el programa inspirado en la novela homónima del canadiense Rorbert J. Sawyer y que se verá en nuestro país a partir del año que viene.

Para más información y ver un avance, hacé click en Leer Más...

La historia se centra en el agente del FBI Mark Benford, interpretado por Joseph Fiennes, su familia, amigos y colegas y las repercusiones de un fenómeno global que provoca que toda la población del planeta pierda el conocimiento durante dos minutos y 17 segundos. Aún cuando el desvanecimiento es de apenas un momento, es suficiente para que sucedan enormes catástrofes en el mundo como accidentes de tránsito y caídas de aviones. Además, los sobrevivientes descubren que, durante los desmayos, experimentaron visiones de sus vidas en un futuro de seis meses. El equipo liderado por el protagonista intentará investigar las causas del extraño evento y a un misterioso sospechoso de haberlo provocado además de lidiar con las consecuencias personales de ver su propio destino.

Si bien los guionistas se inspiraron en la novela de Sawyer, se realizaron varios cambios para el formato televisivo: mientras que en el libro, los personajes principales son científicos; en la pantalla son agentes del FBI y personas comunes de su entorno y las premoniciones de eventos que sucederán en 6 meses son originalmente dentro 21 años.

El flashforward, cuya traducción literal sería “destello del futuro”, es una técnica literaria que consiste en la ruptura lineal de la narrativa para describir un evento futuro del momento presente que está tomando lugar. Presente en la literatura, esta herramienta ha sido explotada en el programa Lost durante los últimos años y no es de extrañar, dado que ambos programas pertenecen a la cadena ABC y tienen como uno de sus temas principales la dicotomía de libre albedrío contra un destino inevitable. También, dos de de los personajes principales de Flashforward son los actores Dominic Monaghan y Sonya Walger quienes interpretaron a Charlie Pace y Penelope Widmore en Lost.

Otro de los elementos que llama la atención es la participación de Joseph Fiennes en el proyecto, un actor que ha trabajado principalmente en cine y teatro y conocido mundialmente por su rol en la ganadora del Oscar Shakespeare Apasionado. Completan el elenco John Cho, Jack Davenport, Zachary Knighton, Peyton List, Dominic Monaghan, Brian F. O’ Bryne, Courtney B. Vance, Sonya Walger y Christine Woods. La serie fue ideada por Brannon Braga David S. Goyer y producida por ellos mismos entre otras personas.

ACTORES DEL CINE A LA TV

Fiennes se suma así a una tendencia creciente en los Estados Unidos: el pase de actores de películas a productos televisivos, así sean unitarios o mini series. Muchos de ellos han sido galardonados por sus trabajos en la última entrega de los premios Emmy como Toni Collette y Alec Baldwin como mejores intérpretes de comedia por United States of Tara y 30 Rock respectivamente; Glenn Close como actriz dramática en Damages; Brendan Gleeson por su protagónico en la mini serie Into the Storm y Ellen Burstyn como invitada especial en Law & Order.

Flashforward se verá en Argentina y el resto de América Latina por la pantalla de AXN a principios del 2010. A continuación, dejamos el avance subtitulado. Para ver una versión en alta calidad, sin subtítulos, hacé click aquí.

Las cartas que me escribió

2009-11-03T05:10:00.005-03:00

Por Bárbara Alewaerts
Soren Kierkegaard considera que hay tres formas o estadios de existencia humana: el estético, el ético y el religioso. El autor hace hincapié en que la persona que solo vive para el presente, aquel que no escoge, sino que salta de una experiencia a otra, confiando solo en su sensibilidad, es un esteta: que empobrece su personalidad y desemboca en el hastío.
“Diario de un seductor” es una obra en la que cualquier mujer se identifica en algún mundo ilusorio con Cordelia, aquella que sabe representar al estereotipo perfecto de la mujer seducida y enamorada, que nunca fue engañada y que tenía libertad perfecta, una mujer que actuaba objetando por totalidad al aspecto físico.
La obra recopila las cartas que Cordelia le escribía a su amado y las que su amado escribía a ella. Cartas que cualquier amante del amor soñaría recibir o escribir, para lo cual primero debiera atreverse a sentir como Kierkegaard, algo que parece estar muy lejano al mundo posible y real.

A veces no se trata de sentir sino de vivenciar, no son eternos los momentos en los que el amor se presenta de manera tan audaz, como se presenta en esta obra el amor hacía Cordelia. Pero se vuelve eterno el vivenciar ese amor cada día, en cada instante, en cada carta.
-Mozo, un café por favor
Y sigo releyendo, quizás por novena vez –si mal no recuerdo- esta apasionante obra de este palpitante hombre, que no solo supo escribir al amor como a mi entender ni Shakespeare pudo, sino que además lo supo vivir y hacer revivir en quien ha logrado sentir cada palabra de sus cartas, en su corazón.
Nadie podría decir que esta obra lo conmueve ¡porque no conmueve! Esta obra mueve hasta lo más inamovible del espíritu… por lo menos a mí, que me considero un poco extra sensible, pero con una sensibilidad que logra transportarme hasta lo más elevado del mundo emocional.
-Mozo, un café por favor
-¿Otro?
-Si por favor.
El bar está por cerrar. Yo no me siento invadida por ese ruido tan insoportable de las sillas casi reventadas sobre las mesas, por el contrario, me siento tan extraída de ese mundo. Me siento en el mundo de él, me siento como si fuera esa Cordelia, con esa manera de ignorar tan cruel que termina por generarme cierta bronca, de tanta envidia y cierta envidia de tanta bronca.
Quisiera ser Cordelia… por un instante. Quisiera ser esa seducida. ¿Quién no quisiera ser Cordelia al menos por un instante?
¿Hace falta que los invite a leer esta maravillosa obra que más que una obra es un sueño de amor, un sueño de amor concreto?

Si queres saber más sobre el autor, hace click sobre su nombre Soren Kierkegaard

Oh, la la! C'est le Louvre!

2009-11-01T16:28:00.067-03:00

Este fin de semana inauguró en el camino de La Boca la exposición Imágenes del Louvre: seis siglos de pintura europea.

La muestra está constituida por 122 reproducciones de 104 artistas, que guardan el tamaño natural de los cuadros originales y los marcos con que se presentan en el museo parisino.

Para crear las reproducciones, se tomaron fotografías en alta resolución, que luego fueron impresas en papel de calidad exclusiva. La muestra ofrece un panorama de la pintura occidental de los siglos 18 y 19, a través de la colección del Departamento de Pinturas del Louvre. Están representados todos los movimientos artísticos: Primitivos, Renacimiento, Manierismo, Caravagismo, Clasicismo, Barroco, Rococó, Neoclasicismo, Romanticismo y Orientalismo. En ese contexto, se podrán apreciar obras de Da Vinci, Tiziano, Murillo y Rembrandt, entre muchos otros grandes de la pintura europea.

Esta inauguración de esta exposición internacional, que viajó ya por La Habana, Santo Domingo y Montevideo, se da en el marco de la semana francesa Viví Francia 2009, que se está realizando desde el 26 de octubre y continuará hasta el de noviembre con conferencias, degustaciones, actividades científicas y artísticas, y mucho más.

La muestra podrá visitarse hasta el 31 de enero en la costanera que va desde el tradicional paseo Caminito hasta el viejo puente Transbordador, a la altura de Almirante Brown. La entrada es libre y gratuita y, por ser al aire libre, puede ser visitada en cualquier momento del día.

Conocé más sobre Imágenes del Louvre: seis siglos de pintura europea haciendo click en Leer más

Leonardo Da Vinci

Retrato de Lisa Gherardini, llamado Mona Lisa o La Gioconda.

Óleo sobre madera. 77 x 53 cm.

Francisco de Goya

Retrato de la Condesa del Carpio, Marquesa de la Solana

Óleo sobre tela. 1,81 x 1,22 mts.

El Bosco

La nave de los locos

Óleo sobre madera. 58 x 32 cm.

Sandro Botticelli

Venus y las gracias ofreciendo presentes a una joven

Fresco. 2,11 x 2,83 mts.

Rembrandt
Betsabé en el baño
Óleo sobre tela. 1,42 x 1,42 mts.

BA Photo: el arte de escribir con luz

2009-10-28T23:44:00.003-03:00

Hoy se abrió al público la 5º edición de Buenos Aires Photo, en el Palais de Glacé (Posadas 1725). El evento, organizado por la asociación Arte al Día, con el apoyo de La Nación, reúne a 32 galerías de nueve países y distintos espacios institucionales donde puede admirarse una excelente selección del arte de la fotografía.

La escritura con luz es una de las incorporaciones más recientes al mundo artístico. Aunque en sus comienzos, en el siglo XIX, parecía condenada a reemplazar la visión naturalista de la pintura renacentista, la fotografía muy pronto recorrió un camino propio y se alzó con el carácter subjetivo que ostenta hoy en día y su propio lenguaje artístico.

Así, este invento que conoció la fama de la mano de Louis Daguerre (precursor del género con sus daguerrotipos) se sigue abriendo paso en el mundo de la cultura, junto con las variaciones técnicas permitidas a través de la utilización de equipos digitales y de software de edición.

Daguerrotipo de Edgar Allan Poe en 1848, a la edad de 39 años, un año antes de su muerte.
W.S. Hartshorn, Providence, Rhode Island, November, 1848

¡No te pierdas esta oportunidad de encontrarte con el arte de la fotografía!

BA PHOTO

Del 28 de octubre al 1º de noviembre

De 13 a 21

Entradas: $20

Informes: vía mail a buenosairesphoto@artealdia.com (click aquí)

Conocé más sobre la feria BA Photo y sus actividades haciendo click en leer más

Premio Petrobras 2009

"Hoy la fotografía artística (por llamarla de algún modo) dejó atrás su
función documentalista y explotó el espejo de la realidad para reemplazarlo por
miles, millones de universos estéticos".
Julio Sánchez

Este año, el sanjuanino Arturo Aguiar se adjudicó los 14 mil pesos del primer premio por su obra Siempre es otro el que muere. Aguiar había sido finalista del concurso en absolutamente todas las ediciones anteriores. El segundo premio, de seis mil, lo recibió el mendocino Cayetano Arcidiácono por la obra Federico y sus maderas. Además, el jurado decidió entregarle una mención especial a Sergio Fasola por su obra El Tigre.

Arturo Aguiar

Título: Siempre es otro el que muere

Técnica: Fotografía color, toma directa de acción.

Dimensión 100 x 150

Sergio Fasola

Título: El tigre

Técnica: Fotografía digital manipulada

Cayetano Arcidiácono
Título: Federico y sus maderas.

Técnica: Fotografía digital.

Espacio Patio Bullrich.
Muestra Esteban Pastorino

Simultáneamente a la presentación en el Palais de Glacé, el shopping Patio Bullrich expodrá la obra del fotógrafo Pastorino, que se destaca principalmente por el desarrollo técnico en el campo de la fotografía, ya sea construyendo sus propias cámaras o utilizando técnicas antiguas de impresión.

En esta oportunidad, se ofrece un recorrido por 12 años de producción en el trabajo sobre el género paisaje, y más específicamente los bosques. La muestra no sólo es un recorrido visual por diferentes bosques, sino también por diferentes técnicas que el autor ha abordado en su carrera: desde el blanco y negro a fotografías estereoscópicas, pasando por panorámicas tomadas con diversas cámaras de su propia construcción.

200 años de arte argentino

Anticipándose a la llegada del Bicentenario y a partir de una idea del artista Guido Indij, los organizadores de la exposición decidieron plantearse cuánto son 200 años en el término de una vida humana. La respuesta que encontraron: de lo más original.

"Nos hemos dispuesto a averiguarlo a través de una sesión fotográfica de estudio con destacados exponentes del arte argentino reunidos en grupos heterogéneos que suman, cada uno de ellos, 200 años."

¿Querés conocer algunos de los "grupos Bicentenarios"?

Rogelio Polesello, Marcos López, Augusto Zanella y Esteban Pastorino

Guillermo Gonzalez Taboada, Jacobo Fiterman y Hernán Dompé

Juan Doffo, Ana María Battistozzi, Rodrigo Alonso y Daniel Abate

Berlín, ciudad invitada

A pocos días de cumplirse el vigésimo aniversario de la caída del Muro, se le ofrece a los visitantes conocer una impactante muestra de fotografía contemporánea alemana curada por Matthias Harder, de la prestigiosa Fundación Helmut Newton de Berlín. En ella se presenta la mirada de diez artistas que ponen foco en los habitantes y los espacios berlinenses, desde una óptica cultural y creativa.

Foto- galería de arte urbano

2009-10-25T02:20:00.041-03:00

Esta obra pertenece al grupo artístico Triángulo dorado

Fotos: Natalie Rodgers

En la primera entrega de Arte Urbano, te contamos algunos sucesos históricos relacionados a esta expresión creativa durante las últimas décadas. Es preciso señalar que si bien su nacimiento se configura en el país como respuesta a profundos conflictos sociales, el alto impacto de este fenómeno ha generado que muchas marcas adopten el estilo como propio para hacer marketing, a lo que muchos graffiteros se resisten. Y a su vez, algunos han encontrado en este oficio una salida laboral.

Existen quienes se dedican a la realización de logos, a diseñar y pintar piezas únicas de ropa de vanguardia. Otros, a la animación, historietas, diseño gráfico, publicidad o juegos. Es el caso de Brook, uno de los fundadores y miembros de B2, una banda de artistas urbanos cuyas siglas recorren diversos sitios de la ciudad de Buenos Aires. Brook cuenta que ha trabajado para Canal 7, Canal 9, Fox Sport y para las zapatillas Converse.

Por su lado, el artista argentino Federico Gonzáles (hacé click aquí para conocer su blog) intervino prendas de PUMA, y creó un juguete, conocido como toy handmade, llamado Bugo. También realiza muestras en el interior y exterior del país. A nivel internacional, la reconocida línea de cosmética estadounidense MAC ha integrado en su equipo de trabajo a la famosa graffitera de seudónimo Fafi. Fafi pasó de pintar figuras femeninas liberadas en el total anonimato a ser convocada por marcas como Adidas, Colette, Sony y más, a pintar de forma oficial paredes de Japón y algunos sitios de Europa, y hasta a lanzar una línea de muñequitas de acción con propios personajes.

Como ellos, hay múltiples ejemplos. Algo meritorio que se rescata de estos artistas que traspasan la línea de la oscuridad, y hacen de esta expresión su sustento, es que muchos, en su tiempo libre, siguen pintando las paredes urbanas al igual que lo hacían en sus primeros días. Sólo a cambio de expresar una idea, de dejar un mensaje, de SER PARTE.

En el resto del post, la foto- galería prometida, con una selección de graffitis y pinturas urbanas que vale la pena mirar con atención. Todas las fotografías pueden ampliarse para apreciarse mejor.

En sub- estación de tren Mitre, Sanchez de Bustamante y Bartolomé Mitre

Un edificio abandonado transformado en un espacio artístico

Un paisaje campestre en pleno hábitat urbano

Caben todo tipo de interpretaciones...

El pié de las vías del tren a pura expresión

Arte por personas sin techo en Billinghurst al 100

Un puente de tren, mejorado a todo color

La firma

Sueños, deseos y sentimientos de los artistas

Mansilla al 3400

Personaje de animé

Doug, el dibujito animado

Ampliando el espectro, retratando personajes en Sanchez de Bustamante y Guemes

Mensajes en las paredes urbanas

.

Como no podía ser de otra manera.... Hell's Bells!!!!

2009-10-22T10:28:00.007-03:00

A Partir de hoy- se confirmó ayer el tercer espectáculo - están a la venta las entradas para los shows que dará en Argentina, la legendaria banda de Rock and Roll australiana, AC/DC. Serán tres recitales en el Estadio de River Plate los días 2, 4 y 6 de diciembre en el marco de la gira “Black Ice World Tour” . Aquí un poco de información para los amantes del buen rock and roll.

Menores

Solo abonan entrada desde los 3 años cumplidos.

DISCAPACITADOS

Una hora antes de la apertura de puertas, se repartirán en la boletería del Estadio Obras (Av. Del Libertador 7395) un cupo limitado de entradas sin cargo sólo para discapacitados, los acompañantes deberán abonar el 100% del valor del ticket.Una vez que se agotado ese cupo, los discapacitados pagarán solo el 50% del valor del ticket y los acompañantes el 100%.Los discapacitados deberán presentarse con el certificado de discapacidad y D.N.I.

Cantidad máxima de entradas: 4 por persona

General: $100 + $15*
Platea Alta: $150 + $25*
Campo: $220 + $30*
Platea: $300 + $45*
Platea Preferencial: $380 + $60*(*) Al valor de cada entrada se suma el costo del servicio Ticketek.

Arte urbano en las calles de Buenos Aires

2009-10-22T02:26:00.038-03:00

Foto: Stencil Revolution.Imágen creada por el grupo Buenos Aires Stencil tras que Estados Unidos invadiera Afganistán.

El Arte callejero, también conocido como Street art, es un fenómeno que ha aparecido como un movimiento contestatario a conflictos sociales y que con el tiempo ha sido tomado tanto por grandes artistas como por anónimos y aficionados. De este modo, se ha configurado como un ente que vino a democratizar la expresión artística para lograr que puedan ser parte de ella los más diversos sectores, desde su creación hasta su observación.

El arte, paulatinamente, dejó de ser reservado para pocos y enmarcado únicamente en galerías elitistas. Se abrió un camino para que cualquiera pueda hacerle llegar al transeúnte común un mensaje o hacerle conocer una forma de arte creativo y alternativo al convencional, como alimento para el potencial expresivo del imaginario popular.

En el resto del post, el recorrido atravesado por el arte callejero para convertirse en un herramienta social y cultural más en Buenos Aires, y exponentes destacados a nivel local y mundial. Te brindamos los links para que los conozcas mejor y también una dirección web para que incursiones en tu propia técnica.

Se trata de un desafiante espacio en blanco, capaz de ser conquistado por todo aquel que se atreva a seducirlo, pero siempre a oscuras, fuera del marco legal por constituir una contravención al Código de Convivencia de la Ciudad de Buenos Aires.

Sin embargo, según BBC, los integrantes de bandas de arte callejero conocidas como Buenos Aires Stencil y Run Don't Walk aseguran que no sufren inconvenientes con la Policía: "La Policía no hace nada. Ya sabemos qué paredes se pueden pintar y cuáles no. Nos preguntan quién nos manda, qué significan los dibujos, pero nada más. Hacen la vista gorda".

Señalan que es bueno que la gente pueda salir y expresarse en la calle como respuesta a la sobreinformación y publicidad vacía que existe y que nadie elige ver.

Un poco de historia

El 3 de noviembre de 1968, bajo el gobierno de facto de Juan Carlos Onganía, un grupo de artistas exhibió la muestra conocida como "Tucumán arde" en el local de la Confederación General del Trabajo (CGT) de los Argentinos de Rosario, a metros de la Jefatura de Policía y del Comando del Ejéricto. Para lograr exponerla, se la publicitó engañosamente con el nombre "Primera bienal de arte de vanguardia", mientras en realidad de una muestra de alto contenido político. Denunciaba la grave situación que estaba atravesando la provincia de Tucumán, y con críticas al régimen militar de forma explícita.

Uno de los ejes centrales de denuncia giraba en torno al despido masivo de trabajadores en Tucumán tras una falsa campaña que había emitido el gobierno de facto que decía que iba a indistrializar la provincia para en realidad cerrar ingenios azucareros que conformaban el motor productivo del lugar. Se expusieron fotografías, carteles, cortometrajes y grabaciones con testimonios de los trabajadores, noticias relacionadas al cierre de ingenios, y más.

Al ingresar a la muestra, había que pisar el nombre de los dueños de las azucareras, y en alusión a ellos se servía café sin azucar. Además, cada 30 segundos se apagaban las luces en referencia a que en ese mismo instante se podía estar muriendo una persona en Tucumán nada más ni nada menos que por hambre.

Semanas más tardes se volvió a exhibir la exposición, pero esta vez los artistas decidieron levantarla por recibir amenazas policiales de cerrar la sede central de la entidad gremial. En este contexto, se realizaron pintadas con aerosol por las paredes de las calles con el lema "Tucumán arde". El fin era generar conciencia sobre la situación en la provincia.

Foto: Encuentro

Otro hito histórico de arte callejero en Argentina fue el "Siluetazo" de 1983. Con el regreso de la democracia, una pintada de siluetas de detenidos- desparecidos amaneció en la Plaza de Mayo de la ciudad de Buenos Aires.

A partir de entonces, los graffitis urbanos se tornaron cada vez más comunes. Y el fenómeno se profundizó tras la crisis económica- social de 2001, con el fin del gobierno de De La Rúa, de la convertibilidad, con el corralito y los millones de argentinos que se quedaron sin trabajo y debajo del índice de pobreza.

Esta inyección de las más diversas sensaciones generó una expansión incesante del arte callejero. Comenzaron a ser cada vez más visibles los graffitis a modo de protesta, y también los dibujos, pinturas, posters, murales y, entre otros, el Stencil, una técnica de grabado por repetición que es estampable.

El Street art se fue profesionalizando y empezó a estar cada vez más ligado con su entorno, un comic de contenido político no tendría el mismo significado acaso en la pared de un callejón que en algún epicentro político. Los mensajes, en muchos casos, se tranformaron en emblemas dirigidos.

Transucurrido el tiempo, el arte callejero dejó de ser una expresión únicamente contestataria y comenzaron a aparecer también creaciones a modo de comics, decorativas o, simplemente, como arte por sé. A gusto y piacere del autor y con los más diversos estilos.

Este fenómeno tiene especial incidencia en ciudades como Berlín, San Pablo, Barcelona, Londres, Toronto, Nueva Yorky Buenos Aires y, además, está cada vez más globalizado. En Tucumán Arde se proclamaba: "Arte es todo lo que moviliza y agita. Arte es lo que niega radicalmente este modo de vida. Hagamos algo para cambiarlo".

Hoy en día, todo tipo de pintadas conviven con las calles y habitantes de Buenos Aires, como un ente más de la ciudad. Ahora sólo falta una regulación con el fin de que estén contempladas en el marco legal, con posibles restricciones para respetar ciertos espacios públicos, pero en definitiva, para que este arte ya no se de sólamente a oscuras y se transforme en una verdadera expresión popular.

Si querés conocer algunas de las obras callejeras porteñas, no te pierdas la próxima nota de Arte urbano, con una galería de fotos de Street Art creado en Buenos Aires.

Links interesantes

Movimientos de Arte callejero en Buenos Aires

- Holliwood in camboya, exposición ubicada en el barrio de palermo que se dedica exclusivamente a difundir el arte callejero. Ingresá aquí para saber más.

- Grupo de Street art conocido como Buenos Aires Stencil o también como NN, GG y Roux. Se formó en 2002 luego de la crisis de 2001. Hacé click aquí para conocerlos.

- Colectivo urbano Run Don't Walk (algo así como "corré, no camines").

- Incursioná en el arte callejero y empezá a experimentar por tu cuenta. Acá un link para que des los primeros pasos. Recordá que los aerosoles son grandes contaminantes, buscá materiales adecuados para que tu libre expresión no perjudique al medio ambiente y la salud de los traseúntes.

Artistas urbanos en el mundo

- El inglés Banksy es uno de los máximos exponentes.Ver www.banksy.co.uk.

- Frank Shepard Fairey, OBEY, estadounidense, uno de los primeros artistas de graffiti que incursionó en la técncia de pegatina como intervención en el espacio público de finales del siglo XX.

- Campaña española VotaDier.

Una comedia del amor y sus excesos

2009-10-15T12:52:00.011-03:00

Como se había prometido, finalmente llegó nuestro comentario sobre Caperucita (un espectáculo feroz), el último trabajo del director y dramaturgo Javier Daulte y que estrenó hace poco más de un mes en el Multiteatro.

Bastante se ha comentado sobre esta obra en suplementos de distintos diarios y en portales de Internet: que tiene mecanismos teatrales efectivos, que es quizás uno de los trabajos peor recibidos de Daulte, pero que posee un gran desempeño actoral, etc.
No obstante, así como fue expresado en nuestro primer post, una de las intenciones de Arte en Calzoncillos es ofrecer una mirada "menos mentirosa y más pura". Es decir, más sincera. Y eso es lo que nos proponemos hacer.

Clickeá en Leer Más... para ver el comentario de Caperucita

Silvia (Valeria Bertuccelli) atraviesa con angustia el deterioro de la salud de su abuela Eloísa (Verónica Llinás), mientras su mamá Cora (Alejandra Flechner) busca maneras de escapar de la falta de amor en su hogar por parte de las otras dos mujeres. Y así como en el clásico, no puede faltar la presencia de un lobo feroz, Víctor, un hombre mayor (Héctor Díaz) que se ha enamorado
locamente de la joven, pero ella no podrá dedicarle su atención hasta que su abuela mejore, por lo que él decide ocupar el lugar de su objeto de afecto.

La trama del cuento infantil sirve así como disparador para generar una historia de un alcance realmente universal, con la que más de un espectador puede llegar a sentir algún vínculo que lo identifique con algún personaje o situación. A pesar de este "elogio", uno puede perder ese vínculo de una manera tan repentina como con la que lo adquirió. Y es que la irrupción del lobo contribuye a fragmentar un mundo muy bien habitado por las tres actrices y que podría incluso prescindir de él. En la historia, el personaje de Víctor se dedica al mentalismo y reduce a la nieta y su abuela con sus habilidades, un mecanismo teatral que sirve de excusa para explorar el caudal imaginario y expresivo de Bertuccelli y Llinás. Él es, entonces, el elegido para dar esos reconocibles colores que caracterizan algunos trabajos de Daulte como ¿Estás Ahí? o Nunca
estuviste tan adorable.

A diferencia de muchos espectáculos del circuito comercial, en Caperucita se utilizan de manera elogiable los recursos escenográficos de Alicia Leloutre y aportan mucho dinamismo y atractivo a la puesta en escena. El escenario se alterna constantemente en la habitación del hospital donde reposa Eloísa y en la casa donde ahora viven Silvia y Cora, y a veces se transforma en ambas. Los cambios del espacio no agotan al espectador y resultan ser los justos y necesarios. La música es muchas veces efectiva pero, en otras oportunidades, desconcertante y confabula para distraer al espectador.

Sin dudas y como muchos han expresado, lo más elogiable de la obra son las caracterizaciones logradas por cuatro excelentes actores que atraviesan diversos estados durante hora y media. Flechner brinda a su madre unos matices que a veces son realmente despreciables y fascinan porque logran ser eso: muy reales. Bertuccelli es la encargada de atravesar por la mayor cantidad de estados y subpersonalidades a lo largo de la narración (de joven adulta a niña y adolescente y del amor desinteresado al enojo desatado). A pesar de que se desgasta progresivamente debido a su exposición, se luce con su simpleza y sinceridad.

Un párrafo aparte se merecen Héctor Díaz y Verónica Llinás con sus interpretaciones de lobo y abuela respectivamente. El amor lleno de locura y obsesión pero también de humor que él profesa logra emocionar al público. De ella, sólo puede mencionarse que es fascinante verla moverse y expresarse en escena. Decir demasiado sería un desperdicio. Para concluir, la escena final, donde deberá interpretarse a ella misma tras ser devorada por el lobo, es maravillosa.

Caperucita se reduce entonces a lo que promociona: "una comedia del amor y sus excesos". Sirve como una sencilla pero muy efectiva forma de expresar la ferocidad que se adueña de las personas cuando aman demasiado y cómo puede afectar a quienes los rodean.

Caperucita (Un espectáculo feroz) seguirá en el Multiteatro (Corrientes 1283) con localidades a 50 pesos hasta el 15 de diciembre los miércoles, jueves y viernes a las 21 hs., los sábados a las 22 y los domingos a las 20 hs.

¿Vamos al cine?

2009-10-15T00:04:00.006-03:00

Ya sabemos que en las salas comerciales estrenan esta semana películas como Bienvenidos al país de la locura, Waz y La sociedad de la nieve. Pero, además, hay un montón de alternativas originales para los que están buscando otra cosa. ¿Querés conocerlas?

Ciclos de cine del Museo de Cine Pablo Ducrós Hicken

Proyectando la historia: el siglo XX visto por el cine
El triunfo de la voluntad (Leni Reifenstahl, 1933).
Documental que registra a Adolf Hitler, Hermann Göring y otros líderes nazis.

Sábado 17, a las 18, en la Sociedad Luz (Suárez 1301, esq. Ruy Díaz de Guzmán)
Entrada libre y gratuita.

Preestrenos de octubre
Presentan tres películas premiadas internacionalmente: Bye, Bye Shanghai, Filmando a Castelao y La extranjera.
Este viernes 16, a las 20, La Extranjera (Fernando Díaz. Argentina, 2008)

Con Arnaldo André, María Laura Cali, Roly Serrano y Norma Argentina.
María es una mujer argentina de carácter taciturno y reservado que vive en Barcelona. La muerte de su abuelo, último sobreviviente de la familia, la obliga a regresar a un rincón perdido de la Argentina, Indio Muerto. Luego de un viaje interminable, María llega al campo habitado sólo por el viento persistente y las nubes de polvo que aumentan la soledad del lugar. Inesperadamente, María decide quedarse.
En el Colegio Público de Abogados de la Capital Federal (Av. Corrientes 1441).
Entrada libre y gratuita.

Centro Cultural Ricardo Rojas

El día de las películas familiares : Home Movie Day

La invitación está hecha a todos quienes tengan material en súper 8, en 8mm y en 16mm. Y ganas de que esas imágenes confinadas al ámbito individual y privado tengan una nueva razón de ser: proyectarse en una pantalla frente a un público.
Con el auge de los estudios culturales y los nuevos paradigmas historiográficos, numerosos artistas, curadores e investigadores académicos, así como también archivos, museos y coleccionistas, han manifestado un interés creciente por las formas del cine no profesional y su contribución a la cultura visual del siglo XX.

Sábado 17, de 14 a 19. Sala Batato Barea
Entrada gratuita.

Nocturna en el Rojas: Octubre oculto y de culto
Invasión, de Hugo Santiago
(Argentina, 1969. Guión: Borges y Bioy Casares)
Función aniversario a cuarenta años de su estreno. En una Buenos Aires Fantástica llamada Aquilea, los barrios serán un campo de batalla contra el Invasor. Con Lautaro Murúa, Olga Zubarry, Lito Cruz.
Viernes 16, a las 24. Sala Batato Barea.
Centro Cultural Rojas (Av. Corrientes 2038)

Si querés conocer los trailers de los estrenos comerciales, hacé click en leer más.

Bienvenidos al país de la locura

Waz

La sociedad de la nieve

Primer concurso internacional de violín en Argentina

2009-10-14T10:22:00.014-03:00

La ciudad de Buenos Aires vivirá el año próximo su primer Concurso Internacional de Violín, presidido por el prestigioso músico israelí Shlomo Mintz, quien ha impulsado su creación y que oficiará como presidente de un destacado jurado internacional. Se llevará a cabo del 11 al 21 de julio de 2010. Organizado por la Comunidad Amijai y por la Fundación YPF. Los miembros del jurado ofrecerán clases magistrales y abiertas dedicadas a violinistas en general.

JURADO:
Edgar Grach (Rusia), Itzhak Rashkovsk (Israel), Koichiro Harada (Japón), Kimiko Nakazawa (Japón) David Cerone (Estados Unidos), Enrique Barrios (México), Rafael Gintoli (Argentina), Pedro Ignacio Calderón (Argentina). Destinado a violinistas entre 15 y 30 años, la inscripción para participar del certamen comenzará el 1 de agosto de este año, obteniendo bases, reglamento y ficha en la dirección de internet http://www.violinbuenosaires.com/. Luego de la preselección de participantes, quedará un grupo de 24 finalistas que participarán en pruebas eliminatorias, semifinales y finales en conciertos abiertos al público que se desarrollarán entre el 12 y el 20 de julio, con un concierto final de los premiados el miércoles 21.Los premios serán de 15 mil, 10 mil y 5 mil dólares para el primero, segundo y tercero, respectivamente, y también habrá un premio especial para la mejor ejecución de “Pampeana Nro. 1” de Alberto Ginastera, elegida como una de las obras obligatorias para todos los intérpretes del certamen.

Disfrutá ahora del concierto para violín y orquesta en re menor, op. 47 en la versión de Shlomo Mintz:

Para agendar: Viola Spaces

2009-10-13T23:55:00.006-03:00

Obras para una, dos, tres y cuatro violas y

Viola D'Amore

El jueves 15, a las 19, Garth Knox presenta su último trabajo, Viola Spaces, en el Auditorio de la Fundación Proa. El músico irlandés es uno de los más importantes intérpretes de viola de la música contemporánea actual.

Con la participación de Mariano Malamud, Carlos Britez y Darío Legname, el programa incluye obras de Akira Nishimura, Marin Marais y Martín Bauer.

Viola Spaces fue editado por Mode Records, uno de los sellos más importantes de la música actual. El trabajo surge de la preocupación de Knox por crear un método y brindárselo a jóvenes estudiantes para el aprendizaje de las técnicas y para el descubrimiento de las posibilidades que ofrece la viola a la hora de interpretar música contemporánea.

Esta es la quinta vez que Garth Knox viene a Buenos Aires y la tercera que se presenta en la Fundación Proa. El 10 de este mes se presentó en la provincia de Corrientes y los próximos sábado 17 y domingo 18 se presentará en el Teatro Argentino de La Plata.

Entradas $10
Capacidad limitada sólo con reservas.
Reservas por mail o telefónicamente al 4104 1000

Conocé el programa completo de la presentación y más sobre Garth Knox haciendo click en Leer más

Programa:

I. Akira Nishimura "Whirl Dance" para viola solo

II. Garth Knox Viola Spaces: 1/ "Nine fingers", 2/ "One finger", 3/ "Harmonic horizon"

III. Martin Bauer "Poesia Vertical" para cuatro violas

IV. Garth Knox Viola Spaces: 4/ "In between", 5/ "Up, down, sideways, round"

intervalo

V. Garth Knox Viola Spaces: 6/ "Beside the bridge", 7/ "Ghosts", 8/ "Rapid repeat"

VI. Garth Knox "Hommage to Jack Vanarsky" for viola d'amore solo

VII. Marin Marais (arranged Garth Knox ) "Folies d'Espagne"

Viola Spaces N° 5 - Rapid Repeat

Viola Spaces N° 8 - Up, down, sideways, round

Cadillacs solidarios

2009-10-13T12:10:00.006-03:00

La banda liderada por Vicentico se presentó ayer en el Club Ciudad de Buenos Aires ante 20.000 personas en un recital a beneficio de la Fundación Tzedaká y Cáritas. También participaron Los Pericos y Los Cafres.

Pasadas las 20, Los Fabulosos Cadillacs subieron al escenario para ofrecer un show que aprovecharon para presentar su nuevo álbum que fue editado la semana pasada, “El arte de la elegancia”. Sin embargo, no faltaron los clásicos hits como Matador, Mal Bicho y Vos Sabes, entre otros.

Este recital cerró la nueva etapa de la banda que comenzó en julio del año pasado en el Planetario, pero aun se espera una sorpresa antes de que se separen nuevamente por un tiempo.

Las instalaciones del Club Ciudad fueron inspeccionadas por equipos del gobierno porteño, representantes de la productora Time For Fun y vecinos del barrio de Nuñez, quienes querían certificar la contaminación auditiva que provocan este tipo de conciertos. Según aseguró la directora de la Agencia de Control Ambiental, Graciela Gerola en La Nación, no se superó el tope de 95 decibeles debido a la colocación de paneles acústicos y una alfombra en el campo.

El nuevo corte de Los Cadillacs cuenta con ocho temas históricos de la banda en versiones renovadas, dos canciones nuevas, "Siete jinetes" y "Lanzallamas", y un cover en castellano de Curtis Mayfield, “Move on up”. Para la realización del disco colaboraron la artista plástica Marta Minujín quien realizó el arte de tapa, Adrián Castineira que aportó guitarras y Diana Albornoz que sumó su voz.

Los Cadillacs tocarán el 23 de octubre en Rosario, el 6 de noviembre en Corrientes, 14 en Neuquén, 15 en Bahía Blanca, 22 en Tucumán y 23 en Salta, y la despedida será el 1 de diciembre en México.

Hacé click en Leer Más y escuchá la nueva versión de "Contrabando de Amor".

El loco Flint, sin efectos

2009-10-08T06:31:00.007-03:00

Lo más valioso de ver una película en sala 3D debe ser, seguramente, el hecho de poder observar suficientes efectos como para no sentirse disconforme al pagar algunos pesos más. Este no es el caso de "Lluvia de hamburguesas". La nueva película de Phil Lord y Chris Miller.
El film no tiene un buen guíon ni uneje interesante, hasta sus fantasiosas e increíbles ideas terminan tornándose densas hasta para los niños más pequeños de la sala.
Como positivo, es super "pochoclera" y permite que uno se entretenga pero que al mismo tiempo se sienta disconforme con lo irrazonable de la situación...

El film en 3D no termina convirtiéndose en la super película pero sin duda se aprovecha más que en 2D .
Otro punto relativamente positivo es que mezcla diferentes situaciones y enseñanzas a lo largo del metraje de 90 minutos aproximadamente. El amor, el entusiasmo, la tristeza, el recuerdo,la búsqueda, la decepción y la rebeldía de quien todo lo quiere, son solo algunas de las emociones que vivenciará Flint Lockwood, el inventor más arriesgado de la ciudad: que no solo pondrá en peligro su vida sino también su relación con su padre y el bienestar de toda la ciudad.
Pero tras fracasar incesantemente, este joven científico deberá remediar los desastres que produjo- tan grandes que podrían afectar la capa de ozono-
En fin, el film está lo suficientemente bien pensado como para entretener a los espectadores hasta el final en cierto clima de tensión, y lo suficientemente mal armado como para no ser del todo recomendable. De todas maneras, amigos míos, hay que ver para criticar...

Si queres datos sobre quienes trabajaron en la película y algunas curiosidades, hace click aquí

Foto- galería del Bienal Internacional de Arquitectura 2009

2009-10-04T17:12:00.008-03:00

Fotos y nota por Marina Garaglia y Natalie Rodgers

Desde el sábado y hasta el 12 de octubre se puede visitar en el Centro Cultural Recoleta de Buenos Aires la exposición número 12 del Bienal Internacional de Arquitectura (BA09). Se trata de un evento que exhibe obras nacionales e internacionales: premios de diferentes concursos, esculturas de reconocidos artistas, planos, fotografías, maquetas, y un micro- cine con imágenes en movimiento sobre arquitectura, ciudad y territorio.

De entrada libre y gratuita, se destacan muestras de lujosos hoteles, aeropuertos, torres, casinos y construcciones que, se los mire por doquier, fueron construidos con fines lucrativos, en combinación con el voraz consumismo en ascenso que caracteriza a esta era. Sin embargo, coexisten dos mundos paralelos dentro de la exposición. En un rincón aparte, un tanto aislado del resto de las salas, se observan importantes obras relacionados con temáticas sociales.

En ese espacio, fotografías y planos múltiples exhiben construcciones de una madera especial para lograr una arquitectura más sostenible, estrategias para optimizar la energía y generar menor impacto ambiental, casas y edificios con altos estándares ecológicos y tipologías de viviendas para alentar la diversidad, proyectos de restauración de edificios históricos abandonados para transformarlos en hogares de asistencia social, y mucho más.

Hacé click en “Leer más” para conocer la historia de esta exposición y para acceder a la galería de fotos de las obras más destacadas que Arte en calzoncillos preparó para vos.

El Centro de Arte y Comunicación (CAYC) es la organización que está a cargo de BA09. Según se define la propia entidad, CAYC es “un foro independiente que se ocupa de trabajos creativos e intelectuales relacionados con la arquitectura, el urbanismo, la crítica y la historia del arte”. Realiza conferencias, exhibiciones y encuentros a nivel internacional, y apoya sobre todo el trabajo de los artistas jóvenes para estimular las nuevas ideas, el diálogo y el debate.

En 1984, con la vuelta de la democracia, comenzó a ser uno de los foros de comunicación más importantes de Argentina, con actividades y encuentros de expresiones artísticas en diversos sitios del mundo. Fue allí cuando nació la Bienal Internacional de Arquitectura, la primera edición se realizó en 1985.

Casino- hotel y Centro de Convenciones en Rosario, provincia de Santa Fé.

Obra "El Molino".

Edificios y torres, entre ellos el shopping del Abasto.

Maqueta de torre en Puerto Madero

Maqueta de proyecto urbano

Maqueta y fotografía de torres de Puerto Madero

Puerto de la Música Rosario

Link oficial

Bienal Internacional de Arquitectura

Para no perderse: El secreto de sus ojos

2009-10-04T13:42:00.019-03:00

La experiencia que Juan José Campanella cosechó dirigiendo más de 20 episodios de la serie policial norteamericana Law and Order (AKA La ley y el orden), entre otras, se amalgama con su innata sensibilidad para tratar cualquier temática que elija llevar a la pantalla.

El secreto de sus ojos, basada en una novela de Eduardo Sacheri, cuenta la historia del Benjamín Espósito (Ricardo Darín) y de un crimen que marcó su vida: la violación y muerte de una joven mujer. Recientemente retirado de su carrera como oficial en Tribunales, Espósito decide escribir una novela a partir de ese evento, pero para hacerlo debe enfrentarse a los fantasmas del pasado y escribir, al mismo tiempo, la historia de su vida.

La elección del elenco merece una mención aparte. Además de la pareja protagónica, a cargo de los excelentes Ricardo Darín y Soledad Villamil como Isabel Menéndez Hastings, se compone de Guillermo Francella (Sandoval) en un papel tragicómico muy diferente a lo que nos tiene acostumbrados, Pablo Rago como marido de la víctima y el español Javier Godino en el papel de Gómez. También participan del film el actor cómico José Luis Gioia, a quien sólo Campanella imaginó en el rol de policía que tan bien desempeña, Mariano Argento (más conocido en estos días como “Don Carlos”, tras su participación en la publicidad de AFIP) en un rol despreciable, y Mario Alarcón, entre otros. Un mosaico de figuras que nadie, hasta hoy, hubiera imaginado en el mismo relato, y menos en los roles que ocupan dentro de él.

En ese contexto, a nadie le sorprenden las sólidas performances de la dupla Darín-Villamil (en su reencuentro después de protagonizar junto al director El mismo amor, la misma lluvia). En cambio, la interpretación de Pablo Rago en el papel de Morales resultó ser una sorpresa para todos. Lejos quedó para el actor el pibe que compartía las noches con Carlín en Amigos son los amigos. Rago construye un personaje íntegro, sin grietas, que constituirá sin lugar a dudas un nuevo comienzo para su carrera.

Cualquiera que haya visto una obra anterior de Juan José Campanella -Luna de Avellaneda (2004), El hijo de la novia (2001), El mismo amor, la misma lluvia (1999), entre otras- reconocerá el estilo de quien demostró que pasará a la historia como uno de los grandes directores argentinos de su generación. Pero, y aquí es donde se pone interesante, se trata del mismo Campanella de siempre, pero mejor. Su crecimiento en los cinco años que pasaron desde su última producción cinematográfica se evidencia inmediatamente. Maravilla a su público con un manejo delicioso de los primeros planos (sobre todo de los diferentes ojos y de las miradas que guardan secretos), un inmejorable plano secuencia en la cancha de Huracán y una excelente dirección de fotografía.

Dueño de una habilidad especial para lograr que convivan sentimientos, Campanella lleva a sus espectadores del thriller a la comedia, de la comedia al policial, de ahí de nuevo al drama, y vuelta a empezar. Pero lo hace con tal naturalidad y tal dominio de la tensión narrativa, que sólo se percata uno de ello cuando lo comenta con alguien más.

Al final del film, no queda ningún cabo suelto. Un desarrollo narrativo impecable, gran precisión técnica y visual, e interpretaciones magníficas de todo el elenco. Sencillamente, la nueva maravilla del cine nacional.

Conocé un poco más sobre El secreto de sus ojos haciendo click en Leer más

Mirá el trailer oficial de la película

¿Sabías que fue preseleccionada para competir como Mejor Película Extranjera para la 82º competencia de los Premios Oscar?

Por último, te invitamos también a saber qué dijo Juan José Campanella sobre su propio film.

Mercedes "La Negra" Sosa 1935 - 2009

2009-10-04T08:23:00.003-03:00

A las 5.15 de la mañana del día de hoy, a los 74 años, se apagó una de las voces argentinas más famosas no sólo en América Latina, sino en todo el mundo.
Sus restos serán velados este mediodía en el Congreso de la Nación.

Teatro para Agendar: se vienen el FIBA, estrenos y reposiciones

2009-10-02T22:16:00.025-03:00

Este lunes 5 de octubre comienza finalmente la séptima edición del Festival Internacional de Buenos Aires que ofrece una programación principalmente de obras de teatro tanto locales como internacionales. Además se realizarán talleres y cursos vinculados con música y danza además de artes dramáticas, retrospectivas cinematográficas, presentaciones de libros, muestras escenográficas y encuentros para el intercambio de ideas y opiniones sobre distintas temáticas vinculadas al arte.

Algunas de las salas más importantes que participan del VII FIBA son el Teatro General San Martín, el Andamio '90, el Instituto Universitario de Arte Dramático, el Camarín de las Musas, Ciudad Cultural Konex, ElKafka Espacio y los Teatros Beckett y Del Abasto, entre otras.

Si bien las localidades para los espectáculos nacionales ya están practicamente agotadas, aún quedan varias entradas para las obras extranjeras y que se encuentran todas a un precio de 40 pesos cada una.

Para ver la programación y adquirir localidades, haga click aquí.

SE ESTRENA

Este domingo llega la obra Ya no Contagio, escrita y dirigida por Ezequiel de Almeida y que hasta el 20 de
diciembre subirá a escena todos los domingos a las 22 hs en la Castorera, Bar Y Dique Cultural (Av. Córdoba 6237).

Actúan Paula Brasca, Julia Bujman, Cumelén Sanz, Agustina Bártoli, Martín Soler y Federico Di iorio. Entradas a 25 y 18 pesos. El texto de YNC fue escrito en base a un trabajo realizado en conjunto por su autor y sus intérpretes durante casi un año y medio. A continuación, el spot.

"Los espías tienen diversas formas. Un desconocido en la calle, un programita que bajás de la red, tu babysister o tu propio celular. Siempre sonrientes y ordinarios, los espías pueden llamarse Omar, Bill, Gps, Tatiana o Plugin, incluso pueden llamarse Anti-espías. Pero si te gusta que te espíen ya no hay mucho trabajo para ellos."

VUELVE

Pepe Cibrián y Angel Mahler reestrenaron el pasado miércoles el musical Otelo en Buenos Aires luego de una exitosa gira por el resto del país. Adaptada a partir de la clásica tragedia shakespereana sobre el moro de Venecia, cuenta con las actuaciones de Juan Rodó en el papel protagónico, Georgina Frere como Desdémona, Daniel Vercelli como Casio y Diego Duarte Conde como Yago.

Con una maravillosa orquesta en vivo, estará en cartel por solamente 8 semanas de miércoles a domingo en el teatro El Nacional (Av. Corrientes 960) y las entradas van a partir de los 40 pesos.

Y SIGUE

Hasta el 11 de diciembre, continúan las funciones de Oruga (Bullying) de Alejo Beccar. La obra se centra en la problemática de la violencia escolar y principalmente la forma en que es ignorada hasta que se produce un hecho trágico y evitable.

Con un amplio elenco, sube a las tablas del teatro La Tertulia (Gallo 826) todos los viernes a las 21 y 22.30 horas con localidades a 30 pesos y, en el caso de jubilados y estudiantes que presenten credencial, a un valor de 20 pesos.

Para ver una entrevista al director y a las actrices en el noticiero Telenoche, haga click aquí. Para ver el trailer de Oruga (Bullying), pulse aquí.

Para este semana, una variedad de ofertas oficiales, alternativas y comerciales.

Un festival poco común

2009-10-01T23:51:00.007-03:00

Desde hoy, jueves 1º, y hasta el 11 de octubre, se lleva a cabo el V Festival de Cine Inusual de Buenos Aires. Para el mismo y como el nombre indica, se seleccionaron una serie de cortos y largometrajes nacionales, además de la selección internacional. La intención de este festival es la de indagar en aspectos pocos explorados de la cinematografía mundial y satisfacer los variados puntos de vista que no han encontrado ofertas interesantes en los cines más comerciales. El Jurado Oficial de largos está compuesto por Leonardo Fabio Calderón, Diego Curubeto, Silvia Peyrou y Natán Solans y el de cortometrajes por Liz Snoijink, Sergio Pángaro y Nicolás Leonardo Vetromile.

La organización está a cargo de la gente del sitio en Internet Primordiales. En sus palabras, "el criterio de selección se centra en la pluralidad temática", con segmentos que se centran en el análisis de la problemática adolescente, el cine europeo contemporáneo, las nuevas formas de la comedia americana y el documental como 'géneros de entretenimiento masivo', la renovación de la producción coreana y la visión del fenómeno del rock y el blues en distintos estadíos evolutivos.

Las salas donde se exhibirán las películas son el Complejo Tita Merello (Suipacha 442), el ENERC (Moreno 1199 esquina Salta) y el Centro Cultural Borges (Viamonte esquina San Martín).

El catálogo completo del festival se puede ver aquí.

De los 100 barrios porteños a toda la humanidad

2009-10-01T15:16:00.004-03:00

Desde ayer, el tango forma parte del Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad. La decisión se tomó en la cuarta reunión de expertos del Comité Intergubernamental de la UNESCO que se realiza en los Emiratos Arabes.
El ministro de Cultura porteño, Hernán Lombardi, destacó: "Esta proclamación singnifica un reconocimiento y a la vez un compromiso para seguir fomentando la difusión del tango en sus diferentes estilos y estimulando la producción a través de concursos de música, canto, baile y poesía".

Para festejar, y sólo un mes después de la culminación del Mundial de Tango, la Ciudad de Buenos Aires propuso dos buenas ideas para disfrutar al 2X4:

La actuación de la Orquesta de Tango en la ciudad

y la XVII edición del Certamen de Tango Hugo del Carril, orientado a artistas no profesionalizados en las categorías de canto, composición, danza y conjuntos instrumentales.

La yapa

La Escuela Argentina de Teatro Ciego abre su taller Tango a ciegas, los miércoles de 19 a 21. El objetivo es lograr fusionar las técnicas utilizadas para dictar clases de danza a no videntes adaptándolas a la oscuridad, de forma tal que constituya un medio de aprendizaje para bailarines videntes y no videntes. Las clases se estructuran en 4 partes: Reconocimiento y adaptación, soltura y relajación, técnica, y paso de tango específico.

Inscribite acá

El arte de la nueva era en el Palais de Glace

2009-10-01T13:27:00.002-03:00

Por Marina Garaglia y Natalie Rodgers

Esta semana Arte en Calzoncillos hizo una recorrida por diferentes museos de la ciudad de Buenos Aires. Uno de los sitios más destacados fue la edición número 98 del Salón Nacional de Artes Visuales 2009, en el Palais de Glace, ubicado en Posadas 1725. Se exponen allí las obras premiadas de este concurso, el cual se ha convertido en el certamen más importante de artes plásticas de todo el país.

Con entrada libre y gratuita, al visitar la muestra se pueden contemplar desde esculturas y pinturas, hasta obras interactivas con componentes multimedia. Una diversidad de formas, texturas y estilos que reflejan y transmiten un arte evolucionado y lleno de paradigmas. Participaron en él más de 1800 artistas, y 64 de ellos recibieron premios y menciones.

Hacé click en “Leer más” y conocé más detalles sobre las obras, testimonios de visitantes de diferentes partes del mundo, y fotos de los premios destacados. .

La actividad de los artistas se divide en ocho categorías: arte cerámico, arte textil, dibujo, escultura, fotografía, grabado, nuevos soportes e instalaciones y pintura. Las obras premiadas con carácter de adquisición se suman al patrimonio de la Secretaría de Cultura de la Nación.

El Salón se realiza anualmente desde 1911 con el fin de promover la cultura y la formación de artistas y espectadores. El director del Palais de Glace, Oscar Smoje, explicó a MinutoUno que este espacio se convirtió en un lugar de referencia, de consagración y de legitimación. Además, en referencia al Bicentenario aseguró: “es una de las piezas fundamentales del Estado en la promoción de la producción artística a lo largo de todo el país”.

En los últimos años las disciplinas Fotografía y Nuevos Soportes e Instalaciones han mostrado un constante crecimiento en cuanto a la participación de artista y a la implementación de soportes digitales para la investigación.

Los visitantes de la muestra son de las más variadas edades y orígenes. Europeos, latinoamericanos y asiáticos. Desde parejas jóvenes buscando un poco de ocio, hasta parejas mayores contemplando el arte por sé, y artistas jóvenes en busca de conocer las nuevas tendencias.

“Es una muestras que expone los nuevos movimientos artísticos. A uno lo nutre mucho conocer las técnicas nuevas, cuáles son los nuevos emergentes, los criterios de selección de los jurados de hoy, y todos los contrastes que se presentan en este tipo de sitios”, aseguró Catalina, una artista que trabaja con cerámica.

“Lo primero que siento es que estamos frente a cosas muy siniestras, oscuras y un tanto indefinibles. Me parece que tiene que ver con lo que estamos pasando en el país”, indicó una porteña de unos 60 años que aseguró que asiste al evento todos los años. “Veo unas obras muy sui generi, muy alocadas”, expresó un visitante ecuatoriano.

Existían distintas perspectivas sobre la muestra, pero en lo que la mayoría de los visitantes coincidía era en la importancia de la realización de eventos de esta índole en los cuales se reflejara un arte libre y nacional. Inaugurado el 26 de septiembre, el Salón se puede visitar hasta el 18 de octubre, de martes a viernes de 12 a 20 y sábados y domingos de 10 a 20.

Ingresá Aquí para contactar al Salón Nacional vía Facebook, y conocer los nombres del jurado y los premiados de todas las disciplinas.

ARTE CERÁMICO

Gran Premio Adquisición: Dora Isdatne

ARTE TEXTIL

Gran Premio Adquisición: Susana Dragotta

DIBUJO

Gran Premio Adquisición: Pablo Páez Riva

ESCULTURA

Gran Premio Adquisición: Oscar José Stáffora

FOTOGRAFÍA

Gran Premio Adquisición: Adriana Lestido

PINTURA

Gran Premio Adquisición: Jorge Horacio Pirozzi

¿Qué pasó con Radio Amadeus?

2009-09-30T13:35:00.018-03:00

Desde marzo del año 2004 y hasta el 14 de agosto de 2009, existió uno de los mayores proyectos culturales que ha conocido la radiofonía de nuestro país: Amadeus 103.7. Una emisora que entre sus muchos objetivos se planteó la filosofía de que la música académica, clásica o como cada quien prefiera llamarla, no es un arte destinado a los entendidos o a las elites, sino a cualquier persona que esté dispuesta a disfrutar de ella. Esta fue una emisora que realizó conciertos abiertos y gratuitos multitudinarios, donde se demostró que la música puede ser el elemento común de diferentes pensamientos, ideologías, edades, creencias y sociedades.

Hicieron desaparecer un proyecto que perduró sesenta y cuatro meses; impecable desde la redacción, diseño y diagramación del número de sesenta ejemplares de la Revista de Amadeus, produciendo las Salas de exhibiciones temporarias de Amadeus, redactando las Viñetas y Dos Palabras que leyeron Pancho Ibañez y Martin Wullich, dos profesionales de primerísimo orden, cargando los contenidos de textos, imágenes, audios y videos que integraron la página web de la emisora, visitada por miles de oyentes no sólo de nuestro país, sino también de los lugares más insospechados del planeta, que escuchaban la transmisión on-line de la radio. Desapareció una radio que además poseía una agenda de conciertos que permaneció siempre a la altura de las exigencias. Muchísimas personas reconocieron el valor de este trabajo mancomunado, que dirigió Santiago Chotsourian, y en el cual también participaron enormes profesionales como Fernando Pereyra, Carlos Culotta, Roberto Clemares y un grupo de locutores y asistentes. Esto ha sido la incomprensible despedida de algo que supuso la puesta en juego de una gran pasión. Otra emisora, Radio Cultura, ha adquirido el derecho de uso de la marca Amadeus, así como también la discoteca de la emisora. Pero existe un detalle, esta radio se encuentra en una zona del dial donde hay miles de señales, lo cual garantiza la casi total imposibilidad de sintonizarla, sin mencionar la ausencia de contenido que la caracteriza.
Amadeus 103.7 fue uno de los proyectos más ambiciosos y reconfortantes que ha ocurrido. Gracias a todos los que hicieron posible la existencia y sostenimiento de esta radio, que hoy pasa a formar parte, en un lugar muy destacado, de la historia de la radiofonía argentina.

Agenda musical calzoncillera

2009-09-29T21:38:00.006-03:00

Fin de semana a puro rock

El próximo viernes 2 y sábado 3 de octubre se presentarán en la ciudad de Buenos Aires bandas ya consagradas y del under local. En la grilla del viernes figuran: Resistencia Suburbana junto a Rolo & los Fackin Adictos a las 20 horas en Mystique, HIJOS DEL OESTE en Cerveza Club a las 20 horas, EPÍLOGO en La Panadería a las 21 horas, LOS AUTENTICOS DECADENTES con la participación especial de JORGE SERRANO en LA TRASTIENDA CLUB a las 22 horas, entre otros. Además,la grilla del sábado la completan: GUASONES en Museo Rock a la 1.00 de la madrugada, Renacimiento Suburbano en Parque Avellaneda a las 15.30, COLA DE PATO a las 21 horas en el Teatro Colegiales y el grupo español SKA-P en el Auditorio Miguel Ríos a las 21 Horas.

Hace mucho tiempo que te quiero: añejado en roble

2009-09-29T03:56:00.007-03:00

Una película que admirarán unos pocos

Como todo film francés, la lentitud es su fuerte, pero poco a poco esa larga espera sugestiva valdrá la pena. Juliette -Kristin Scott Thomas- vive su propia historia de terror. No es solo el dolor propio sino también el de quienes la rodean y el dolor que el pasado no le permite sanar. Ella mató a su propio hijo.
Pero tal como lo supo hacer Truman Capote en “A sangre fría” este film propone humanizar a la asesina y demostrar que la verdad no siempre es la verdad. Y aunque lo fuera, hay un mundo de emociones que de alguna u otra manera siempre influyen.

Philippe Claudel debutó como escritor y guionista con este film que no es el adecuado para aquellos espectadores de llanto fácil… por el contrario insinúa respuestas que solo responden a las preguntas que se harán los espectadores que se interesen en un drama que se mantiene a lo largo de las casi dos horas de metraje, jugando con las palabras y los silencios de los personajes, construidos con variados y abundantes matices.
Hacia el final, una revelación impensada colma el film, neutralizando las pinceladas de misterio y ciertas gotas de sugestión, (que se mantienen durante todo el largometraje). Hace mucho que te quiero termina desembocando en una explicación que termina siendo quizás, alevosamente reiterativa.

El regreso de Charly García

2009-09-23T22:33:00.005-03:00

El músico se presentará esta noche en el Estadio Monumental de Lima, es el primer recital de la gira Latinoamericana luego del tratamiento por consumo de drogas y alcohol.

El show contará con una buena escenografía y producción audiovisual. Cantará alrededor de 30 temas nuevos y algunos clásicos pero será algo nuevo para que se sienta el cambio según aseguró Charly.

“Traté de hacerla no obvia y no tocar las que canté en el último tiempo. Fue juntarnos a que me fluyeran las canciones y las que tenían que ver algo conmigo ahora tuvieron preponderancia, hay mucho de autobiografía”, reveló ante la prensa peruana.

El músico se mostró entusiasmado por el regreso y prometió que se iba a “volar la cabeza”. También explicó que eligió Perú para comenzar con la gira ya que tiene gratos recuerdos y una empatía con el público de ese país.

Luego de presentarse en Lima, la gira continuará por Chile y Colombia y finalizará en el Estadio Vélez Sárfield el 23 de octubre, día en el que el músico cumplirá 58 años.

Por su parte, Charly fue nombrado socio honorario de la Asociación Peruana de Autores y Compositores (Apdayc) en un acto donde estuvieron presentes los músicos de su banda, los directivos de la Asociación Armando Masse y Julio Andrade, y el embajador argentino en Perú, Darío Alessandro. Es el primer músico argentino en recibir esta distinción.

El pogo más grande

2009-09-23T18:35:00.004-03:00

El pasado sábado 19 de septiembre más de 30.000 personas disfrutaron de lo que para muchos fue el recital del año. En su única presentación en el 2009, El Indio Solari desbordó Salta y llevó a cabo un show impresionante en el Estadio Padre Martiarena.

Los primeros acordes sonaron pasadas las 21.30. La gente no paro de saltar y cantar en los 26 temas interpretados por el ex líder de Los Redonditos de Ricota junto a su banda Los Fundamentalistas del Aire Acondicionado.

“La piba del Blockbuster”, “To Beef or not to beef”, “Martinis y Tafiroles” y “El tesoro de los inocentes” fueron algunos de los temas que toco de su carrera solista. También sonaron los clásicos ricoteros como “Todo un palo”, Un ángel para tu soledad” y el clásico final con “Jijiji”.

La puesta en escena fue impecable, juego de luces y efectos multicolores, una pantalla gigante y un sonido perfecto como suele ser en los recitales de El Indio.

Jóvenes, grandes y hasta familias llegaron de distintos puntos del país para vivir la gran “Fiesta Ricotera”. Los alojamientos y camping de la provincia estaban prácticamente colmados.

Crítica y trailer del filme 24 hour party people

2009-09-23T16:56:00.025-03:00

Foto: My Broadway video

24 hour party people suele ser identificada popularmente con sexo y droga. Si bien es cierto que éstos no escasean a lo largo de la película, se transforman sólo en picantes detalles a la hora de resaltar el verdadero sentido de la trama narrada: el movimiento musical que vivió Manchester entre el 76´ y principios del 90.

La elección de la conjugación de “narrar” no fue azarosa en el párrafo anterior. Sucede que Tony Wilson es el personaje que protagoniza la historia, pero también quien la cuenta a cámara como si no fuera parte ella. Le otorga así al filme un género propio que sobrepasa al drama y también al documental.

Esto se convierte en juego y se suma como uno más de los tantos condimentos que entretienen a los espectadores que acaso no sienten admiración por la música de esta historia. Brilla así el modo irónico usual de hablar de Tony, su soberbia y la expresión de “qué me importa” que lleva siempre grabada en la frente. Todo esto combinado de forma exquisita con la contradicción que representa su marcada indiferencia por enriquecerse con su negocio, y en pos de mantener en alto valores y proridades no propias de su tipo.

¡Hacé click en “Leer más”, y conocé más detalles sobre el filme y un trailer imperdible!

Salvo en el episodio que prosigue al suicidio de Ian curtis, el líder de Joy Division, podían envenenar palomas frente a los ojos de Tony Wilson, o hacerle una broma apuntándole con una pistola en la cabeza, que el no cambiaría su expresión de tranquilidad en el rostro.

El protagonista representaba a un periodista, convertido en empresario, que creó el sello discográfico Factory. Realizaba recitales en la discoteca La Hacienda, de dónde luego nacieron bandas como Joy Division, New Order y los Happy Mondays. A Tony Wilson y las bandas que respondían a su empresa sólo los unía un contrato, uno que estaba escrito a sangre e indicaba: “Los artistas son propietarios de sus obras. El sello no es dueño de nada. Nuestras bandas tienen la libertad de irse al carajo”. En síntesis, era un contrato que explicitaba que no existía tal.

De este modo, este hombre ambicioso interpretado por el actor Steve Coogan era un empresario diferente a la media: su volante no era el dinero, sino su “exceso de civismo”, tal cual el mismo relata en el film. Su amor a Manchester y a la música eran su única guía en este camino que comenzó con el punk y terminó con el acid house a principios del 90, cuando no tuvo más opción que cerrar su gran “negocio”.

Era un negocio que no le traía ganancias importantes y que podría habérselas brindado de no ser por haberse mantenido al margen de la venta de estupefacientes en La Hacienda. Los narcotraficantes eran los que se llevaban los billetes fuertes y a su vez los que lo llenaban de problemas. Pero el se sentía honrado por la movida que se generaba en la discoteca, por la gente “genial” que allí se reunía.

Su meta: construir leyendas, hitos históricos, como se hizo en el inicio de la película en un recital de Sex Pistols , presenciado por sólo 40 personas, pero que se convirtió en un emblema del punk para millones de fanáticos hasta el día de hoy.

“En la última cena sólo habían 12 personas”, “Me protegí incluso de tener que pasar por el dilema de venderme quedándome sin nada que vender”, son algunas de las frases que delatan los principios que había detrás de la personalidad de Wilson.

Aún luego de cerrar la Factory, este hombre tenía una sonrisa en su rostro. Y no porque luego de unos años realizaría un nuevo intento en el sello ya que aún no lo sabía, sino porque había hecho historia: el movimiento de Manchester marcó un antes y un después en la música, y esta película dirigida por Michael Winterbottom, nominada para la Palma de Oro en el Festival de Cine de Cannes,se encarga de reflejarlo con gran ingenio y perspicacia.

¿Vamos al cine?

2009-09-23T13:03:00.016-03:00

Llegan los jueves, llegan los estrenos a los cines porteños. Además de la cartelera de las salas comerciales, que incluye films como Homero Manzi, del argentino Eduardo Spagnuolo; La huérfana, de Jaume Collet-Serra, y Te amaré por siempre, de Robert Schwentke, existen alternativas para los que, siempre o tan sólo esta semana, eligen ver algo diferente.

Arteplex
Belgrano: Av. Cabildo 2829. Tel: 4781-6500
Caballito: Av. Rivadavia 5050. Tel: 4902-5682
Centro: Diegonal Norte 1150. Tel: 4382-7934
Del Parque: Cuenca 3035. Tel: 4505-8074

Bastardos sin gloria, de Quentin Tarantino
En el primer año de la ocupación alemana de Francia, Shosanna Dreyfus (Melanie Laurent) testimonia la ejecución de su familia en manos del Coronel nazi Hans Landa (Christoph Waltz). Shosanna escapa y huye a París donde se forja una nueva identidad como propietaria y operadora de un cine.

En el resto de Europa, el teniente Aldo Raine (Brad Pitt) organiza un grupo de soldados americanos judíos para llevar a cabo con rapidez chocantes actos de venganza. Más tarde conocidos por sus enemigos como “los bastardos”, el escuadrón de Raine se une a la actriz alemana y agente encubierta Bridget von Hammersmark (Diane Kruger) en una misión para derrotar a los líderes del Tercer Reich. Los destinos convergen en virtud de un cine Marqués, donde Shosanna está lista para llevar a cabo un plan de venganza propio.

El papa de Giovanna, de Pupi Avati

Bolonia, 1938. Michele Casali (Silvio Orlando) tiene un grave problema: su única hija, Giovanna (Alba Rohrwacher), acaba de matar a su mejor amiga en un ataque de celos. Se estima que la chica, todavía adolescente, sufre de enajenación mental y es internada en un hospital psiquiátrico. Durante el tiempo que pasa en un aislamiento casi total, la única persona que cuida de ella es su padre, reforzándose así la ya estrecha relación entre padre e hija de la cual siempre ha sido excluida Delia (Francesca Neri), la madre de la chica.

Grbavica, de Jasmila Zbanic
Una historia acerca del Sarajevo actual...
Esma quiere que su hija Sara, de doce años, tenga la oportunidad de participar en un viaje organizado por el colegio. Bastara con un certificado probando que su padre murió como un mártir durante la guerra para que saliese a mitad de precio, pero Esma siempre evade a Sara cuando ésta le pide el certificado. Al parecer, prefiere remover cielo y tierra para encontrar el dinero y pagar el precio del viaje. Está convencida de que se protege a sí misma y a su hija si no le cuenta la verdad.

Interview, de Steve Buscemi
Sienna Miller y Steve Buscemi juegan a un peligroso juego en un drama cargado de sexualidad que habla de los medios de comunicación, de la verdad y de la fama.
El autodestructivo Pierre Peders (Steve Buscemi) conoce bien la violencia y la atrocidad. Es un conocido reportero de guerra, ha recorrido el mundo y ha visto las peores cosas que se pueden imaginar. No es sorprendente que no le guste nada la idea de entrevistar a Katya (Sienna Miller), la estrella de telenovela estadounidense. Nada más conocerse, los dos mundos se enfrentan: el de Pierre, un mundo políticamente serio y preocupado, y el de Katya, el mundo superficial de los famosos. Pero las apariencias engañan. Según se van abriendo, encuentran una conexión más profunda. Cada uno tiene una herida abierta y sufre a su manera. Pero la honestidad lleva a la desilusión. Su confrontación se convierte en una apasionada partida de ajedrez con grandes dosis de ingenio, intriga y tensión sexual que acaba de forma totalmente inesperada.

Malba
Av. Figueroa Alcorta 3415 (Capital)

Este fin de semana, continúa el ciclo Óperas Primas en el auditorio del Malba. Recopila los primeros films de grandes directores de alrededor del mundo. Para disfrutar y volver a disfrutar.

Valor de la entrada: $13. Estudiantes y jubilados (con acreditación): $7.
Abono mensual: $56. Estudiantes y jubilados: $28

Jueves 24

14.00 El crimen de Oribe, de Leopoldo Torre Nilsson
16.00 Prisioneros de una noche, de David José Kohon
18.30 Ascensor para el cadalso, de Louis Malle
20.30 Sobre mujeres diferentes, de Vera Chytilova
22.15 El cuchillo bajo el agua, de Roman Polanski

Viernes 25

14.00 Los jóvenes viejos, de Rodolfo Kuhn
16.00 La insaciable, de Edgar Reitz
18.00 El cuchillo bajo el agua, de Roman Polanski
23.55 Perros de la calle, de Quentin Tarantino

Sábado 26

15.00 Crónica de un amor, de Michelangelo Antonioni
17.00 El crimen de Oribe, de Leopoldo Torre Nilsson
22.00 Rapado, de Martín Rejtman
23.55 ¿Qué pasa, Tiger Lily?, de Woody Allen

Domingo 27

15.00 Ascensor para el cadalso, de Louis Malle
17.00 ¿Qué pasa, Tiger Lily?, de Woody Allen

El Último Adiós al Rey del Pop

2009-09-19T22:16:00.008-03:00

El pasado 13 de septiembre, Janet Jackson rindió un tributo a su hermano Michael Jackson antes del inicio de la ceremonia de los Video Music Awards en Nueva York organizada por el canal estadounidense MTV.

Jackson, quien falleció el 25 de junio a los 50 años, fue la figura central de la noche. Su hermana menor y también cantante organizó durante varias semanas junto a bailarines profesionales lo que sería la despedida final a quien fuera coronado como el indiscutible Rey del Pop.

Luego de un discurso anecdótico por Madonna, se sucedieron los pasos característicos de algunos de los temas más importantes del astro de la música: Thriller, Bad y Smooth Criminal. Pero el momento más emotivo del homenaje fue sin dudas la representación de la canción Scream por la misma Janet. Imitando el videoclip dirigido por Mark Romanek en 1995 y con coreografías de Tina Landon, Janet interpretó la parte más agresiva de la canción con imagenes de Michael en el videoclip en una pantalla de fondo, generando el efecto de que ambos hermanos bailaban juntos sobre el escenario una última vez.

Desde la emisión de la entrega de premios, alrededor de 50 versiones del tributo fueron subidas a Youtube y una tras otra fueron suprimidas debido a reclamos de MTV por derechos de exclusividad. Mientras esté en línea y para quienes no se enteraron o no pudieron verlo y deseen ver el homenaje completo, a continuación dejamos un video un calidad media.

Además, se dio a conocer el avance de la película This Is It, la cual es una recopilación de las grabaciones de los ensayos de la gira homónima que Jackson pleneaba dar en Londres durante este año y 2010 antes de su repentina muerte.
La fecha de estreno en Argentina es para el 28 de octubre.

Pujía: "El arte es la memoria y la expresión de la humanidad"

2009-09-16T21:32:00.005-03:00

Me dirigí hasta la calle Chivilcoy 472 en el barrio porteño de Flores. Un hombre de 80 años me recibe en la puerta de una casa antigua de principio de siglo pasado. Un abrazo y una sonrisa y ya paso al interior de un nuevo mundo, hasta ahora, desconocido para mí.
En el camino hasta el fondo del atelier, veo más de 100 obras de distintos tipos y matices. LLego a una mesa larga y marrón. Cientos de ojos de mujeres en yeso, mármol, madera y cobre nos observan. Me siento y saco el grabador.

“Yo acostumbro hacer lo que vivo”, manifiesta el artista italiano Antonio Pujía. Y agrega: “ Hago lo que siento, lo que quiero expresar, es algo que no me sucede a mí solo, sino que es un fenómeno universal. Considero que el arte es la memoria y la expresión de la humanidad”

Pujía ha estado trabajando en este último tiempo en la obra Homenaje a la eterna mujer, donde recopila distintas obras en madera, mármol y bronce. La obra completa cuenta de cuatro secciones: Felicidad y Dolor (1951- 1980), A Modigliani (1980-2000)- pintor y escultor italiano-, La Cariatide (2000-2008), y Elogio a la Mujer (2000-2008).

“A lo largo de mi vida conocí mujeres fundamentales, mi maestra de primer grado, mi primera maestra de dibujo, en fin, hubo y hay una serie de personajes femeninos que fueron fundamentales en mi vida”, asegura el escultor.

Cuenta “Antonito”- así lo llaman los amigos-que la mujer es la creadora por excelencia. “Nosotros ( los hombres) somos un estímulo necesario importante, pero la creadora es la mujer”. Y concluye: “ Hacía tiempo que tenía ganas de hacer un homenaje de este tipo, homenajear a la mujer es una manera, también, de homenajear a mi abuela, a mi madre, a mi esposa, y en la actualidad, a mi nieta de once años”.
Pujía tiene una actitud pasiva, calma, solemne. Cuando le pregunto por la realidad argentina se sorprende y ríe. “ Yo veo a la Argentina con mucho optimismo y espero que así lo vean los demás también”. Cree que hay mucha gente que piensa como él, pese a que “suceden calamidades que amenazan ecológicamente y económicamente al país”. Hace una pausa y remata: “ Es como si hubiese una necesidad de matarse unos con otros, es algo que carece de total sentido, sin embargo, soy de los que piensan que lo bueno vence”.

Agenda de Recitales en Calzoncillos

2009-09-16T19:58:00.005-03:00

Lugares recomendados para disfrutar buena música el fin de semana.

Hot Club de Boedo

En homenaje al guitarrista Oscar Alemán a celebrarse el centenario de su nacimiento, el grupo argentino de Jazz Hot Club de Boedo se presentará el viernes 18 a las 19 horas en el Salón del Consejo “Bernardo Houssay” de la Facultad de Medicina. La entrada es libre y gratuita.

Indio Solari en Salta

Se presentará el sábado 19 en el estadio Padre Martiarena ubicado en Salta Capital. Será el único recital que realizará en el 2009 y genera muchas expectativas ya que no forma parte de la saga Porco Rex, último CD del ex líder ricotero. Las entradas pueden adquirirse en Locuras y cuesta 80 pesos la general.

South American Music Conference 2009 (SAMC)

El festival electrónico se llevará a cabo el sábado 19 en la sede Jorge Newbery del estadio GEBA. Entradas desde 100 pesos.

Lily Allen en Argentina

La cantante británica presentará su segundo disco el sábado 19 en el Luna Park.
Entradas desde 90 pesos que se pueden adquirir en:
Estadio Luna Park
Ticketportal
Locales Johnson:
Vidt 2084 (Palermo)
Avda. Cabildo 2020 (Belgrano)
Florida 313 (Microcentro)
Camacuá 48 (Flores)

Teatro para agendar: "Caperucita, un espectáculo feroz"

2009-09-15T22:15:00.013-03:00

Hace apenas unos días, el dramaturgo y director de teatro Javier Daulte estrenó su más reciente obra, Caperucita, en el Multiteatro. Durante esta semana y hasta la próxima inclusive, todas las plateas del espectáculo tienen un valor de 50 pesos cada una. Se trata de una muy buena oportunidad para ver una obra sobre la calle Corrientes a buen precio.

Próximamente, un comentario de la pieza.

Con el cuento infantil como disparador de una trama más compleja, la historia de tres generaciones de mujeres se entrelazan en una comedia "sobre el amor y sus excesos". Y, por supuesto, con la presencia de un lobo feroz.

Escrita y dirigida por Javier Daulte y protagonizada por Valeria Bertuccelli, Héctor Díaz, Alejandra Flechner y Verónica Llinas, las funciones son de miércoles a sábado a las 21 hs. y los domingos a las 20 hs. en el Multiteatro (Av. Corrientes 1283).

Patrick Swayze 1952 - 2009

2009-09-15T22:05:00.003-03:00

ACTO I - ESCENA 1ª

2009-09-15T00:38:00.030-03:00

El Teatro Colón atraviesa el momento más difícil de su vida centenaria. Inhabilitados su escenario, su sala principal y de ensayos, el foyer, sus talleres, los espacios de biblioteca, archivos, oficinas, etc., por un retraso inaceptable en las refacciones. Ya van dos temporadas que debe realizar en lugares alternativos, y que resulta imperativo alquilar. Pero además, estos lugares, no son siempre adecuados por temas de acústica, estética, comodidad, precio. Sin embargo, el Colón no interrumpió su trabajo. Es decir que el pesar por el retraso de la obra, no asesinó el arte.

Hoy en día se dice que no tenemos un “modelo” de teatro, pero sí lo tenemos: un gran Teatro de ópera, ballet y conciertos, del altísimo nivel que tuvo y que ha producido en cantidad y calidad. Que ha intercambiado y extendido el arte a escenarios del país y del mundo, que ha ofrecido repertorios variados y que siempre ha cuidado a sus artistas y trabajadores. En este Teatro los artistas argentinos -hoy, entre los mejores del mundo- han sido honrados y no ofendidos. Este Teatro, que tanto desprecia nuestro gobierno, quiere ser visitado por los extranjeros. Varios espacios comunitarios de la ciudad que producen actividades culturales fueron cerrados, desalojados o desestabilizados. El Centro Cultural y Social Almagro, Centro Cultural del Sur, Centro Cultural 20 de la Asamblea de Flores, Casa Zitarrosa, El Sexto Kultural, la fábrica IMPA Ciudad Cultural, Casa de la Cultura Compadres del Horizonte, La Huerta Orgazmika y el Centro Cultural La Sala, el Grupo de Cine Libre de Parque Rivadavia y hasta el mismísimo Teatro Colón, por la paralización de sus obras.Todo forma parte del mismo paquete: precarización, criminalización, desarraigo y exclusión de lo no rentable.

No importa el color

2009-09-14T01:21:00.004-03:00

La crítica de un libro que critica a los “machos”

A pesar de que la historia las recuerda como seres inferiores a través de años caracterizados por la desigualdad, la mujer alcanzó el objetivo más grande que se propuso: reivindicarse como tal, expresarse, romper límites y hasta rebelarse, todo en función de la igualdad.

Hoy, un libro de tapa rosa, llamado “Contrato de señoritas. Ni putas ni sumisas” recorre las librerías y no logra pasar desapercibido. Es una obra de Gizela Marziotta que busca relatar eróticamente los anhelos y experiencias de la mujer, que en éste caso es ella. En sus 270 páginas, busca admitir que ya no es necesario someterse al extremismo islámico ni a ningún tipo de servilicio machista. Por el contrario, la autora aconseja “ser como somos, sin importar los dedos jueces que juzgaran a quienes quieren protagonizar su vida en lugar de mirarla pasar”
De esa manera, este libro propone buscar y relucir con ironías -un tanto feministas- lo que la mujer “no debe hacer”. Intenta hablar de sexo desde una perspectiva más profunda, en la que el hombre no es, ni por casualidad, el que domina el momento.
“(…) Nos revolcábamos, nos apretujábamos, nos tocábamos y nos besábamos a lo loco. Me sentía un poco adolescente, pero me encantaba. Calentar nos calentábamos, ese no era el problema, en realidad no es que hubiera un problema, pero… de garchar ni hablar (…)”
Con textos divertidos, historias en las que sentirse identificado y malas palabras se desencadenan atrapantes relatos. Además cuenta con información de fuentes muy confiables: reconocidos sexólogos, psicólogos, sociólogos, filósofos, obstetras, psiquiatras, y autoridades de diferentes religiones (rabinos, seikes, curas) etc.
No solo estas historias y relatos completan las páginas, abundan los datos duros tales como encuestas, informes y entrevistas a profesionales de salud que intentaran responder las preguntas más frecuentes de la humanidad, al menos de las mujeres en general.
En este libro el género femenino es el que tiene la palabra, y la usará para hablar sobre placer y sentimientos, ideas, deseos y fantasías sexuales. Sin necesidad al fin, de ser vistas como unas prostitutas.

Fuente: “Contrato de señoritas, ni putas ni sumisas”- Gizela Marziotta- Editorial Vergara-

8 formas de amigarte con el arte en la web

2009-09-12T00:04:00.007-03:00

Creá tu propia versión del arte moderno en Viscosity

Hacé la versión Picasso de vos mismo en Mr. Picasso Head

Jugá a ser Jackson Pollock frente a un lienzo en blanco en JacksonPollock. Con cada click tu paleta cambia de color.

Prepará el traje para salir a escena con tu piano en la computadora

¿No te acordás de cómo se llama esa canción que estás tarareando? Cantala con al barra espaciadora y esta página te va a decir el nombre.

Convertite en cantante en tu propio living con un karaoke virtual.

¿Escuchaste hablar alguna vez del cadáver exquisito? Esta forma de creación colectiva que usaban los surrealistas consiste en que cada integrante del grupo aporte una parte a la obra, pero sin saber qué incluirán los demás. Ahora, vos podés ser parte de uno

Hacé una recorrida por los Museos Vaticanos, el Museo Thyssen, el Centro Pompidou (Museo de arte moderno), el Prado, el Museo Dalí, el Louvre o el National Gallery.

Luis Cano: “En escena, un texto podría tener la suerte de convertirse en materia viva”

2009-09-10T13:28:00.046-03:00

Nacido en 1966, Luis Cano es hoy uno de los profesionales más reconocidos e interesantes de la escena teatral porteña. Hace unos pocos meses estrenó Coquetos carnavales, en el Teatro Sarmiento, de su autoría y dirección. Esta obra, que ya antes de estrenarse obtuvo tres premios, presenta a un elenco cien por ciento masculino en un juego pesadillesco que busca exponer la violencia que nos rodea.

El autor se lució, además con obras como Conga!, La forma que se despliega y Hamlet de William Shakespeare. Es además el responsable de la creación del posgrado en dramaturgia del Instituto Universitario Nacional de Arte (IUNA) y una de las figuras teatrales que más interés ha demostrado por reapropiarse de los textos clásicos y sus conceptos centrales.

"Un texto se vuelve clásico por apropiaciones culturales. Hay un movimiento histórico que hace que sea validado como tal. Sin dudas, esas obras teatrales tuvieron algún tipo de relevancia en distintos momentos, y durante su tiempo, no fueron clásicos, sino un desvío".

De esta manera, el dramaturgo Luis Cano empieza a buscar la respuesta a una pregunta que nunca ha podido ser respondida del todo: ¿Qué es lo que convierte a un texto en un clásico?

¿Cómo se adhiere esta categoría a una obra u otra?

Lo que tienen estos textos es la habilidad de atravesar los tiempos y que, entre otras cosas, siga presente su significado. Un significado inasible, del tipo de Edipo, que se sigue representando porque son cuestiones irracionales por las que uno está atravesado. A lo largo del tiempo, se atenúan los valores urticantes que las obras tenían en su época. Entonces, lo que uno va a tener que buscar en ellos es cómo lograr que siga apareciendo la pregunta que en algún momento se tiró sobre la mesa. Sin embargo, yo no creo que la reescritura, que lo que yo hice con Hamlet, sea lo que hay que hacer.

Al respecto de su iniciativa, Cano no duda en asegurar que reescribir un texto clásico “es costoso”. En el caso de su Hamlet de William Shakespeare, estrenada en 2004, considera que lo más controversial fue que se hubiera “tocado el museo”. Lo importante no era la puesta, “sino que era imperdonable que se haya pretendido poner otras palabras a algo que estaría fijo en alguna parte”. Respecto de las “obras-museo”, Cano aclara que los clásicos se convierten en tales después de que el ambiente cultural convalide sus rupturas.

"Toda obra artística es necesariamente contracultural. Cultura y arte son oposiciones. La primera está permanentemente operando para apropiarse de la segunda, y ésta intenta constantemente intervenir ese flujo".

Cuando se termina de escribir un texto dramático, ¿vive sólo al ser representado o se mantiene vivo?

La vitalidad de aquello que pueda ser leído, se la da el lector. En escena, un texto podría tener la suerte de convertirse en materia viva, o no, que es lo que pasa en buena parte con los clásicos: textos dichos no como la cosa que son, sino como envoltorios. En esos casos, puede estar vivo de acuerdo a la extensión que pueda darle el director.

En este sentido, Cano considera que el trabajo del director también involucra dramaturgia, aunque no sea con el uso de la palabra. “En este caso, tiene que ver con el espacio, con el tipo de vínculo con el espectador, con signos, con acentos, con una realidad”.

Tal es el caso de su versión de Pelícano, de August Strindberg, en escena hasta julio de 2008. En esa oportunidad, no fue el texto sino la puesta la que fue intervenida. Y generó problemas. “El material se resistía. Es una obra en la que resulta estructural que las fuerzas sobrenaturales muevan la voluntad de las personas, por lo que retirar alegremente algunos elementos, como hice yo, debilitaba su estructura”. A partir de esa experiencia, Cano advierte: “Una intervención no necesariamente produce algo interesante”.

En el caso de autores que atentan contra formas teatrales, como Elfriede Jelinek, ¿pueden convertirse en clásicos en el futuro?

Con el tiempo veremos qué hace la historia con ella. Pienso que sí, pero habría que preguntarse en qué contexto. Cuando uno piensa desde Buenos Aires, puede no entender cómo se llega alguno de sus planteos, que disparan contra convenciones que asfixian al teatro de su lugar. En general, los textos de Jelinek se construyen desde el espacio de las convenciones. Esos autores tienen un profundo conocimiento de la teatralidad.

¿Y cuál sería el caso de Sarah Kane? En los últimos tres años, se estrenaron en Buenos Aires todos sus trabajos.

Me parece que ese fenómeno tiene que ver un movimiento de mercado. Ella integra un grupo de dramaturgos que tienen relevancia en su momento, pero dada su biografìa (Kane era bipolar y se suicidó a los 28 años), se lee su obra atravesada por esto. Sin embargo, hay textos suyos que podrían pensarse tardíos e ingenuos con otras cosas que ya se habían planteados en los setenta por Griselda Gambaro.

Por Mariana Sísaro y Emilio Zineroni